Demasiadas Noches 185 (FM Inolvidable)

 

Los próximos 4 y 5 de diciembre tendrá lugar en el Teatro de Colegiales "Metal para todos", el festival que desde hace tres años reúne a las mejores bandas del heavy local. Con más de treinta grupos confirmados y dos escenarios paralelos, los fanáticos del popular género musical podrán disfrutar de más de diez horas a pura adrenalina junto a sus artistas favoritos. Conjuntos como Tren Loco, Mastifal, Jeriko, Killing Season, V.I.D.A, Kingdom of Hate y Nokzul, entre otros, estarán interpretando las canciones de sus discos y EP's correspondientes. Los escenarios de la edición 2010 llevarán los nombres Ronnie James Dio y Pete Steele: el primero en honor al vocalista de agrupaciones como Elf, Rainbow, Black Sabbath y Dio y el segundo por el bajista de la banda de metal gótico Type 0 Negative, ambos fallecidos a principios de año. Mientras que el cierre del primer día estará a cargo de Horcas -que acaba de grabar un DVD en el local de Colegiales y cumplió recientemente veinte años de carrera-, el segundo será de la mano del legendario Tano Romano.

Ante un público con muchas ganas de fiesta, el grupo Village People repasó sus máximos hits con un concierto en el Luna Park. El recital, que fue producido por la vedette Florencia de la V, se llevó a cabo la noche del viernes, con una concurrencia dentro de la cual había muchos disfrazados y algunas personas con carteles con consignas sobre diversidad sexual. El show, que duró unos 70 minutos, arrancó con "Gimme Some Loving", "Macho Man" y "Listen to the Music", un cover de los Doobie Brothers. Con numerosos cambios de vestuario a lo largo del espectáculo, estos renovados Village People incluyeron a los miembros originales Alexander Briley (el militar), David Hodo (el obrero) y Felipe Rose (el indio) y a Raymond Simpson, Jeff Olson y Eric Anzalone, quienes encarnan actualmente los roles de policía, vaquero y motoquero. "Trash Dance" -uno de los temas de la etapa "ochentosa" de la banda que incluyó citas a clásicos disco como "We Are Family" y "Staying Alive"- precedió a ""Do the Shake" y "You Can't Stop the Music", clásicos de la banda sonora del filme que el grupo protagonizó en su época de apogeo. Sobre el final, el militar hizo una versión de "You Make Me Feel (Mighty Real)" y la agrupación cerró con "In the Navy". Aunque faltaban los bises, que llegaron con "Go West" y "Don't Leave Me This Way", mientras el público bailaba frenéticamente. Como no podía ser de otra manera, el cierre fue con "Y.M.C.A.", canción ampliamente festejada que incluyó imágenes en las pantallas de Tato Bores, humorista que llevó a Village People a su programa en plena dictadura militar.

La banda británica de 'rock' duro Motorhead será una de las grandes atracciones internacionales del megafestival Rock in Rio en 2011, informó la organización a la prensa el martes, al tiempo que sus compatriotas de Coldplay anunciaron también su presentación. La organización indicó que el grupo con más de 35 años de carrera y liderado por el carismático bajista Lemmy Kilmister tocará la tercera noche del evento, junto a los californianos 'reyes del trash metal' Metallica y a los brasileños de Sepultura. Motorhead tiene 27 discos lanzados con 'hits' como 'Ace of Spades', 'Live to win', 'Iron Fist' o 'Overkill'. El anuncio tiene lugar el mismo día en que la prensa británica informó de que un fan de Motorhead fue asesinado a golpes tras un 'show' en Leeds. Además, el grupo Coldplay confirmó en su página 'web' que tocará el 1 de octubre en este evento. También participarán en el festival los estadounidenses de Red Hot Chilli Peppers y de Coheed & Cambria, así como los norirlandeses Snow Patrol. Metallica fue la primera banda en ser contratada tras una encuesta en la que fue la más votada por el público. Esta será la cuarta edición local y la décima del Rock in Rio, y durará seis días, con casi 100 artistas locales y extranjeros: del 23 al 25 de septiembre de 2011 y seguirá el 30 de ese mes hasta el 2 de octubre. La primera edición se celebró en Rio de Janeiro en enero de 1985 y en 10 días convocó a casi 1,4 millones de personas. Luego hubo otra edición en 1991 y la última fue en 2001. Rock in Rio tuvo después cuatro ediciones, dos en Portugal y dos en España.

