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Gnawa (Marruecos-Argelia)


Gnawa o Gnaoua es el nombre que reciben en Marruecos y otros lugares del Magreb (países musulmanes del norte de África), los miembros de una serie de cofradías místicas musulmanas caracterizadas por su origen y por el uso de cantos, danzas y rituales sincréticos como medios para llegar al trance. La palabra Gnawa es plural y su singular es Gnawi. El término se refiere también al estilo musical de reminiscencias sub-saharianas practicado por estas cofradías o por músicos que se inspiran en ellas. Es uno de los géneros principales del folklore de Marruecos. Habitualmente se piensa que la palabra Gnawi procede de la palabra Guinea, por ser ésta región de África el lugar de procedencia de los primeros Gnawa. En realidad ambos términos proceden de Ignaw, que en la lengua hablada en la región del Sus, en el sur de Marruecos, significa “mudo”. Los bereberes del Sus se referían de éste modo a los esclavos negros a causa de que hablaban idiomas incomprensibles para ellos. El término pasó a la lengua árabe coloquial del Magreb como modo de designar a los negros en general, y también se utilizó para referirse a la región de la que procedían los esclavos que llegaban a Marruecos. Los Gnawa son descendientes de los esclavos negros que los gobernantes árabes y bereberes de los actuales Marruecos y Argelia, especialmente el primero, capturaron en diferentes regiones del África occidental, destinándolos a ser parte de sus ejércitos y para la construcción de ciudades y fortalezas. Una leyenda atribuye al sultán Ahmed Ad-Dahbi, la captura y traslado a Marruecos de los primeros Gnawa tras la conquista del imperio Shangai en 1591, pero lo cierto es que el tráfico de esclavos existía desde hacía siglos. Los Gnawa tienen antepasados de procedencia diversa como lo demuestra su vocabulario que conservan en sus canciones. Con el tiempo los esclavos se convirtieron al Islam pero mantuvieron algunas de sus creencias y rituales, en particular los ritos de trance y posesión, algo similar a los cultos afroamericanos como el candomblé, la santería o el vudú.
Los Gnawa son arabo hablantes, en países en los que coexiste el árabe con varias lenguas bereberes. Según los propios Gnawa, hasta hace unas décadas todavía existía entre ellos quienes eran capaces de hablar la lengua de sus antepasados esclavos. Sus canciones contienen gran número de vocablos y expresiones no árabes, que han sido identificadas por los estudiosos como pertenecientes a diferentes lenguas africanas y hacen referencia a las etnias o lugares de origen de esos primeros esclavos. La palabra Bambara, que a veces se usa para designar la lengua de sus antepasados, da nombre también a un tipo de canto en particular. Los Gnawa practican el trance hipnótico por medio de su música y unos bailes que evocan a los santos protectores, a los que se les atribuye poder para expulsar a los demonios y curar determinadas enfermedades. En Marruecos se piensa que los Gnawa son especialistas en sanar las picaduras de escorpión y los desórdenes mentales gracias a esa intercesión. En Marruecos el ritual de posesión es conocido como Lila, mientras que en Argelia, como Diwan. Los instrumentos musicales que utilizan son el Gembri o Sintir, un instrumento de tres cuerdas y sonido de bajo; el Tbel o tambor, que se toca con la ayuda de un palo corvo, y las Qraqeb, unas características castañuelas de metal. La música es muy rítmica y se caracteriza por un canto dialogado en el que una voz principal realiza invocaciones y es respondida por el coro, sobre una melodía sencilla acompañada por palmas. Los bailes son también muy rítmicos. Los participantes suelen mover la cabeza describiendo círculos, movimiento que se contagia al resto del cuerpo, dando entonces vueltas sobre sí mismos al tiempo que se ponen en cuclillas y siguen girando. De éste modo consiguen entrar en trance. La música Gnawa se ha internacionalizado gracias a músicos occidentales como Bill Laswell, Adam Rudolph o Randy Weston, que la han incluido en sus composiciones. Como producto de ese interés exterior, la producción musical Gnawa se ha incrementado en la última década del Siglo XX, son fusiones destinadas a un público más amplio y lejos de lo místico-religioso, con Hassan Hakmoun como el más destacado músico Gnawa en Marruecos, o el grupo Gnawa Difussion en Francia.






