Demasiadas Noches: Demasiadas Noches 62 (FM Inolvidable)

The Zimmers es la banda de rock más vieja del mundo: todos sus integrantes suman 3000 años y no es una broma. En realidad, se trata de un gran experimento que combina el rock con la tercera edad. El grupo está formado por una buena cantidad de gente mayor, cuyo integrante más jóven tiene 69 y el mayor ya ha fatigado 100: un siglo.

El promedio de edad grupal alcanza los 78 años. La banda se formó a comienzos de 2007 y ya tiene grabado su propio álbum. Y no solamente eso: su simple, una colosal versión de My generation de The Who, ya entró en el Top 40 de singles.

Fiel a la filosofía de que la mejor crítica es la que sale de uno mismo, el batería Stewart Copeland arremetió contra The Police con duros comentarios sobre la actuación del legendario grupo de rock. Los comentarios vertidos en el sitio oficial del músico no dejan títere con cabeza, con frases como por ejemplo que el cantante de la formación, más conocido como Sting, saltó como un "afeminado petulante", mientras que el batería, el propio Copeland, fue un "completo revoltijo" sobre el escenario. "¿Y quién sabe lo que el guitarrista estaría haciendo?", añade el mismo comentario, que resume la actuación del grupo durante su concierto del miércoles en Vancouver (Canadá). Ese fue el segundo recital de la primera gira mundial de este trío desde su separación, una reunión esperada durante años y que no parece contar con el resultado musical deseado. Al menos a los oídos de Copeland, porque la crítica y los 20.000 seguidores allí presentes no parecieron darse cuenta. "Fue muy increíblemente flojo", indicó el batería sobre el concierto de los "poderosos Police". En su opinión todo comenzó mal, desde un arranque a destiempo al no escuchar al guitarrista Andy Summers marcar el punteo de "Message in a Bottle", y Sting cantando desfasado el resto del tema. Copeland continúa una puntillosa crítica de todas las incidencias del concierto, con problemas que se repitieron en su opinión "canción tras canción". Pese a sus comentarios, la relación entre los tres componentes, que años atrás acabó a puñetazos, en esta ocasión se mantiene estable, al menos también según las declaraciones de Copeland. "¡Qué le vamos a hacer! Sólo es música", dijo, sobre una gira que posiblemente tenga al grupo de regreso a Chile, tras su participación en el Festival de Viña del Mar en la década de los 80.

Ayer martes, en numerosos establecimientos Starbuck´s de todo el mundo, sonará en primicia el último disco de Paul McCartney, Memory almost full. ¿Por qué precisamente en esta multinacional de la restauración? Porque el álbum 21 en la carrera en solitario del ex Beatle se edita por primera vez lejos de su discográfica de toda la vida, Emi, para inaugurar un nuevo sello llamado Hear Music. Esta nueva referencia empresarial está constituida a su vez por Starbucks Entertainment y Concord Music, ésta perteneciente a la major Universal, que distribuye la flamante obra. Si hoy ocurrirá todo esto, el día 11 de este mes aparecerá el disco en el mercado español y siete días más tarde sir Paul cumplirá sesenta y cinco años. Todo previsto. El disco está dedicado a su primera mujer, Linda Eastman, aunque haya alguna referencia a la segunda, Heather Mills, en la canción Mr Bellamy o en la sorprendente Gratitude, donde no se sabe muy bien a quién agradece el amor recibido. En cualquier caso, el disco contiene numerosas referencias retrospectivas y reflexiones introspectivas, así como parte de la energía intimista que destiló en Chaos and Creation in the backyard, aparecido hace un año y medio y producido por Nigel Godrich. Entre éste y Memory almost full, el músico de Liverpool publicó el pasado año un sorprendente álbum de carácter clásico, Ecce Cor Meum. Las trece composiciones de Memory... abundan en un rock instrumental y en melodías de espíritu popero. Aquí sigue una breve selección de los temas, cuyas valoraciones vienen acompañadas por comentarios recientes del músico británico.

• Dance tonight. Sí, no hay duda de que rasguea la mandolina, luego lo trufa con unas guitarras épicas, y todo acaba como si fuera un pequeño divertimento para una aún más pequeña sala de baile. - "Con este pequeño instrumento que es la mandolina comencé a ensayar en la cocina de casa. Buscaba los acordes, pero cada vez que la tocaba aparecía mi hija pequeña, entraba y se ponía a bailar. De ese modo me enamoré de la canción y de la mandolina".

