Literatura y Música - William Blake en canciones

William Blake (Londres, 1757 - 1827) fue un poeta, pintor y grabador británico cuya obra, ignorada en su tiempo, revolucionó la historia del arte y la literatura del romanticismo. Desde su infancia en el seno de una familia de clase media, Blake aseguró tener visiones místicas –como ángeles en las ramas de los árboles o al profeta Ezequiel–, experiencias que moldearon una mitología espiritual propia y su profunda rebelión contra las instituciones de su época.

A los 14 años comenzó su formación como aprendiz del grabador James Basire, donde perfeccionó el oficio técnico que le permitiría subsistir económicamente. Más tarde, desarrolló un método revolucionario conocido como grabado iluminado, una técnica artesanal que fusionaba la escritura del poema y el dibujo de la ilustración en una sola placa de cobre. El resultado eran libros impresos y coloreados a mano por él y su esposa, Catherine Boucher, quien fue su compañera indispensable durante toda la vida.

Su obra cumbre, “Songs of innocence and of experience” (1794), expone mediante un contraste lírico y brutal los dos estados contrarios del alma humana: la pureza e infancia pastoriles frente a la corrupción, la crueldad social y la hipocresía de la madurez urbana. Con el tiempo, su universo se volvió más complejo y profético a través de sus llamados “Libros Proféticos” (como “The marriage of heaven and hell” o “Jerusalem”), donde creó sus propios dioses y demonios para atacar el racionalismo ilustrado, la opresión eclesiástica y los horrores de la Revolución Industrial.

Blake pasó gran parte de su vida adulta en la pobreza, incomprendido por sus contemporáneos, quienes a menudo lo tachaban de loco debido a sus visiones y sus ideas radicales a favor de la libertad política y sexual. Murió en la oscuridad en 1827, siendo enterrado en una tumba anónima. No fue sino hasta finales del siglo XIX y durante el siglo XX que su figura fue rescatada, convirtiéndose en un ícono de la contracultura, el misticismo moderno y la libertad artística absoluta.

La profunda carga mística, el ritmo profético de sus versos y la eterna tensión entre la inocencia y la experiencia convirtieron la obra de William Blake en un territorio inagotable para la creación musical. Aunque murió en la oscuridad, su rebelión contra las estructuras sociales y su libertad artística absoluta resonaron con fuerza en las generaciones venideras. Desde la rigurosidad de la música académica contemporánea hasta la libertad del Jazz de vanguardia y la oscuridad del Darkwave, compositores de todo el mundo encontraron en sus poemas un espejo sonoro. De esta manera, el arte del visionario londinense logró romper las barreras del papel para transformarse en un legado sonoro universal.

• “Lonely London” - Jah Wobble: Es una pieza que utiliza fragmentos vocales y conceptuales que remiten al poema “London”, con un clima oscuro, melancólico y contemplativo. La música mezcla Dub, Ambient y sonidos experimentales para retratar una ciudad solitaria y misteriosa. Wobble emplea la repetición de una línea de bajo y capas electrónicas densas para recrear musicalmente la atmósfera opresiva y sombría de la capital que el autor plasmó originalmente en 1794. El clima denso y alienante del tema sirve como un vehículo sonoro para reflejar las “cadenas forjadas por la mente” y la denuncia de la decadencia social presentes en los textos del místico británico. Más que contar una historia, busca transmitir una sensación de aislamiento y reflexión. El tema forma parte del álbum “The inspiration of William Blake”, dedicado a la obra del poeta inglés. La atmósfera urbana y espiritual recuerda la visión de Londres presente en varios poemas de Blake. La canción no adapta un texto concreto, pero sí su imaginario poético y místico. Por eso su relación con William Blake es directa y forma parte del concepto central del álbum.