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Jazz

El Jazz es ante todo improvisación, vida, expresividad, evolución constante. Hablar de Jazz como música afro americana sería simplificar demasiado las cosas ya que es una forma de expresión espontánea. Es libertad, canto de protesta y de marginación. La primera grabación de Jazz se efectuó en 1917, pero la música existía, por lo menos en su estado primitivo, desde hacía 20 años. Influenciado por la música clásica, marchas, Spirituals, Work Songs, Ragtime y Blues y la música popular de la época, el Jazz ya era una forma de música cuando comenzó su documentación. Es probable que inicialmente fuera interpretado por músicos sin formación que tocaban en bandas, desfiles, funerales y bailes de Nueva Orleáns. Es posible pensar que los músicos no tocaban de manera continua las melodías, sino que le agregaban variaciones para mantenerlas interesantes. Buddy Bolden, el primer músico famoso en ser considerado jazzista, formó su banda en 1895, se podría considerar a esta fecha como una simbólica del nacimiento del Jazz. Durante las dos décadas siguientes no existe documentación, si bien se sabe que progresó a pasos lentos. Freddie Keppard sucedió a Bolden como el cornetista de más prestigio, pero fue rápidamente superado por King Oliver

Aunque algunos músicos de Nueva Orleáns viajaron al norte, el Jazz no salió de su lugar de origen hasta la Primera Guerra Mundial. En enero de 1917 un grupo de músicos blancos llamados, sin modestia The Original Dixieland Jazz Band, grabaron un par de temas que no se publicaron. Dos meses después grabaron dos nuevas canciones que tuvieron gran éxito y así el Jazz se convirtió en moda. Pasaron muchos años antes de que se hicieran grabaciones con músicos negros. El año 1932 fue muy importante ya que ese año hizo su grabación debut la King Olivier's Creóle Band que incluía en corneta a Louis Amstrong y en clarinete a Jhonny Dodds. La movilización de los negros del sur de EEUU buscando mejores condiciones económicas también contribuyó a que los músicos de Nueva Orleáns salieran hacia otras ciudades del norte y del este. A principios de los años 20 Chicago se convirtió en el centro del Jazz. Cuando Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en Nueva York en 1924, descubrió que los músicos neoyorkinos, aunque técnicamente superiores, tocaban sin la emoción de los sureños. Armstrongn, con sus solos dramáticos y explosivos tuvo una gran influencia al cambiar la manera de frasear solos, abriendo así nuevos caminos de improvisación, lo cual ayudó a la creación del Swing. Durante la segunda mitad de la década del 20 las orquestas con mayor número de músicos y con base en el jazz se hicieron populares y la improvisación colectiva que distinguía el estilo Dixieland se encontró fuera de moda y restringida a pequeños grupos.








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New Age

La música New Age es un estilo musical vagamente definido que generalmente es melódicamente suave, a menudo instrumental o con voces etéreas y suele incorporar grabaciones tomadas de la naturaleza. Es una música meditativa, generalmente de tiempo lento, muchas veces relacionada con las creencias de la Nueva Era, que invita al oyente a sumergirse en un sentimiento de armonía, paz interior, amor a la vida, a Gaia o para redescubrirse uno mismo como parte integrante del universo. La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con la Nueva Era, por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década del 60 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona  más con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias. El término New Age lo estableció la revista Bilboard. Se dice que esta música llego a ser popular debido a que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, sin las limitaciones de las religiones organizadas. Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales, o versiones sintetizadas de ellos, con poca relación al contexto musical de su origen.  Para muchos críticos y etnomusicólogos lo peor de este estilo es su insípida homogenización de instrumentos y material musical apropiados de sus cultores originales. La New Age esta emparentada de cerca con grabaciones realizadas hace muchos años. En 1968 Paul Horn grabó el que hoy se considera el precursor directo de este sonido: Inside The Taj Mahal, improvisaciones de flauta realizadas en el interior del templo hindú. De 1968 a 1973 músicos alemanes como Holger Czukay, Popol Vuh y Tangerine Dream sacaron varios trabajos con sonidos experimentales y texturas construidas con instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos. Su música, referida como “cósmica”, puede ser considerada como Música Ambiente o New Age dependiendo del punto de vista. Luego Brian Eno definió el estilo y los patrones de la Música Ambiental que podía relacionarse con otros estilos a finales de los 70.  