La letra manuscrita de la canción "The Times They Are A-Changin" de Bob Dylan, de la década de 1960, será subastada el mes próximo y podría venderse por más de un cuarto de millón de dólares, dijo el martes Sotheby's. La descolorida y manchada hoja, con una esquina doblada y en la que se lee "por Bob Dylan" en la parte superior, se venderá el 10 de diciembre y el precio estimado es entre 200.000 y 300.000 dólares, dijo la casa de subastas Sotheby's. Dylan escribió la clásica canción, de la que dijo estaba influenciada por baladas escocesas e irlandesas, durante sus primeros años en Nueva York y fue el título de su álbum de 1964. Desde entonces, ha sido grabada por decenas de artistas, desde The Beach Boys a Josephine Baker. Poco después de que Dylan grabara la canción, el presidente John F. Kennedy fue asesinado en Dallas y el músico comenzó un concierto la noche siguiente con la influyente canción de protesta. La canción ha sido calificada como un sello característico de los cambios de la década de 1960, de la contracultura y el movimiento anti-bélico. La letra perteneció una vez al amigo de Dylan Kevin Krown, de quien Sotheby's dijo introdujo al artista al ambiente musical de Greenwich Village. Pero Dylan era descuidado para mantener sus manuscritos y fue gracias a Krown y también a Eve y Peter MacKenzie que tales piezas sobrevivieron, según la casa de subastas.

El poster de este estreno es engañoso. Tal vez si mostraban a George Clooney sentado en una mesa tomando un café era más apropiado, ya que es lo que el tipo hace durante gran parte de esta historia más que correr con armas. Que quede bien claro. El ocaso de un asesino no es para nada una mala película, pero atrasa más de 30 años con una propuesta ultra trillada que ya no da para más. Los asesinos a sueldo necesitan de manera urgente una renovación en el cine porque ya no se puede seguir refritando el mismo cuento de siempre. La culpa la tiene un señor francés llamado Jean Pierre Melville, quien en 1967 revolucionó el género policial con una película llamada El Samurai, que protagonizó Alain Delon. Ese film estableció de manera contundente el modelo del asesino a sueldo en la pantalla grande al presentar a un personaje inédito hasta ese momento, cuyas características fundaron la base de este tipo de sujetos en el cine. El criminal parco, de vida solitaria, con códigos muy especiales que se enfrenta a una última gran misión, nació con El Samurai. La película que tuvo una narración minimalista se convirtió en uno de las producciones más importantes de la movida del cine francés de los años ´60. El tema es que fue tan groso lo que hizo Melville con esta historia en su momento que desde entonces los asesinos a sueldo en la pantalla grande se convirtieron en una maldita copia de lo que hizo este tipo hace tres décadas. Algunos cineastas inteligentes lograron encontrarle una vuelta de rosca al tema y darle personalidad. La mayoría de las propuestas restantes cayeron en lo mismo al copiar el film con Delon. En El ocaso de un asesino el director Antón Corbijn evoca con su narración esa clase de policiales franceses que se hacían en los años ´60 con el problema que brinda una historia que ya se contó un millón de veces.

A los cinco minutos que te presentan a George Clooney, quien brinda su versión personal del famoso “samurai” ya sabés lo que va a ocurrir en cada maldita escena del film, porque es totalmente predecible. Corbijn es un gran director visual que adquirió notoriedad por sus videos clips, que hizo para Depeche Mode, U2 y Metallica entre tantos otros artistas, que se destacaron por una estética muy particular. En este film se nota que él estuvo detrás de cámaras y este estreno se ve realmente espectacular. El tipo le sacó el jugo a esas espectaculares locaciones europeas con un trabajo de fotografía fabuloso. Clooney brinda un buen trabajo actoral pero a este film le jugó en contra el guión. Al no aportarle nada especial la película se vuelve un bodrio pretensioso de aquellos Al menos para los seguidores de los policiales que no descubrieron el género con Pecados Capitales.

