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La Misa, un género musical sacro, es una composición coral que traslada la música a secciones fijas de la liturgia.
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La Oda, como forma poética, ha servido de inspiración y base para la composición musical durante siglos. Su naturaleza lírica, su capacidad para expresar emociones profundas y su estructura a menudo elevada y ceremonial la convirtieron en un lienzo perfecto para que los compositores crearan obras de gran magnitud y significado. La historia de la Oda en la música es un viaje fascinante a través de diferentes épocas y estilos, desde los himnos antiguos hasta las grandes obras corales y sinfónicas de la modernidad.
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La Música Coral, la práctica de cantar en grupo en conjunto, es una de las formas de expresión artística más antiguas y universales de la humanidad. Desde los cantos rituales de las comunidades primitivas hasta las complejas Sinfonías Corales contemporáneas, el acto de unir voces en armonía o al unísono ha sido una constante en todas las culturas y épocas. Su historia es un vasto tapiz que entrelaza la evolución musical con los cambios sociales, religiosos y tecnológicos.
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El Madrigal es un género musical vocal que surgió en Italia durante el Renacimiento. Este tipo de composición se caracteriza por su complejidad armónica y su uso de la polifonía, lo que lo convierte en uno de los géneros más sofisticados de la música clásica. En pocas palabras, el Madrigal es una forma poética bucólica o pastoral procedente del Renacimiento italiano.
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Hasta hace relativamente poco, la función primordial de la mujer era hacer feliz a su marido, y mientras que no estuviera casada, a su padre y a sus hermanos. Debía encargarse al cien por cien de las labores del hogar, y desde bien temprana edad se les instruía para cocinar, lavar, limpiar o criar a sus hijos.
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Tras siglos de olvido, la recuperación del teatro en el Occidente medieval, tuvo principal apoyo en el clero. La introducción de la representación dramática supuso la forma más interesante y seguramente la más sorprendente con la que la iglesia medieval agrandó y embelleció su liturgia.
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La Gallarda fue una forma musical y dancística del Renacimiento, popular en toda Europa en el siglo XVI. Se la menciona en manuales de danza de Inglaterra, Francia, España, Alemania e Italia, entre otros. Los ejemplares más antiguos de esta danza se conservan en la ciudad de París, aunque su origen es italiano. La Gallarda es improvisada, con los danzarines combinando patrones de pasos que ocupan uno o más compases de música.
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La danza y el baile jugaban un papel fundamental en la sociedad renacentista y no sólo constituía, como en la actualidad, un entretenimiento o diversión, sino también una vía de ascenso social y un punto de encuentro de encuentro de hombres y mujeres de aquella época.
Es precisamente a partir del siglo XV cuando se dispuso de un mayor número de detalles acerca de la música y la vestimenta que acompañaban las danzas. Se cree que los Branles más antiguos se usaban en rituales para provocar la lluvia o la fertilidad. Los Branles abrían los bailes de la nobleza, es por eso que es importante tener el conocimiento de ello. El Branle, (o Bransle) es un estilo de danza y forma musical del siglo XVI, originario de Francia, en el que el movimiento principal es lateral, y se bailaba en parejas o en grupo formando líneas o círculos. El nombre de esta danza proviene del francés “branler” (sacudir) o “brander” (blandir). En Italia se lo llamó Brando y en España Bran, demostrando la amplia divergencia de las danzas francesas e italianas a partir del siglo XVII. El Branle parece haber sido trasladado a Escocia, en donde sobrevivió por mucho tiempo como una danza popular con el nombre de Brail, pero en Inglaterra fue raramente utilizada, ya que sobre más de cien piezas inglesas para laúd de la época, sólo una decena fueron tituladas “Branle”. La única referencia existente sobre los pasos del Branle francés es la ”Orchesography”, de Thoinot Arbeau, y alguna breve mención al tema por parte de Antonius de Arena. Arbeau escribió claramente que el Branle era una danza practicada por la plebe. Arheau describió coreografías para cinco Branles asociados con regiones específicas: el Branle de Bretaña, el Branle de Borgoña, el Branle de Poitou y el Branle de Escocia. Aparte del Branle de Borgoña, cada uno de estos bailes parecía tener una conexión genuina con la región, particularmente el Branle de Bretaña. En varios libros de música de esa época, aparecía así mismo, un Branle de Campaña, que según Arbeau, es un sinónimo del de Borgoña.
De acuerdo con Arbeau, todos los bailes comenzaban con los mismos cuatro Branles: *el Branle doble, que tenía una forma simple, no muy diferente de la Pavana, como para atraer el interés de los compositores, por lo que piezas con este nombre son muy raras en los libros instrumentales de la época; *el Branle simple, que consiste en una frase de dos compases, seguida de una frase de un compás; *el Branle alegre, estructurado por dos frases de dos compases cada una, pero en tiempo ternario (3/4), y fue más ampliamente utilizado; *el Branle de Borgoña, de igual estructura que el doble, pero interpretado más livianamente. Las fuentes musicales a menudo muestran una estructura irregular, para esta familia de danzas. Si bien el Branle bretón es raramente mencionado fuera del tratado de Arbeau, los otros estilos regionales proveyeron algo de inspiración a los compositores. Según Mabel Dolmetsch, el Branle fue referido como Brail en Escocia, danza de tiempo binario. El primer Branle escocés tenía frases musicales de dos compases, y el segundo, de dos o tres. Dos ejemplos de música titulada “Branle escocés”, compuestos por Etienne du Tertre tienen sin embargo tiempo ternario. Existe un número de piezas anteriores a la década de 1550 llamados “Branle de Village”, que parecen haber ganado popularidad a principios del siglo XVII. Usualmente incorporan pasajes rústicos en sus melodías, como por ejemplo, repetición de notas. El ”Branle de Village” no estaba asociado con una estructura específica de danza, presentando grandes diferencias entre distintas obras así tituladas. Emmanuel Adrianessen incluye una pieza llamada "Branle inglés" en su libro de música para laúd, "Pratum Musicum". Según Arbeau, había muchas suites reconocidas de Branle, de hasta más de diez piezas, con títulos como “Branle de Campaña”, “Branle de campo”, “Branle de Henaut”, o ”Branle de Aviñón”. El nombre del conjunto era "Branles couppez" que se traduce literalmente como "Branles cortados", pero más propiamente significaría "Branles mezclados".
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| Branle d'Ossau by Alfred Dartiguenave, 1855–1856 |