Definir ciertos grupos o álbumes como Música New Age puede resultar controvertido entre sus aficionados debido a que los límites de este género musical no están bien definidos. También debido a que algunos artistas expresan su afiliación en creencias New Age y muchos otros declaran específicamente no formar parte de dicho movimiento y rechazan que se catalogue su trabajo como Música New Age. Las características principales de este estilo pueden ser:
-          Ser poco comercial, en el sentido de no ser música sencilla o pegadiza destinada a vender un gran numero de copias, lo que no impidió que haya artistas que obtuvieron superventas;
-          Suele ser instrumental, aunque no necesariamente;
-          Tiene un fuerte componente vanguardista e innovador;
-          Abarca una infinidad de estilos que van desde los que se acercan al Pop o al Rock, hasta los ritmos étnicos;
-          En mucha ocasiones utilizan melodías suaves y poco estridentes pero no en todos los casos.
La música New Age se puede clasificar en múltiples familias. Una de las muchas clasificaciones posibles es la de World Music, compuesta por músicas étnicas ya sea en estado puro o mezclados con otros estilos. Otra clasificación es el Folk, que incluye a músicas tradicionales de Occidente tamizadas con estilos actuales cono el caso de los grupos de música celta. Otra variante es la Electrónica, creada con computadoras o sintetizadores. La Progresiva es la música que evolucionó del Rock Sinfónico o de los compositores clásicos mas recientes, lo que la convierte en el equivalente a la música clásica de hoy en día. El Jazz-Fusión es la mezcla de Jazz con otros estilos como el Rock, Pop o la música étnica. La Música Vocal es cualquiera de las acepciones anteriores cuando deja de ser instrumental y pasa  a incluir la voz humana como un elemento más. Existen tres grupos de discográficas que difunden esta música. En primer lugar Windham Hill y Private Music en EEUU; y Coda Landscape y Colors en Inglaterra como independientes establecidas; las multinacionales y las pequeñas compañías. De todo este aparente caos de estilos y movimientos surgirá con el tiempo algo más fiable, pero esto será ya en otra era.



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Vallenato (Colombia)


Una de las tantas maravillas de Colombia es su diversidad en muchos aspectos, entre ellos el cultural. Cuando un extranjero llega a ese país se sorprende por la diferencia que hay entre la gente de la costa y la de Bogotá, los paisas y los vallunos, etc. La música colombiana no es la excepción a esa diversidad. En Cartagena nos encontramos ritmos tropicales como la Salsa y la Champeta; en Barranquilla Cumbiambas, Tamboras y Merengues; llegando a Santa Marta empezamos a encontrar la música Vailenata. En Vaíledupar, la palabra Vallenato es el único sinónimo de música y ahí pareciera que el acordeón, la caja y la guacharaca fueran los únicos instrumentos existentes en el mundo. Los tres instrumentos típicos del Vallenato, es la imagen del mestizaje del cual los colombianos son producto: el acordeón de origen europeo, la guacharaca como instrumento propio de los aborígenes y la caja de descendencia africana. Así mismo, las letras           son una mezcla de las décimas españolas, los gritos africanos representados en coro y lamentos. Encontramos así una música  colombiana fiel representante de su cultura y exitosa a nivel internacional. Es imposible atribuirle una sola cuna al origen del Vallenato. La extensión de la gaita por las provincias abrió las puertas a la incorporación del acordeón al conjunto instrumental Vallenato a finales del siglo XIX. El proceso tomó de tres a cuatro décadas pues el acordeón comenzó solo su carrera por la comarca. En las postrimerías de los años 20 ya hacía tiempo que el acordeón se acompañaba de la caja y la guacharaca. La unión entre los tres instrumentos fue un efecto social y popular. Esto se produjo en reuniones de gente humilde como parrandas, cumbiambas y fiestas. 
El Vallenato surgió de abajo y tardó más de medio siglo en adquirir rango social. Uno de los escenarios donde empezó a codearse con la música de la burguesía fue el de las colitas, que es el nombre que recibían el final de las fiestas de la gente        en las que los patrones las remataban junto a la servidumbre a punta de acordeón, guacharaca y caja. Las colitas no ayudaron a formar el Vallenato sino a divulgarlo. La música Vallenata empezó a darse a conocer fuera de su zona de origen entre los años 20 y 30, los trabajadores acudían al departamento de Magdalena de todas partes de Colombia y del Caribe, corno los negros jamaiquinos o "yumecas". Estos trabajadores escucharon esta música y la llevaron a sus lugares de origen. Uno de los focos de la música fueron los prostíbulos, conocidos como "Academias de baile". Hubo otro movimiento migratorio que abrió las puertas de los altos salones de Bogotá al Vallenato. Ocurrió en los años 50 cuando jóvenes de las provincias pertenecientes a familias ricas, viajaron a estudiar a la capital y llevaron su música que cautivó a sus condiscípulos de la alta sociedad bogotana.