Título original: The American / Año: 2010 / Duración: 105 min. / País: EEUU / Dirección: Anton Corbijn / Guion: Rowan Joffe. / Novela: Martin Booth / Música: Herbert Grönemeyer / Fotografía: Martin Ruhe / Intérpretes: George Clooney, Violante Plácido, Thekla Reuten, Paolo Bonacelli, Johan Leysen, Filippo Timi, Anna Foglietta, Irina Björklund, Lars Hjelm, Björn Granath, Giorgio Gobbi, Silvana Bosi, Guido Palliggiano, Samuli Vauramo, Antonio Rampino.

 

 

Ya Basta es un grupo de Ska y Rock de París, formado en 1993 por Ol y Cidou. Sus canciones tienen textos libertarios. El nombre de Ya Basta se ha elegido en referencia a la consigna del ejército revolucionario zapatista. En 1999 el grupo se enriqueció con una sección de instrumentos de viento con cobre y una segunda voz. Cercanos a la Confederación Nacional del Trabajo, la agrupación anti Le Pen y la Federación Anarquista, los conciertos de apoyo se multiplicaron a través de Francia, compartiendo escena con les Skuds, Los Tres Puntos y la Brigada Flores Magon. Después de 13 años de existencia, y cuatro discos grabados, el grupo se despidió el 11 de marzo de 2006 a la Maroquinerie de París.

Alto a los discursos demagogos

Tomando a estos niños por idiotas

Para víctimas en tiempo de crisis

Cesen pues este análisis

Estrategias electorales

Contra lucha antifascista

¿Qué hay de los crímenes racistas?

¿Prejuicios que persisten?

Sus ideas apenas tienen lugar

Destruyamos esta amenaza

Clasificados como arbolillos silvestres

Pronto los destruiremos

Asumiremos nuestros actos

Para que se sellen por fin sus pactos

Antifascistas somos

Antifascistas radicales

Para la dignidad de los hombres

Y para que sean todos iguales

Estos bastardos vienen de Vichy

Nos hablan de democracia

Incluso nos tratan de intolerantes

No creen que la resistencia

Haya pasado de la violencia

Preparan milicias

Bajo las miradas cómplices

De un poder muy complaciente

Que los deja hacer ahora

Pero no lloran mañana

Si todo pasa por sus manos

Los patriotas hablan de unión

El cimiento de la nación

El voto como sola defensa

No crean a todos estos farsantes

Abastecedores de asambleas

Dejen de abrumarnos

Y observen en la historia

La ascensión de las camisas negras

Que al sonido de sus desfiles

Mataron a nuestros camaradas

Siempre presentes en la calle

Lo digo para su conocimiento

Lucharemos sin piedad

Ya sin controlarnos

 

Oma significa abuela en alemán, en nuestra Argentina sobre todo en la Mesopotamia o en la región chaqueña, a todas las abuelas de procedencia o descendencia alemana, polaca, suiza, húngara o ucraniana, se las llama así. Pero, una mujer, quedó inmortalizada como “La Oma” gracias una afamada canción del folklore popular argentino. Marta Hoffner, era brasileña, nació el 12 de octubre de 1907 y era la quinta hija de un matrimonio de alemanes, vivía en Santa Catalina un estado del sur de Brasil. En ese lugar conoció a Armando Rabe, que había llegado desde Alemania a ese sitio junto a su familia, escapando de la guerra, en busca de paz y prosperidad. Pero los Rabe encaminarse a San Bernardo, en Chaco, allí se establecieron y consiguieron buenos trabajos. Pasaron dos años desde la despedida y después de tanto tiempo volvieron a encontrarse, pues Marta, decidió emprender viaje hacía la tierra donde se encontraba Armando. Allí, en San Bernardo, se casaron y tuvieron tres hijos: Ana, Martín y Gerda. Marta Hoffner de Rabe era muy trabajadora. Se dedicaba al cultivo de algodón y además realizaba todas las tareas del campo: sembró de todo, crío vacas, gallinas, aves de corral y chivos. Para transportarse usaba una volanta tirada por burros. En la década del cincuenta, Armando decidió separarse de la “La Oma” y viajó a Buenos Aires junto a su hijo Martín. Las otras dos hijas, Ana y Gerda, se fueron del monte chaqueño. Ana tuvo como destino los Estados Unidos, mientras que Gerda consiguió trabajo como secretaria del doctor Esteban Mauro. “La Oma” pasaba gran parte de la semana sola en compañía de su entrañable amigo: el lorito “Pepe”. En 1975 el mendocino Daniel Altamirano llegó a San Bernardo. En Chaco fueron a visitar al doctor Esteban Mauro. En uno de sus viajes, el doctor Mauro, le pidió a “La Oma” que prepare un chivito para agasajar al grupo. Así el 25 de mayo de 1975, el doctor Mauro y Altamirano recorrieron cinco kilómetros, pasando por picadas bordeadas de árboles hasta que llegaron al rancho de barro, apuntalado con quebracho colorado donde vivía “La Oma”. Al regresar, Daniel Altamirano se sintió inspirado por la forma de vida de Marta y decidió componer un bello poema. Más tarde el compositor Pedro Favini, integrante del Trío San Javier le añadió música con ritmo de chamamé y en el año 1977, el grupo “Los Cuatro de Córdoba” estrenaron el tema. En 1994 Marta Hoffner fue reconocida como “mujer sobresaliente del año” en el Congreso de la Nación. Pero como todos la Oma era mortal y el 19 de noviembre de 1994, a las 6:15 horas, con 87 años de edad, su vida finalizó. Sus restos descansan en el cementerio de San Bernardo.