• “The voice of devil, Plate 4” - Ulver: Esta canción pertenece al aclamado álbum conceptual de 1998 titulado “The Marriage of Heaven and Hell”, un disco donde la banda noruega musicalizó de manera íntegra la obra homónima de William Blake. La relación con el autor es directa y literal, ya que la letra del tema corresponde exactamente al texto que compone la “Placa Cuatro” del libro original del poeta místico. Musicalmente, Ulver rompe con su pasado de Black Metal tradicional y utiliza la música electrónica industrial, el trip-hop y samples de vanguardia para traducir el quiebre filosófico de la lírica blakeana. A través de este sonido denso, maquinal y transgresor, el grupo recrea la energía revolucionaria y satírica con la que el autor desafió los dogmas de su época. Así, la pista se convierte en una encarnación sonora del pensamiento libre y la rebeldía espiritual que caracterizan el manifiesto visionario de Blake.

• “Some days I drink my coffee by the grave of William Blake” - The The: Esta canción pertenece al álbum “Ensoulment” lanzado en 2024, marcando el regreso de Matt Johnson tras un largo silencio discográfico del proyecto. La relación con el autor británico es explícita desde el propio título y se manifiesta a través de una lírica cargada de melancolía existencial y crítica social. El protagonista camina por el cementerio de Bunhill Fields en Londres, utilizando la tumba de William Blake como un refugio espiritual y un punto de observación para meditar sobre el paso del tiempo y la decadencia del mundo moderno. Musicalmente, el tema se construye sobre una instrumentación acústica y madura, donde la voz susurrada y profunda de Johnson dialoga con guitarras acústicas y arreglos despojados. Esta atmósfera sombría y reflexiva conecta directamente con el espíritu de los textos del poeta, sirviendo como un comentario sobre la pérdida de la inocencia en la sociedad contemporánea. Así, la canción utiliza la figura de Blake no solo como un homenaje histórico, sino como un faro moral y artístico frente a la alienación y la hostilidad de la vida urbana actual.

• “3 songs of William Blake, Op. 20: No. 1. Dream valley” - Mark Stone: Esta obra clásica de 1946 pertenece al compositor británico Roger Quilter y forma parte de un ciclo de tres canciones basadas en la lírica del autor inglés. La relación con el poeta es directa y textual, ya que la pieza utiliza como lírica el poema “A dream”. Musicalmente, Quilter traduce la pureza y la atmósfera bucólica del texto a través de una melodía vocal delicada acompañada por arreglos de piano fluidos y de un lirismo tradicional inglés. La composición captura el tono pastoral, la tranquilidad y el estado de ensoñación que el autor plasmó en sus versos para evocar la protección y la paz del mundo de la infancia. A través de este lenguaje musical romántico tardío, el compositor logra recrear la simplicidad formal y la profunda carga mística que define la visión de la inocencia blakeana.

• “The night of Entharmon's joy” · John Zorn: Esta pieza pertenece al álbum “In Lambeth (Visions from the walled garden of William Blake)” editado en diciembre de 2013. La composición instrumental es interpretada de forma exquisita por The Gnostic Trio, compuesto por Bill Frisell en guitarra, Carol Emanuel en arpa y Kenny Wollesen en vibráfono y campanas. Su relación con el autor es mística y directa, ya que el título evoca a Enitharmon, la figura de sus “Libros Proféticos” que encarna la belleza cósmica y espiritual. Musicalmente, John Zorn prescinde de las palabras para traducir las visiones del poeta a través de una atmósfera de Jazz contemporáneo sumamente íntima, etérea y lírica. Las cuerdas del arpa y la guitarra dialogan de manera constante con el vibráfono para recrear el estado de ensoñación y el misticismo del artista inglés. El delicado juego armónico y la ausencia de percusión tradicional imitan la serenidad oculta y el eterno choque de contrarios de la filosofía blakeana.