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Tamborileros de Tabasco (México)


Los Tamborileros de Tabasco son conjuntos musicales autóctonos típicos del Estado mexicano de Tabasco, conformado por un número indefinido integrantes, los cuales ejecutan dos tipos de instrumentos, uno de viento: flauta de carrizo (planta gramínea), y uno de percusión, tambores hechos de madera de cedro, con parches de piel de venado, el cual se ha transformado y modificado en algunas regiones.
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Huayno (Perú)


El Huayno, también escrito como Huaiño o Huaino (del quechua wayñu), es un género musical y un baile peruano andino. Es de origen prehispánico, constituyendo el baile más conocido en todo el Imperio Inca, aunque no era muy común en el pueblo, ya que estaban muy dedicados al trabajo y a la productividad, pero no se descarta que el Huayno se haya bailado con un fin ceremonial. Continúa siendo el baile tradicional en casi todos los pueblos de la serranía.
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Arrocha (Brasil)


La Arrocha es un género musical y danza originario de Bahía, Brasil. El género surgió a partir de la música Brega, con la variante de incluir teclados electrónicos. Este instrumento permite que las bandas estén compuestas por pocos músicos, y es ello lo que la distingue de otros géneros relacionados. Usualmente están compuestas por un tecladista, un saxofonista y un guitarrista.
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El Caballito (Guatemala)


El Caballito es una de las tradiciones emblemáticas del departamento guatemalteco del Petén. Consiste en un baile realizado por una sola persona que se introduce en una armazón en forma de caballo y que sostiene con ambas manos durante el baile, sobresaliendo sobre la cintura hacia arriba simulando al jinete, mientras que sus piernas se convierten en las del Caballito.
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Trot (Corea del Sur)


El Trot, pronunciado “teuroteu”, es el género más antiguo de la música Pop coreana. Fue desarrollado desde aproximadamente comienzos del 1900, hasta los años de la Segunda Guerra Mundial. Los intérpretes más reconocidos de este género son los cantantes surcoreanos  Tae Jin Ah y Song Dae Gwan. Algunos rockeros como Cho Yong-pil, también incursionaron en este tipo de música. El término Trot es relativamente reciente para definir al Pop original coreano y fue acuñado en la década de 1980.
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Rara (Haití)


Rara se refiere a un ritmo musical haitiano que se caracteriza por el predominio de la percusión. El término Rara también se refiere a las festividades que comienzan inmediatamente después del período de carnaval. Ya sea en Léogâne, Port-au-Prince o Gonaïves, una multitud de personas celebran la cuaresma, desde el Miércoles de Cenizas hasta el domingo de Pascuas, al ritmo de la Rara.
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