• Ever present past. Guitarras stonianas para una fotocopia mejorada de algo que se asemeja a Wings. El estribillo, excesivamente infantil, destruye una espléndida melodía poppie. - "No hay ningún significado profundo en ello [en el título, Ever present past].Me gusta porque creo que a menudo haces las cosas de una forma subliminal, de la que casi no te das cuenta".

• See your sunshine. Como si estuviera Linda Eastman en los coros y él armando una nítida línea de bajo. Un tema redondo, Wings en estado puro (Wings de la primera época, por supuesto). - "Ya había grabado la mayoría de las canciones, pero cuando llegó el momento de meter el bajo fue cuando compuse ésta, de un tirón. Entonces sólo por mi propio placer empecé a hacer un poco el tonto tocando al final de la toma y el productor me dijo que en realidad sonaba genial".

• You tell me. Balada con la guitarra acústica doblada con una eléctrica con deje Eagles. Los coros siguen siendo Wings, y su voz en la distancia corta suena magnífica. - "Empecé recordando los veranos. ´Estábamos de verdad allí?´¿Era real?´. A veces, para mucha gente, los recuerdos, particularmente los recuerdos de la infancia, parecen tan preciados que piensas que ´nunca llovió en verano o tal vez me estoy imaginando esos momentos de sol´".

• Mr. Bellamy. El arranque más original del disco, muy años 70-80, chispeante gracias al empleo de registros e instrumentaciones cambiantes: algún malvado crítico ya ha asegurado que le recuerda a Queen o a Supertramp. - "¿Quién es Mr. Bellamy? Nunca sé quiénes son esas gentes. ¿Quiénes son Check y Dave de When I´m 64?

¿Quién es Eleanor Rigby? ¿Quiénes son Desmond y Molly de O? No lo sé, pero me los imagino".

• Gratitude. Por la letra puede estra dedicada a Linda - "mi gratitud por ser amado por ti"-, pero otros se inclinan por Heather Mills. Él desmiente el segundo extremo, y convierte la canción en una dramática declaración de desahogo sentimental. Rap con violines y unos arreglos de vocabulario muy Beatle. - "Al hacer la canción pensaba cuánto hay que agradecerle a la vida, y quise plasmar eso y utilizar esta voz para hacerlo".

• That was me. Canta como cuando lo hacía con John Lennon. Un buen rock, básico y sin abigarramientos. - "Todo cuanto tuve que hacer para esta canción fue pensar en el pasado. E inmediatamente me fui a Liverpool, donde había un pequeño lugar al que nos escapábamos; era un hermoso bosquecillo".

• Feet in the clouds. Una confesión de su época escolar, basada en confesiones personales bastante inesperadas - de esfuerzo académico, por supuesto- que va adornando con tres niveles de voces y unas cuerdas finales que ponen un poco de tensión al tema. - "Tenía un grupo de profesores muy asfixiante en el instituto de Liverpool. Algunos de ellos eran verdaderos maniacos. El colegio era muy oscuro y sombrío (...) De modo que esta canción es como una especie de terapia para mí".

• The end of the end. Parece que está muy triste y se imagina la vida tras su óbito. A piano solo, silbando un rato como un simpático mozalbete en la campiña, y con profuso colchón de cuerdas tras de él. - "Recuerdo que una vez una mujer irlandesa me deseó el bien diciéndome ´te deseo una buena muerte´, y yo pensé ´¿qué?´. Pensé en ello y de hecho pensé que es algo muy bueno para desearle a alguien".