• “The Angel” - Submarine Prophets: Esta canción pertenece al single de siete pulgadas titulado “Sings William Blake”, lanzado en 1989 por la banda de Rock Psicodélico e Indie Submarine Prophets. La relación con el autor británico es directa y textual, ya que el grupo utiliza como lírica los versos del poema “The Angel” perteneciente a las “Songs of Experience”. Musicalmente, el tema se enmarca dentro del sonido de la escena Indie y el Rock Alternativo de finales de los 80, apoyado en guitarras con delay, una base rítmica constante y un clima melancólico. La voz recita las líneas originales de Blake sobre el ocultamiento de los sentimientos y la represión del deseo, dándole un tinte sombrío y gótico propio de la época. A través de esta instrumentación despojada pero envolvente, la banda logra capturar la angustia psicológica y la atmósfera mística de la obra original del autor.

• “Blake's New Jerusalem” - Tim Blake: Esta suite de más de dieciséis minutos pertenece al álbum homónimo “Blake's New Jerusalem”, grabado y lanzado originalmente en 1978 por el tecladista británico Tim Blake. La relación con el autor es directa y conceptual, ya que la obra se basa enteramente en el famoso himno patriótico británico “Jerusalem”, el cual musicaliza las estrofas del poema “And did those feet in ancient time” escrito por William Blake en 1804. En el plano musical, el exintegrante de Gong y Hawkwind traslada la mística del texto original al terreno de la música electrónica progresiva y el Space Rock de finales de los 70. Tim Blake se encarga de las voces y despliega un arsenal de sintetizadores analógicos personalizados, contando además con el aporte de Jean-Philippe Rykiel en sintetizadores adicionales. La suite utiliza capas electrónicas fluidas, efectos de sonido cósmicos y pasajes instrumentales extensos para evocar de forma abstracta la construcción mística y utópica de la “Nueva Jerusalén” en tierras inglesas que el poeta profetizó en sus versos. De esta manera, la extensa composición fusiona la tradición literaria romántica con la vanguardia sintética y los climas psicodélicos de la época.

• “La vérité” - E.One: Esta canción pertenece al álbum “William Blake” lanzado en el año 2017 por el rapero y productor francés E.One (reconocido miembro del grupo de Hip-Hop político Premiére Ligne). La relación con el autor británico es conceptual y metafórica, ya que el tema utiliza la famosa máxima de William Blake que reza: "La verdad dicha con mala intención supera a todas las mentiras que puedas inventar", extraída de su obra “Auguries of Innocence”. Musicalmente, el artista traslada esta dura reflexión filosófica al terreno del Rap Alternativo francés, construyendo la pista sobre un ritmo de boom-bap denso, samples oscuros y una base de bajo profunda y constante. La lírica de E.One desmenuza la hipocresía social, la manipulación mediática y la pérdida de valores en el mundo contemporáneo, usando la cita del poeta como un eje moral para denunciar las verdades distorsionadas que dañan más que una mentira abierta. A través de este entorno acústico combativo y despojado, la canción prescinde del misticismo pastoral tradicional para rescatar el espíritu más crudo, contestatario y políticamente incorrecto de la literatura de Blake.

• “The tyger and the lamb” - Mike Westbrook: Esta suite de más de nueve minutos pertenece al álbum doble “Glad Day (Settings Of William Blake)”, lanzado originalmente en 1999 por el pianista británico Mike Westbrook. La relación con el autor es directa y conceptual, ya que la obra entrelaza las líneas de dos de los poemas más célebres y contrastantes de las “Songs of innocence and of experience”: “The lamb” y “The tyger”. Musicalmente, Westbrook traslada este cruce literario al terreno del Jazz contemporáneo. La composición utiliza los matices instrumentales para reflejar la célebre dualidad blakeana; pasa de la dulzura melódica que evoca al cordero, a la tensión de los vientos y la fuerza rítmica que encarnan la ferocidad del tigre. A través de este viaje sonoro de vanguardia, el ensamble logra traducir fielmente el choque existencial entre la pureza de la infancia y la dura experiencia del mundo adulto.

