Opéra-Ballet

 

La Ópera-Ballet representa la culminación del gusto estético francés por la danza y el espectáculo visual durante el período de transición entre el final del reinado de Luis XIV y el apogeo de la era de Luis XV consolidándose como un género lírico-coreográfico único que desafió la hegemonía de la tragedia lírica establecida por Lully.

A diferencia de la tragedia tradicional, que se centraba en un arco narrativo continuo de carácter heroico o mitológico, la Ópera-Ballet introdujo una estructura fragmentada compuesta por un prólogo y varios actos independientes llamados Entrées, que estaban unidos por un tema común, pero que presentaban personajes y tramas distintas en cada sección, lo que permitía una variedad escénica sin precedentes donde la danza no era un simple intermedio decorativo sino el motor principal de la acción y el elemento de cohesión que daba sentido a toda la representación artística.

El gran arquitecto de este género fue André Campra, quien con su obra maestra titulada “L’Europe galante” en el año 1697, definió las convenciones del estilo al trasladar el escenario desde el Olimpo de los dioses hacia lugares contemporáneos y exóticos, permitiendo que el público viera en escena a personajes vestidos a la moda de la época, lo que generaba una cercanía emocional mucho mayor con los espectadores de la burguesía y la nobleza.

La descripción técnica de la Ópera-Ballet destaca la preponderancia de los divertissements, que eran secciones de música y danza pura que ocupaban gran parte de cada entrada permitiendo que los mejores bailarines de la Academia Real de Música demostraran su virtuosismo en una atmósfera de ligereza y elegancia, que contrastaba con la pesadez de los dramas antiguos.

Musicalmente, el género se caracteriza por una orquestación brillante y variada que buscaba capturar la esencia de los diferentes países o sentimientos representados en las entradas, utilizando ritmos de danza como la Minué, la Gavota, el Rigaudon y la Pasacalle para estructurar el discurso sonoro de una manera que resultara siempre fresca y sorprendente para los oídos más exigentes de la corte parisina.

La importancia de la Ópera-Ballet radica en su capacidad para reflejar el espíritu de la Regencia francesa, una época marcada por el deseo de placer, el ingenio y el abandono de la severidad moral del siglo anterior hacia una libertad expresiva que anticipaba el rococó y que encontraba en el teatro musical su espejo más fiel y suntuoso.

Compositores como Jean-Philippe Rameau elevaron el género a su máxima expresión, con obras monumentales como “Les Indes galantes”, donde la música alcanzó una complejidad armónica y una fuerza descriptiva que transformó para siempre la orquesta francesa, convirtiéndola en una de las más avanzadas de Europa gracias al uso innovador de las maderas y las cuerdas para imitar sonidos de la naturaleza o tempestades emocionales.

En este género, el libreto solía ser menos denso que en la tragedia, permitiendo que el espectador se concentrara en la belleza plástica de los decorados, en el diseño de los vestuarios y en la coordinación perfecta de las coreografías, que a menudo incluían elementos de pantomima para avanzar en la narración sin necesidad de recitativos extensos que pudieran aburrir a una audiencia sedienta de estímulos visuales constantes.

La Ópera-Ballet también fue pionera en la representación del exotismo en la escena europea, mostrando versiones estilizadas de Turquía, Persia, China, y América, lo que alimentaba la curiosidad intelectual y el gusto por lo lejano que caracterizaba a la Ilustración francesa y que permitía a los escenógrafos desplegar todo su ingenio en la creación de mundos fantásticos.

El desarrollo de la maquinaria escénica fue fundamental para el éxito de estas obras, ya que se requerían cambios rápidos de decorado, efectos de vuelo y transformaciones mágicas que dejaran al público asombrado reforzando la idea de la Ópera como un espectáculo total de los sentidos donde lo imposible se hacía realidad ante los ojos de los asistentes.

La relación entre los cantantes y los bailarines en la Ópera-Ballet era de una igualdad técnica que exigía un equilibrio perfecto en la dirección escénica, asegurando que ni la voz ni el movimiento predominaran de forma absoluta, sino que se complementaran para crear una unidad estética indisoluble que definía el estándar de excelencia de la época.

A medida que avanzaba el siglo XVIII, la Ópera-Ballet empezó a absorber elementos de la comedia y de la sátira social, volviéndose un espejo de las costumbres de la corte y de la burguesía adinerada que frecuentaba la Ópera de París para ver y ser vista en un entorno de lujo y sofisticación intelectual.

La descripción de las danzas en estas obras revela un lenguaje de pasos codificados que sentaron las bases del Ballet clásico moderno, demostrando que el teatro lírico francés fue el gran laboratorio donde se gestó la técnica de la danza académica internacional que todavía hoy se enseña en las mejores escuelas del mundo bajo los mismos nombres técnicos en francés.

Estudiar la historia de la Ópera-Ballet es comprender la evolución del entretenimiento aristocrático hacia formas más dinámicas y variadas, que buscaban por encima de todo, el encanto, la sorpresa y la satisfacción de un público cada vez más exigente en términos de producción y de calidad interpretativa.

El impacto de este género se sintió más allá de las fronteras de Francia, influyendo en las cortes de toda Europa, donde se intentaba replicar el esplendor de Versalles a través de producciones que combinaran el canto y el baile con la misma suntuosidad y maestría técnica que se veía en la capital francesa.

Rameau y Campra son los nombres que brillaron con más fuerza, pero el género fue sostenido por decenas de músicos y coreógrafos que trabajaron incansablemente para mantener viva la llama de una tradición que celebraba la vida y el arte en cada repique de tambor y en cada paso de danza sobre el escenario de madera.

La Ópera-Ballet finalmente cedió su lugar a nuevas formas más integradas como la tragédie Lyrique reformada de Gluck pero su legado permanece en la estructura de muchos ballets modernos y en la idea de que la música puede ser el marco perfecto para el movimiento humano en su forma más elevada y pura.

Este género fue el símbolo de una nación que hizo del espectáculo una de las bellas artes y de la danza el lenguaje universal de la diplomacia y el placer cultural en un mundo que estaba a punto de cambiar para siempre con la llegada de la revolución.

Cada vez que se repone una obra de Rameau hoy en día, el público redescubre la frescura y la vitalidad de la Ópera-Ballet, confirmando que la búsqueda de la belleza visual y sonora es un anhelo humano que no tiene fecha de caducidad y que sigue resonando con la misma fuerza que en el XVIII.

El equilibrio entre el canto y el baile que propuso la Ópera-Ballet sigue siendo un modelo de referencia para cualquier creador contemporáneo que busque integrar diversas disciplinas en una sola obra de arte coherente y emocionante para el espectador moderno, que busca tanto la reflexión como el deleite estético absoluto a través de la armonía.

La Ópera-Ballet no murió, sino que se transformó en la base de nuestra cultura del espectáculo moderno, donde la imagen y el sonido deben marchar de la mano para conquistar el corazón de la audiencia en cada segundo de la representación.

La música de este periodo es una joya de precisión rítmica y delicadeza melódica que requiere de intérpretes especializados que entiendan la ornamentación barroca y el espíritu festivo que subyace en cada composición destinada al baile.

 

 

Fuentes:

 

 

• Ecured.cu

• Grokipedia.com

• Ciudaddeladanza.com