Cualquiera que haya visto un par de recientes películas coreanas sabrá que una de las especialidades de ese cine es su habilidad para cambiar de géneros dentro de una misma historia; sumar drama, comedia, acción, terror y suspenso en un mismo relato sin despeinarse, como si fuera lo más natural del mundo. Esa habilidad encuentra su mejor exponente en The Host, una película que incluye no sólo una multitud de géneros sino también una increíble diversidad de sentidos y referencias. A primera vista, se trata de una película de monstruos que bien podría leerse como una versión coreana de Tiburón con algo de Alien y Godzilla. A partir de un caso real (una increíble cantidad de material tóxico que fue echado al río Han), el director de Memories of Murder, Bong Joon-ho, imaginó la aparición de un gigantesco monstruo mutante (mezcla de reptil, pez y extraño molusco) que, saliendo del fondo de ese contaminado río, aterroriza a la ciudad de Seúl, empezando por las familias que están haciendo picnic en un parque. Bong tomará dos líneas paralelas de relato, que luego se abrirán a varias más. Por un lado, hay una familia más que disfuncional (un padre que tiene un kiosco, un hijo alcohólico, otro medio tontuelo con una hija en edad escolar y una campeona de arquería) que sufre la pérdida de la niñita a manos de el bicho. Por el otro, se cuenta la situación política que se plantea cuando la zona es puesta en cuarentena ante el temor de que las mordeduras del mutante sean contagiosas. El conflicto central es entre la familia, que recibe un llamado telefónico de la niña —que aún sigue viva— y trata de ir a rescatarla, y los poderes de turno —tanto coreanos como norteamericanos— que no le cree ni le permite salir en su búsqueda dentro de la "zona de exclusión".

Si bien hay un conflicto masivo a escala nacional, la película nunca pierde de vista a sus seis protagonistas, manteniendo como centro el drama familiar, con el monstruo como catalizador no sólo de una serie de insólitas peripecias, sino de una cantidad de tensiones político-sociales que se viven en ese país. The Host abandona a los veinte minutos la promesa de ser una película a lo Godzilla. Bong tira una fuerte situación dramática y no teme seguirla con un paso de comedia absurda (la escena del velatorio masivo es ejemplar en ese sentido), y de ahí ir al suspenso y la intensidad de una persecución para pasar sin pausa al melodrama. Y lo mejor es que todo fluye de una manera perfecta, más allá de que un espectador occidental —acostumbrado a una continuidad de tonos más clásica— pueda sentirse por momentos desacomodado. Al elegir una familia de perdedores y centrarse en una sociedad, como la coreana, que tiene una gran dependencia con el poder militar norteamericano, Bong logra que su película cobre a cada paso más y más dimensiones.

De la nada un personaje habla del retorno a la democracia y de sus frustraciones laborales, otro intenta corromper a un policía (que acepta, claro), un tercero miente abiertamente sobre lo que sucede con "el virus" y aparecen ex militantes transformados en inescrupulosos empresarios, manifestantes políticos que no saben bien para dónde correr y referencias permanentes al SARS, aquél virus que afectó la zona hace una década. Pero nada de esto se introduce forzadamente en un relato que es de una intensidad permanente y que pondrá los nervios de punta al espectador. Bong es un malabarista —o un director de orquesta sinfónica— que juega con diez líneas de relato con distintos tonos cada una y nunca pierde de vista la melodía principal. The Host es un filme pequeño de la mano (más cercano al modo de M. Night Shyalaman de contar historias de suspenso que al de, digamos, Michael Bay) pero conceptual, estética y temáticamente enorme. Todo un lujo para la cartelera porteña.

¿Sabías? Bong Joon-ho estuvo aquí para la edición 2001 del BAFICI con su opera prima, "Barking Dogs Never Bite". Era entonces el miembro menos conocido de una delegación de importantes cineastas coreanos que incluía a Lee Chang-Dong, reciente competidor en Cannes. Tras "Memories of Murder" y "The Host" (ésta, récord histórico de taquilla), hoy se ha convertido en el cineasta más popular de su país.

Título original: Gwoemul (The Host) / Año: 2006 / Duración: 119 min. / País: Corea del Sur / Dirección: Bong Joon-ho / Guion: Bong Joon-ho, Ha Jun-weon, Baek Cheol-hyeon. / Historia: Bong Joon-ho / Música: Lee Byung-woo / Fotografía: Kim Hyeong-gyu / Intérpretes: Song Kang-ho, Byeon Hie-bong, Park Hae-Il, Doona Bae, Ko Ah-sung, Lee Dong-ho, Lee Jae-eung, Yoon Je-Moon, Kim Roi-ha, Park No-Sik, Yim Pil-sung, Scott Wilson.