• “Eingang - Der pfeifer” - Jahrtal: Esta pieza es la pista de apertura del álbum conceptual titulado “William Blake - Lieder Von Unschuld Und Widerfahren”. La relación con el autor británico es directa, integral y textual, ya que todo el disco está dedicado a musicalizar sus poemas traducidos al alemán, correspondiendo este tema específico a la “Introduction” de las “Songs of Innocence”, donde se presenta la figura mística del flautista (Der Pfeifer). En el plano musical, el multiinstrumentista Ewald Spiss traslada la pureza y el misticismo del texto romántico al terreno de un Neofolk acústico de corte minimalista, tradicional y profundamente alpino. La instrumentación se construye de forma despojada sobre un arpegio constante de guitarra clásica, el soplido rústico de una flauta que evoca el llamado de la poesía y una voz sobria que recita los versos con solemnidad. Esta atmósfera despojada y marcadamente orgánica funciona como el vehículo sonoro ideal para retratar la conexión con la naturaleza y el estado de inocencia que el poeta plasmó en sus líneas originales de 1789.

• “Ah, Sun-flower” - Benjamin Britten: Esta canción de cuna pertenece al ciclo de canciones titulado “Songs and Proverbs of William Blake”, Op. 74, compuesto por el maestro británico Benjamin Britten para el célebre barítono Dietrich Fischer-Dieskau. La relación con el autor es directa y formal, ya que el tema utiliza de forma íntegra el poema romántico homónimo extraído de las “Songs of experience”, de 1794, donde se usa al girasol como un símbolo de la represión del deseo y el anhelo humano por la eternidad. Musicalmente, Britten traslada esta profunda carga existencial al terreno de la música académica contemporánea del siglo XX, utilizando una estructura basada en el dodecafonismo y la técnica serial para entrelazar las piezas del ciclo. La composición se apoya en un piano sombrío, denso y cromático, que imita el movimiento pesado y cansino del girasol siguiendo el curso del sol, mientras la voz del barítono despliega una melodía austera, tensa y cargada de una profunda melancólica. A través de este entorno armónico complejo y opresivo, Britten logra traducir fielmente la angustia psicológica, el cansancio del tiempo y el misticismo trágico que el poeta plasmó en sus versos originales.

• “Jazz Songs of Innocence: I. Piping down the valleys wild” - Bob Chilcott: Esta pieza es el movimiento de apertura de la Suite Coral conceptual titulada “Jazz Songs of Innocence”, compuesta por el músico británico Bob Chilcott. La relación con el autor es directa y textual, ya que la obra utiliza las estrofas del poema “Introduction” perteneciente a las “Songs of Innocence”, cuyo emblemático primer verso le otorga el título a la pista. Musicalmente, Chilcott traslada la pureza y el júbilo del texto hacia el terreno del Jazz Coral contemporáneo y el Swing clásico, rompiendo con las expectativas tradicionales de la música sacra o de cámara. La instrumentación se apoya en una base rítmica sumamente sincopada a cargo de piano, contrabajo y batería, sobre la cual el coro despliega armonías extendidas y líneas vocales brillantes y contagiosas que dialogan entre sí. Esta atmósfera enérgica, lúdica y sofisticada funciona como el vehículo sonoro ideal para retratar la alegría desbordante, la inocencia y el espíritu libre del flautista que el poeta plasmó en sus versos.

