Soul Jazz

 

 

Los estilos vocales Gospel de Aretha Franklin, los ritmos enérgicos de James Brown y las armonías suaves de Impressions inspiraron nuevas expresiones en el Jazz, llamadas “Soul Jazz”. El Soul Jazz es una designación extraña que apareció en un período relativamente breve de poco más de una década que incluyó una andanada de innovación: Bebop, Cool Jazz y Hard Bop.

El Soul Jazz se hizo más popular a principios de los años 60, cuando Jimmy Smith redujo su estilo a una esencia Funky, pasando del Bop y el Hard Bop de sus álbumes de 1956-58 en Blue Note, comenzando con “Home Cookin'” lanzado en 1959. Otros organistas importantes siguieron durante la década siguiente, como Jimmy McGriff, Jack McDuff, Johnny Hammond Smith, John Patton, Shirley Scott, Rhoda Scott, Charles Earland, Don Patterson y Richard “Groove” Holmes, entre muchos otros; todos ellos con enfoques únicos. Las composiciones clásicas de Horace Silver, como “The Preacher” y “Moanin'”, de Bobby Timmons, también fueron populares en el ámbito del Soul Jazz, pero el género tiene una historia que tiene sus raíces en la iglesia y, más allá, en los organistas anteriores a Jimmy Smith. Cannonball Adderley, a principios y mediados de los años 60, fue uno de los mayores atractivos del Soul Jazz. El soul jazz también presentó al público a algunos de los mejores guitarristas de todos los tiempos, Grant Green, un fenómeno de 21 años llamado George Benson y otro talento prodigioso: Pat Martino. Milt Buckner fue uno de los primeros defensores del órgano Hammond. Inicialmente pianista, la innovación pianística de Buckner fue el uso de acordes en bloque que influyeron en legiones de pianistas, desde Red Garland hasta Bill Evans. Cuando Buckner se pasó al órgano Hammond, al igual que sus contemporáneos Bill Doggett y Wild Bill Davis, utilizó principalmente el instrumento mostrando el enorme sonido obtenido para actuar como una gran banda. En 1956, cuando Smith llegó a la escena del Jazz, su primera grabación, “A new sound, a new star”, se basó en gran medida en la influencia de Bill Davis en cuanto a sonido de órgano, pero las ideas que integraba, el Blues, Charlie Parker, Horace Silver y Bud Powell, eran desconocidas para la época. La clave de gran parte del Soul Jazz es que era bailable.

En la mayoría de los casos, las formas de las canciones eran relativamente simples, formas de canciones AABA y formas estándar de blues de 12 compases. “The Preacher” de Horace Silver era un poco diferente: una forma de 16 compases con fuertes dosis de Gospel y R&B. Muchas melodías tocadas por Jack Mcduff y Charles Earland eran un poco más complejas con interludios y coros a gritos como lo harían las Big Bands. En el caso de los muchos sencillos de Jimmy Mcgriff grabados inicialmente para el sello Sue a partir de 1962 con su exitosa versión de Ray Charles “I got a woman”, y temas posteriores como “Cashbox”, se basaron en gran medida en el Blues, el fervor emocional y los ritmos del Gospel. Al igual que el Bebop y el Hard Bop eran músicas de baile en la comunidad negra, los artistas llenaban las salas del centro de la ciudad y la música estaba hecha para estos públicos. En particular, a mediados de los años 60, Prestige se convirtió en una fábrica de Soul Jazz que produjo discos como “Black feeling” (1969) de Johnny Hammond y “Black talk” de Charles Earland, que recibieron nombres temáticos que se vinculaban con los derechos civiles y el creciente clima afrocéntrico. Gran parte de esta música fue revisada de manera superficial por los medios de comunicación de Jazz dominantes en medio de las innovaciones de Miles Davis y la música Jazz-Funk y Jazz-Rock que venía de Tony Williams Lifetime, Weather Report, pero el Soul Jazz era pura música popular en el fondo. Musicalmente había algunas cosas muy sutiles de interés: por ejemplo, las líneas de bajo de John Patton se diferenciaban de las líneas de bajo de otros organistas por ser muy sincopadas y animadas, con temas como “Latona” y “Ding dong” que brindan ejemplos maravillosos. Los arreglos de Jack McDuff lo convirtieron en algo parecido a un Art Blakey y The Jazz Messengers del órgano.

Sin embargo, con el tiempo, cuando los paradigmas del Jazz comenzaron a cambiar hacia un territorio más abstracto, muchos se volcaron al R&B, el Funk o el Smooth Jazz. Los principales medios de comunicación del Jazz eran algo indiferentes al Soul Jazz, porque, en medio de las innovaciones de Miles Davis y John Coltrane, Bill Evans, Herbie Hancock, McCoy Tyner y otros, la música estaba diseñada para la comunidad negra. Si uno mirara las críticas de All Music Guide escritas por críticos como Scott Yanow, Michael G. Nastos, con frecuencia descartan la música por ser predecible o tener melodías “desechables”, pero tales declaraciones son superficiales e ignoran las capas de la música. A partir de 1965, los álbumes basados ​​en órgano de Prestige son predecibles en el sentido de que se sabía el tipo de repertorio que se tocaría, pero dentro de eso, varios álbumes de Don Patterson, Johnny “Hammond” Smith y Richard “Groove” Holmes fueron realmente especiales, al igual que los álbumes de Blue Note de Lonnie Smith; todos estos músicos tienen voces únicas, voces identificables al instante. Las grabaciones de Jimmy Smith para Verve lo convirtieron en una superestrella, mientras que sus álbumes para Blue Note mostraron su interpretación más aventurera; hay momentos de ese tipo durante la era Verve y su genio siempre estuvo a la vista. Los estudiosos del órgano Hammond, como Pete Fallico y la personalidad del jazz de YouTube The Jazz Shepherd, son fervientes partidarios del Soul Jazz y buscan plantear correctamente el estatus social e histórico de la música: esta era música popular, los ritmos y la intensidad de los solos son algunos de los mayores placeres del Jazz.

 

 

Fuente:

 

• Newyorkjazzworkshop.com