France D’Amour es una aclamada cantante y cantautora/música canadiense cuyo álbum de debut rápidamente se hizo Oro. Con más de una docena de álbumes solo en su haber, D’Amour tiene más de 40 exitosas canciones en la cima de las listas de éxitos de la radio. También ha escrito una serie de canciones exitosas para los mejores artistas de grabación. En el 2018, D’Amour fue nominada como la presidenta de una sociedad de derechos colectivos sin fines de lucro (ARTISTI) que representa a más de 5500 artistas de todo el mundo.

Más allá de las fronteras

Las praderas y el mar

En las grandes negruras

Bajo el fuego de los cazadores

En manos de la muerte

Todavía despega

Más alto

El corazón es un ave

En los ojos de los miradores

En las calles de ninguna parte

En medio de los desiertos

De frío, de hambre y de hierro

Contra la tiranía

Rehace su nido

Más caliente

El corazón es un ave

Era sólo una tormenta

Era sólo una jaula

Volverás a tu camino

Irás a la fuente

Beberás todo el cielo

Abre tus alas

Libertad

Muchos estamos familiarizados con los apodos de los creadores del tango, pero no siempre conocemos su verdadero origen. Es por eso que me propuse investigar algunos apelativos, no sólo de los artistas más populares, sino también de aquellos que hoy son casi desconocidos y por su curiosidad valen la pena ser comentados. Si bien circulan muchas leyendas o historias inventadas sobre los mismos, los que aquí presentamos tienen la virtud de ser contados por boca de ellos mismos o de sus amigos o parientes, motivo por el cual entiendo que revisten mayor veracidad.

• Prudencio Aragón: El Yoni

Pianista de la Guardia Vieja y autor de "El talar", uno de los tangos más antiguos. Su apodo proviene de la vieja costumbre de bautizar a las personas de acuerdo a su procedencia o con algún rasgo que los asociara a algún pueblo o etnia en particular. El cabello colorado de Prudencio se lo asociaba con los rasgos anglosajones, por eso "El yoni", por Johnny en inglés.

• Francisco Canaro. Pirincho y El Kaiser

De su libro "Memorias": «En el momento de dar a luz, a mi madre la atendía una partera de nombre Sara, quien al verme nacer exclamó: "¡parece un Pirincho!", que es un pájaro con copete. Y... parece que nací con los pelos parados. Antes que el nombre ya me llamaban así». En el diccionario "Sopena" aparece: Pirincho; nombre dado en el Río de la Plata a una especie de urraca gris con alas negruzcas.

Sus hermanos y sus músicos comenzaron a llamarlo "El Kaiser", por su carácter enérigco y su actitud de líder. Recordaban al Rey Guillermo I, Emperador de Alemania de 1871 a 1888, cuyo gobierno fue duro e inflexible, inspirado en la política de su canciller Bismarck.

• Gabriel Clausi: Chula

Es un caso parecido al de Canaro. Cuando nació, su padre exclamó que parecía un "chula". Clausi tardó años en saber el origen de su apodo, hasta descubrir que en el Brasil se le llamaba así a un pequeño mono que habita en el campo. Coincidentemente, sus padres vivieron allí un tiempo, justamente donde Clausi comprobó que habitaban esos monos de destacada cabellera, como la que él trajo al nacer.

• Juan D'Arienzo: Grillito y El Rey del Compás

En sus comienzos fue violinista, y si hay algo en que todo el mundo estaba de acuerdo era en considerarlo más que mediocre con ese instrumento. A tal punto que alguien decidió llamarlo "Grillito", porque los sonidos que conseguía arrancar a las cuerdas se asemejaban a los ruidos que produce este insecto. Con el tiempo este quedó en el olvido y fue reemplazado por "El Rey de Compás", referido al ritmo picante que caracterizó a su orquesta.

• Carlos Di Sarli: El Tuerto

Nada agraciado resultó el apodo que le colgaron. La historia se remonta a cuando tenía sólo 13 años de edad y transcurre en la armería de su padre en Bahía Blanca. Uno de los empleados tuvo la desgracia de que se le escapara un tiro mientras manipulaba un arma, hiriendo al pequeño Carlos. El empleado se llamaba Roberto Bognoni, un hombre muy querido por la familia, que en su desesperación abandonó su trabajo y la ciudad. El pibito fue intervenido quirúrgicamente, se le colocó una placa de platino y le recomendaron usar lentes oscuros, que serían luego un elemento característico de su imagen.