• “Symphony on poems of William Blake, Op. 33: III. Mad Song” - Ben Weber: Esta pieza es el tercer movimiento de la “Symphony on Poems of William Blake”, Op. 33, compuesta por el músico estadounidense Ben Weber en 1951 para barítono y pequeña orquesta de cámara. La relación con el autor británico es directa y textual, ya que la obra musicaliza de forma íntegra el poema homónimo “Mad Song”, uno de los textos más viscerales e intensos de los “Poetical Sketches”, donde se retrata el tormento de la locura y la desesperación a través de imágenes de tormentas y noches eternas. En el plano musical, Weber traslada esta profunda inestabilidad psicológica al terreno de la música académica de vanguardia del siglo XX, utilizando de manera estricta el sistema dodecafónico del cual fue uno de los principales pioneros en Norteamérica. La composición se construye sobre una instrumentación densa, disonante y fragmentada, donde los vientos y las cuerdas generan texturas angulares que imitan los vientos huracanados del poema, mientras la voz del barítono despliega una línea melódica sumamente tensa, expresionista y cargada de un dramatismo teatral absoluto.

• “Ah! Sun-flower” - Gregory Forbes: Esta pieza pertenece al ciclo de canciones titulado “Songs of Innocence and of Experience”, compuesto por el músico canadiense Gregory Forbes. La relación con el autor británico es directa y textual, ya que la obra musicaliza de forma íntegra el famoso poema homónimo extraído de las “Songs of Experience”, donde se utiliza la emblemática figura del girasol como un símbolo del anhelo insatisfecho, la represión del deseo y la búsqueda de la eternidad. Musicalmente, Forbes traslada esta carga filosófica y mística al terreno de la música académica contemporánea con un enfoque fuertemente neorromántico y de cámara. La composición se estructura sobre un acompañamiento instrumental sutil y evocador que imita el movimiento lánguido del girasol siguiendo la ruta del sol, mientras la línea vocal despliega una melodía flotante, expresiva y teñida de una profunda melancolía existencial. Así, la pieza se consolida como una de las adaptaciones más delicadas, reflexivas y espiritualmente conectadas con la esencia de la lírica visionaria de Blake.

• “A little girl lost” - Incirrina: Esta canción pertenece al dúo griego de Synthpop y Darkwave Incirrina. La relación con el autor británico es directa y textual, ya que el tema utiliza como lírica las estrofas del poema homónimo “A little girl lost”, extraído de las “Songs of experience”, donde se narra el doloroso paso de la inocencia del amor joven a la culpa y el miedo impuestos por la moral rígida del mundo adulto. En el plano musical, el proyecto traslada esta trágica narrativa al terreno del minimal Synth y el Post-Punk electrónico. La composición se construye sobre una línea de bajo sintético analógico pesada y punzante, cajas de ritmos de aire marcial y capas de sintetizadores melancólicos y oscuros que crean una atmósfera claustrofóbica, mientras la voz despliega una interpretación fría, solemne y cargada de una profunda desazón. Este entorno sonoro tenso y maquinal funciona como el vehículo estético perfecto para traducir el encierro psicológico, el castigo social y la pérdida de la pureza que el poeta plasmó en sus versos originales.

• “Hear the voice of the bard” - Martha Redbone Roots Project: Esta pieza pertenece a la artista estadounidense Martha Redbone. La relación con el autor británico es directa y textual, ya que la obra musicaliza de forma íntegra el poema “Introduction de las Songs of Experience”, cuyo célebre primer verso le da título a la composición y convoca a la humanidad a escuchar el llamado del profeta. En el plano musical, Redbone realiza una operación artística brillante al trasladar la lírica de Blake hacia el terreno de la música de raíces norteamericanas, fusionando el Folk de los Apalaches, el Blues sureño y la música tradicional de los nativos norteamericanos (honrando su propia herencia cherokee y choctaw). La composición se construye de manera orgánica sobre un entramado acústico de guitarras, violín, banyo y sutiles percusiones de tierra, sobre el cual la voz de Redbone se despliega con una fuerza espiritual, una calidez y un dramatismo soul conmovedores. Esta atmósfera terrenal, mística y profundamente arraigada en las raíces norteamericanas funciona como el vehículo perfecto para universalizar la poesía visionaria del autor, demostrando que su grito contra la opresión y su búsqueda de la redención espiritual trascienden fronteras y épocas.

 

 

Fuente:

 

• Poetryfoundation.org