Jazz Orquestal

 

El Jazz Orquestal o Jazz Sinfónico es una forma de Jazz que se desarrolló en la ciudad de Nueva York en la década de 1920. Los primeros innovadores del género, como Fletcher Henderson y Duke Ellington, incluyeron a algunos de los músicos, compositores y arreglistas más respetados de toda la historia del Jazz.

La fusión de las características rítmicas e instrumentales del Jazz con la escala y la estructura de una orquesta, hizo que el Jazz Orquestal se distinguiera de los géneros musicales que precedieron a su surgimiento. Su desarrollo contribuyó tanto a la popularización del Jazz como a la legitimación crítica del Jazz como forma de arte. El Jazz Orquestal se desarrolló a partir del Jazz de Nueva Orleans. Los músicos afroamericanos que fueron pioneros del género antes de 1920 y que migraron de Nueva Orleans a Chicago y Nueva York a principios de la década de 1920 llevaron el Jazz al norte; con el tiempo, el barrio afroamericano de Harlem se convirtió en el centro cultural del género. En Nueva York, las industrias del entretenimiento y las artes prosperaron y el Jazz encontró un hogar adecuado, convirtiéndose en una parte importante del panorama cultural. Pero antes de la popularidad generalizada de las grandes bandas, que se desarrolló a la par de la creciente moda del baile, el Jazz era considerado en general una variedad de música bastante cruda. No se escuchaba mucho por su valor artístico. Sin embargo, durante la década de 1920 surgió un movimiento que en parte se debió a la influencia musical de Paul Whiteman. Este movimiento condujo a la variedad más estilizada y formal del Jazz que se convertiría en el Jazz Orquestal, imaginado por primera vez por Whiteman como Jazz Sinfónico. Esta estilización del Jazz tenía elementos de la composición clásica europea, junto con el sonido rítmico e instrumental del Jazz de Nueva Orleans. El Jazz Orquestal se diferenciaba musicalmente de su predecesor sureño por diversas razones: no solo las bandas eran más grandes, lo que creaba una cierta riqueza de sonido, sino que también la música era estructuralmente más sofisticada. Mientras que el Jazz de Nueva Orleans se caracterizaba por la improvisación colectiva y la reinterpretación espontánea de melodías estándar, las orquestas de Jazz tocaban arreglos que se componían y arreglaban antes de la interpretación en la que se ejecutaban. El estilo ajetreado y estridente del Jazz temprano no tenía el mismo tipo de atractivo popular que la relativa moderación del Jazz Orquestal.

En particular, la implementación del ritmo medido explicaba gran parte de su atractivo popular. El ritmo de dos tiempos que recordaba al Jazz de Nueva Orleans fue reemplazado durante la transición a la era del Swing por las innovaciones del bajo de Jimmy Blanton y Walter Page, a quienes se les atribuye el desarrollo de la línea de Walking Bass. Esto haría que cuatro tiempos por compás fuera un estándar de Jazz; además, este ritmo era propicio para el tipo de público bailarín deseado. El auge de la instrumentación de las Big Bands tuvo tanto que ver con las tendencias artísticas como con la viabilidad comercial. Durante la década de 1920, importantes avances tecnológicos transformaron la industria musical, lo que permitió un aumento del consumo masivo de música. Los fonógrafos y los discos se convirtieron en artículos domésticos habituales; un indicador de la amplia popularización de la música grabada es el hecho de que se vendieron casi 100 millones de discos solo en 1927. La música prearreglada tenía un atractivo comercial particular, ya que el público estaba familiarizado con las canciones que veía interpretadas en vivo a partir de las grabaciones que compraba. Además, la exposición a la innovación musical (y el Jazz, en todas sus variedades, era ciertamente innovador) nunca antes había llegado a la misma amplitud del público estadounidense. Dada la disponibilidad comercial de la música (que, además de los discos, se vio favorecida por la proliferación de la radiodifusión), se creó así una plataforma que explicó la popularización del Jazz. Pero el consumo masivo de Jazz permitió simultáneamente al público una influencia inversa en su desarrollo, y las demandas de los consumidores dictaron que el Jazz Orquestal adoptara una estructura similar a la música popular tradicionalmente accesible. El “Rey del Jazz” a principios de los años veinte fue Paul Whiteman, un músico de formación clásica de Denver. Antes de su etapa como director de banda de salón en el Palais Royal, en Nueva York, Whiteman tocó el violín tanto en la Orquesta Sinfónica de Denver como en la Orquesta Sinfónica de San Francisco.

Su formación clásica influyó sustancialmente en la forma en que abordó la “Música Moderna”; la más famosa, la actuación de Whiteman en el Aeolian Hall en 1924, mostró la transformación que ayudó a iniciar. Concluyendo este notable espectáculo con la famosa composición de George Gershwin (y quizás el mejor ejemplo de Jazz Sinfónico) “Rhapsody in Blue”, la actuación de Whiteman a menudo se cita como el evento que significa la llegada del Jazz de una música folk a una forma de arte. Dos de los contemporáneos de Whiteman que hicieron, posiblemente, las contribuciones más significativas al desarrollo del Jazz Orquestal, fueron el dúo colaborativo de Fletcher Henderson y Don Redman. Aunque Henderson, pianista, nunca alcanzó la celebridad de muchos otros directores de orquesta de la época, sus colaboraciones con Redman tuvieron, no obstante, una enorme influencia en el desarrollo del Jazz Orquestal, y particularmente en su transición de los arreglos sinfónicos de Whiteman a la supremacía final de las Big Bands. Los arreglos de Redman de piezas de jazz de Nueva Orleans y Chicago reinventaron el potencial musical del Jazz, marcando el cambio de la improvisación colectiva y las melodías polifónicas del Jazz a las composiciones homofónicas, mucho más consumibles, características del Jazz Orquestal. Otras técnicas estructurales, como la llamada y la respuesta, eran evidentes en los arreglos de Whiteman que precedieron a los de Redman; sin embargo, el uso de Redman de la llamada y la respuesta como estructura subyacente de sus composiciones de Jazz se considera uno de sus logros más importantes. Su uso de acordes arpegiados, punto seccional y contrapunto, cambios en la tonalidad y el ritmo, y su superposición de armonías complejas demuestran la comprensión matizada de Redman de la composición musical. Redman también tenía un sentido único de la estructura de la banda, cuyo legado aún persiste. Redman dividía la banda en cuatro secciones interactivas: instrumentos de viento (saxofones y clarinetes), trompetas, trombones y secciones rítmicas. Esta se convertiría en la estructura fundamental de las Big Bands, que normalmente constan de cuatro trompetas, cuatro trombones, cinco saxofones y una sección rítmica (piano, bajo, guitarra y batería). Las variaciones en la instrumentación también permitieron flexibilidad en la interpretación. Una tendencia importante que coincidió con el aumento de la disponibilidad de música fue la locura por el baile de los años veinte y treinta; las bandas más exitosas de la época fueron aquellas que se adaptaron al deseo de su público de bailar.

 

 

 

Fuente:

 

• En.wikipedia.org