• Ricardo Brignolo: La Nena

Bandoneonista y autor de "Chiqué". Cuando era un pibe, de no más de 7 u 8 años, le sacaron una foto en un carnaval, junto a dos de sus amiguitos. En ese momento estaba disfrazado de gauchito y, como se usaba en viejas épocas con los hijos varones, su corte de pelo exhibía un flequillo y una melena a la altura de las orejas. Años más tarde, un amigo al ver la fotografía exclamó: "¡Parece una nena!". Y así le quedó. Otros han dicho que por su cutis barbilampiño, pero no es así, el apodo le viene de su infancia.

• Vicente Gorrese: Kalisay

Pianista y compositor, debutó frente al público en una quermese organizada por los fabricantes del aperitivo "Kalisay". Desde entonces le quedó el sobrenombre. Hubo quienes sugirieron que tal apodo era un sinónimo de "cabezón", ya que la figura que aparecía en las publicidades de la bebida, eran las de un hombre mayor de cabeza grande.

• Vicente Greco: Garrote

Sus hermanos Domingo, Ángel y Elena, también eran músicos. En cambio, su hermano Fernando era carnicero y tenía un gran físico. Si bien su carácter era apacible, cuando algún descortés lo sacaba de las casillas no pedía permiso para propinarle algunos puñetazos. Eran de tal dureza que en el barrio comenzaron a llamarlo "Garrote". A Vicente rápidamente lo conocieron en su ambiente como "el hermano de Garrote", para finalmente suprimir la palabra hermano y dejar solamente "Garrote". Otra versión sostiene que "Garrote" viene de un grueso bastón que portaba Vicente para darse dique.

• Juan Bautista Guido: El Lecherito

Nacido en el barrio de Parque Patricios su apodo no esconde una historia muy interesante. Oscar Zucchi comenta: «Su padre era un tozudo calabrés, tenía un despacho de venta de leche y su hijo se encargaba del reparto, de ahí el apodo. De hecho duró poco en esa labor porque no traía un peso a la casa, sólo aliviaba un poco el trabajo paterno. Pronto fue aprendiz de carpintero.»

• Juan Maglio: Pacho

«Siendo niño, mi padre, que era italiano, por mis diabluras me llamaba "loco", cuya traducción venía de su dialecto. En realidad él me decía "pazzo" y mis compañeros de juegos no podían pronunciar correctamente esa palabra y les salía "pacho". Se fue divulgando el sobrenombre y así me continuaron llamando, incluso el apodo superó al apellido». Fue tan popular el conjunto de Maglio que Francisco Pracánico relató un hecho que le sucedió en sus comienzos artísticos. Debía actuar con uno de sus primeros conjuntos y el dueño del lugar donde se iba a presentar mandó a confeccionar unos carteles que anunciaban: "La orquesta típica de PAnCHO", con ene minúscula, para que a primera vista se confundiera con Pacho, con el propósito de atraer más público.

• Nicolás Primiani: Pindeca

Bandeoneonista que en la década del veinte integró la orquesta estable del teatro Nacional, junto a Ángel D'Agostino, Juan D'Arienzo, Alfredo Mazzeo y Arturo Severino. Según los relatos de los músicos que lo conocieron, Primiani solía hacerse el gracioso intercalando en sus charlas palabras en "cocoliche". Así fue que varias veces cuando veía pasar a una jóven mujer que llamara su atención, exclamaba: "¡Qué linda "pindeca"!", en lugar de pendeja. Así le quedó el mote. Vale recordar que se le decía "cocoliche" a la forma de hablar castellano de los inmigrantes italianos y que quedara reflejado en numerosos sainetes.

• Francisco Bautista Rímoli: Dante A. Linyera

Si bien se trata de un nombre artístico y no de un apodo, lo agregamos por lo interesante de su origen. Mucha gente al nombrarlo, especialmente locutores de radio, suprimen la letra "A", como de un segundo nombre que no interesa. Esto no debiera ser así, ya que esa letra tiene total importancia. Su propósito fue que el seudónimo sonara cacofónicamente a Dante Alighieri, autor de la Divina Comedia.

• José Arturo Severino: La Vieja

Este bandoneonista de la generación de Arolas, nació alrededor de 1892, en Parque Patricios. Según Héctor Polito, cuando Severino era muchachito, iba con amigos a tomar la merienda con medialunas y se guardaba algunas para llevarle a su madre, a "la vieja". Según nos cuenta Clausi, que lo conoció personalmente: «De muy joven ya vivía sólo y cuando por la calle lo veían, invariablemente decía que iba a casa de "la vieja"». Otra versión, y para Clausi la más probable, es que andaba en amores con una mujer mucho mayor que él. En una ocasión, estando con ella, apareció el marido y él salió corriendo prácticamente desnudo por el fondo de la casa. Tuvo que saltar un alambrado de púas y con una de las puntas se lastimó un testículo. Enterados los muchachos del barrio, comenzaron a llamarlo "la vieja", en conmemoración de tal episodio.

• Aníbal Troilo: Pichuco

En un reportaje que le hiciera Julián Centeya, declara lo siguiente: «Mi apodo es anterior al nombre. Marcos había sido el primer hijo y el segundo varón que llegara estaba decidido que debía llamarse como mi padre, Aníbal. Pero muchísimo antes fui Pichuco, porque papá tenía un gran amigo al que llamaban de ese modo y hubo como una promesa ... y así me contaron que cuando me tomó en brazos por primera vez yo lloraba y él dijo: bueno Pichuco... bueno.»

• Los pibes

Osvaldo Fresedo: El pibe de la Paternal

Pedro Maffia: El pibe de Flores

Carlos Marcucci: El pibe de Wilde

La Paternal y Flores son dos barrios de la ciudad de Buenos Aires y Wilde, una localidad al sur de Avellaneda, en la provincia de Buenos Aires. Fue la manera de distinguirlos por su lugar residencia. Todos comenzaron a destacarse de "pantalones cortos", de ahí "pibes". Los tres tuvieron sus seguidores que así los llamaban al comparar las virtudes de uno y otro.

Gia de cinco músicos a partir de varios años referente al panorama de los azul de la Italia del norte… ensambla del amor para esta clase de fascinación a usted, propone un repertorio buscado en los azul de las raíces veladas ocasionalmente del alma de las contaminaciones, de Cajun y de Zydeco (estilos sidos natos de la fusión entre los azul, el musics del caraibiche y los africanos de los ritmos). Los origina los acuerdos que tuvieron que el sonido característico de instrumentos acústicos, ocasionalmente de ideas del ironiche, la presencia de los instrumentos del ritmici del bizzarri y los momentos corales de diversión del festosi… Una atmósfera del evocativa que está implicada también la mirada… y de hecho costumbre del grupo para insertar en la demostración una gran pintura, ritratto de un bluesman como scenografia al concierto, fuera quitar el possibilita del tener como las proyecciones del fondo de las grandes imágenes del filmati o al asunto. George Peggiani (VR): armónica--- Simone Boffa (EN): guitarra acústica--- Acústico bajo de Andrea Taravelli (BO)--- Federica Zanotti (BS): batería--- Stephanie Océan Ghizzoni (BS): voz, tabla de lavar y percusiones.

Apple lanzará el próximo 29 de junio el iPhone, teléfono móvil que incluye un reproductor de música, según los anuncios publicitarios colgados en su sitio web. El domingo por la noche se emitieron en Estados Unidos varios spots publicitarios donde se anunciaba el lanzamiento del iPhone el próximo 29 de junio en exclusiva para AT&T. La noticia fue confirmada por un portavoz de la propia compañía, Tom Neumayr El aparato, que combina teléfono móvil, reproductor multimedia y un dispositivo móvil de navegación tendrá un precio situado entre 499 y 599 dólares (371 y 445 euros) en función de su configuración y equipamiento. En Estados Unidos, sólo será comercializado por la propia marca y por la filial de wireless de AT&T, actualmente conocida como Cingular. El lanzamiento del iPhone fue anunciado por el presidente de Apple, Steve Jobs, el pasado mes de enero. Jobs destacó las excelencias del aparato y afirmó que saldría a la venta en junio, pero no especificó la fecha exacta. Durante los últimos meses, los títulos de la compañía se han revalorizado al son de las noticias del lanzamiento del aparato. De hecho, el pasado 25 de mayo, la compañía experimentó una considerable subida bursátil tras rumores de que el iPhone saldría a la venta el 20 de junio, aunque desde Apple se negaron a confirmar ni a desmentir tales informaciones.

Si los UMPC no acaban de triunfar no será porque las empresas no lo intenten. La última es Raon con el Everun, con un completo teclado QWERTY que debería ser usable tanto si lo usamos en vertical como en apaisado, para lo que lleva autodetección de la posición actual. Tendrá la opción de usar un disco SSD de hasta 6 GB o un disco duro. Tampoco tendremos problemas de conectividad, ya que integra Wi-Fi y Bluetooth 2.0. Lo que me gusta más es que la autonomía de la batería es de hasta 7 horas o de 12 si usamos la batería extendida que tendrán disponible. Pero no solo la autonomía es buena, sino que el peso queda por debajo del medio kilo y el precio estará entre los 600 y los 900 dólares. Poco más se puede pedir, ¿no?

'La Caixa' ha anunciado hoy que pondrá en marcha un programa piloto de seguridad biométrica en su red de cajeros automáticos mediante el cual será posible identificar a cada individuo. Gracias a la tecnología de Fujitsu, los cajeros podrán leer el patrón de las venas de la palma de la mano de cada persona, un sistema de reconocimiento prácticamente infalible. De esta forma, la caja de ahorros que preside Ricard Fornesa se convierte en la primera entidad española en dotar a sus cajeros automáticos de esta tecnología, denominada 'PalmSecure', que ya utilizan más de 20 bancos en Japón, y ya está disponible en cerca de 16.400 cajeros automáticos y en más de 16.000 oficinas bancarias. La firma explicó que otros sistemas biométricos como identificación por huella digital o el reconocimiento del iris, dejan "muchas ventanas abiertas al error en la identificación". Las venas, infalsificables Frente a ello, el sistema de Fujitsu identifica a las personas a través de las venas de la mano, que están ubicadas dos o tres milímetros por debajo de la epidermis, por lo que resultan prácticamente infalsificables, ya que la sangre ha de estar fluyendo para registrar la imagen o patrón. Las investigaciones de Fujitsu demuestran que el patrón de las venas es único para cada individuo, incluso en el caso de gemelos idénticos. Además, éste permanece inalterable desde que el individuo se encuentra en el feto materno hasta la muerte de la persona y simplemente se amplía con el crecimiento, pero siempre manteniendo el mismo patrón.

Tal vez cuando llegue al mercado el VIA NanoBook UMD enos a igual que e de la foto, pero seguro que no se diferencia demasiado en el tamaño. Este el modelo de referencia que ha diseñado VIA, aunque cada fabricante podrá adaptarlo a su gusto. Packard Bell ya lo está haciendo y lo presentará pronto para Europa. Sus dimensiones son de 3 x 17 x 22.8 centímetros y en su interior lleva un procesador VIA C7-M a 1.2 GHz, 1GB de RAM y disco duro de 30 o 60 GB. Estas características le permiten ejecutar cualquier sistema operativo de un portátil coriente, como XP, Vista o Linux. La pantalla tiene un tamaño de 7 pulgadas y dispone de conectividad por Wi-Fi, Bluetooth y Ethernet. La autonomía llega casi hasta las 5 horas y el peso del ordenador es de 850 gramos, haciéndolo fácilmente transportable.

Mighty Shadow

El Calipso es un sentimiento, un ritmo lleno de emociones que se basa en las vivencias cotidianas para elaborar las letras. Los esclavos africanos que fueron llevados a la isla antillana de Trinidad para trabajar en las plantaciones de caña de azúcar, fueron arrancados de sus raíces culturales. Les estaba prohibido hablar entre ellos durante las horas de trabajo por lo que comenzaron a crear canciones como modo de comunicarse y entretenerse. Poco a poco el canto se tornó parte fundamental de sus vidas y lo emplearon para expresar absolutamente todo lo que se les ocurría. Se cree que el Calipso se inspiró en la tradición africana de contar historias. Posteriormente se mezclaron elementos del canto, la danza y la percusión africanos con influencias francesas, hispanas e inglesas, entre otras, creando una amalgama de la que surgió el Calipso. Algunos remontan su origen a la música de los trovadores medievales franceses.

Harry Belafonte

El origen del nombre es incierto aunque se cree que proviene de la palabra Kaiso, que se utiliza en África Occidental para elogiar una buena actuación. Hoy en día el Calipso consiste en una especie de conciencia que denuncia e informa con humor y sátira los problemas políticos, económicos y sociales. La lengua utilizada en la mayoría de los casos es el Patois, una mezcla de inglés y francés. Las canciones por lo general eran conducidas por un individuo al que llamaban Griot, más tarde se hizo conocido como Chanteulle y hoy en día como Calipsoniano. La voz del cantante es acompañada con guitarras, maracas y tambores que mantienen viva las raíces africanas de esta música. La relación del Calipso con el Carnaval se remonta a mediados del Siglo XIX cuando se abolió la esclavitud en Trinidad. A menudo los calipsonianos se burlaban de la alta sociedad y las autoridades, los que los convirtió en héroes y defensores del pueblo y un problema para la clase dirigente. La gente concurría a escucharlos para divertirse y confirmar los sucesos de los que habían oído hablar, mientras que el gobernador y su sequito iban a averiguar como andaba su índice de popularidad.

Mighty Sparrow

El año 1914 marcó el punto de partida en la historia discográfica del Calipso ya que ese año se hizo la primera grabación en Trinidad. Antes de finalizar la década del 30, músicos excepcionales como Lord Invader, Roaring Lion y Atilla the Hun, dejaron una marca indeleble en el mundo del Calipso. En los años 40, Lord Kitchener se elevó a la prominencia y dominó la escena hasta finales de los años 70, aunque siguió creando hits memorables hasta su muerte en 2001. En 1944 el trío norteamericano Andrew Sisters hizo una versión del éxito de Lord Invader Ron and Coca-Cola. Desde entonces EEUU y el resto del mundo identificaron al caribe por el Calipso. En 1956 Harry Belafonte registró su álbum “Calypso” que contiene la canción probablemente más conocida en el mundo como es Banana Boat. Este álbum fue el primero en vender más de un millón de copias en este género musical. El año 56 marcó también la explosión en escena de Mighty Sparrow que arrasó con su canción Jean & Dinah que celebró la salida de las tropas estadounidenses de Trinidad.

Lord Pretender

Esto dio inicio a una era más politizada del Calipso que fue tomado como bandera por el Partido Nacional del Pueblo, quienes facilitaron la independencia de Gran Bretaña en 1962. Social y políticamente el Calipso ha tenido influencia en muchos de los movimientos sociales y políticos triniteños. Los años 70 vieron una disminución en la popularidad del Calipso que fue desplazado por el Reggae como la música más importante del Caribe. A comienzos de los 80, músicos y cantantes con influencia del Soul y el Funk norteamericanos, desarrollaron una nueva forma del Calipso conocida como Soca. Esta nueva música es de ritmo más rápido, con bajos más marcados y una instrumentación electrónica más densa. Desde los años 80 el Soca ha ayudado a los calipsonianos a entrar de nuevo en escena en la música mundial, a través de canciones que hacen menos referencia a la sociedad de Trinidad. Nuevas formas de Calipso/Soca han surgido últimamente, como el Rapso, con influencias del Hip Hop; el Ragga Soca, que utiliza el Reggae, y otros estilos como el Parang; el Chutney y el Ringbang.

Un solo gen es el culpable de que algunos tengan un tabuz más grande que otros. La presencia de este gen resulta en "notablemente grandes y musculosas nalgas". (Se le está cayendo la saliva, señor). Un grupo de científicos norteamericanos ha descubierto un gen que produce que algunos animales desarrollen "notablemente grandes y musculosas nalgas". Según estos estudiosos del Duke University Medical Center este gen explica cómo una gran cantidad de masa muscular o una gran cantidad de grasa se deposita en algunas retaguardias humanas. Estos científicos -que no salen mucho- encuentran el descubrimiento increíblemente excitante. Tanto es así que han bautizado al gen con el nombre de "callipyge" que en griego significa "hermoso culo". En el caso de las ovejas, la presencia de este gen hace posible que la comida se convierta en músculos del traste con un 30% más de efectividad. Para Randy Jirtle, profesor de radiología oncológica en la Universidad de Duke y co-autor del estudio, este descubrimiento podría arrojar luz a la investigación del desarrollo de la obesidad y de los metabolismos que tienden a la gordura. "Las ovejas están poniéndose musculosas sin levantar pesas", explicó Jirtle. "Están convirtiendo la comida en músculos en vez de grasas".