Aunque la reciente presentación de los nuevos tablets de Acer no fue muy generosa en información sobre estos nuevos dispositivos, durante el evento le echamos el ojo a un dispositivo que teníamos muchas ganas de probar. Se trata del Acer Revo RL100, última versión de la serie de nettops Revo de la compañía taiwanesa. El Revo RL100 es un ordenador de salón sin concesiones a widgets, conexiones propietarias ni tiendas online. Sólo un corazón AMD Athlon II Dual Core K325 a 1,3Ghz, 2GB de RAM, gráfica Nvidia ION, 160GB de disco duro y sistema operativo Windows 7 Home Premium de 64Bit. Diseño espectacular Acer ha embutido su nuevo ordenador para el salón en una carcasa ultradelgada que a muchos les recordará el diseño de la PS2 Slim. Al igual que aquella versión de la consola, el Revo RL100 es capaz de funcionar en vertical u horizontal. Toda la estructura está confeccionada en plástico negro sin muchas concesiones a los materiales, pero el diseño, que siempre es cosa de gustos, claro está, nos ha parecido muy acertado. Sus dimensiones son de 300 x 25.4 x 180 milímetros, y pesa 1.2 kilos. El único problema desde el punto de vista de diseño quizá sea la ventilación. La salida de calor queda a la parte derecha en horizontal, pero pasa a estar debajo cuando se pone en vertical, lo que abre una incognita a posibles problemas de calentamiento tras un uso prolongado. Al menos, la plataforma de procesador y gráfica no genera excesivo calor, pero eso es algo que sólo puede descubrirse con un uso intensivo. Tampoco lleva fuente de alimentación interna, sino un transformador en el cable al estilo portátil.

No hace mucho, yo mismo hablé de una extensión y bookmarklet que nos permitía añadir el retweet clásico al nuevo Twitter. Esta que vamos a ver ahora es una extensión sólo para Chrome que hace lo mismo y pero que incorpora algunas cosas más por las que vale la pena reseñarlas: Twitter Extender. Al igual que la otra, nos añade un nuevo enlace para poder usar el clásico RT, pero también nos añade un “reply to all”, de manera que podamos responder a todos los incluidos en un tweet sin necesidad de escribir o copiar sus nombres uno a uno. Otra opción que nos da es la de poder enviar más rápidamente un mensaje directo (DM) sin necesidad de irnos a la sección de Mensajes. Además, resalta aquellos tweets donde aparezca nuestra cuenta mencionada, haciéndolos más fácil de localizar y nos incluye la posibilidad de usar un acortador de direcciones (bit.ly) desde la página, aunque no las acorta automáticamente sino que hay que pinchar en el enlace pertinente e incluir la URL. La verdad es que puedo comprender que Twitter no incluyera en su reforma las últimas opciones que aporta esta extensión. Pero creo que las primeras son un poco de cajón, en base a lo que he visto en mi timeline y al uso que yo mismo hago. De todas formas, contamos con esta extensión para solucionar esa carencia.

 

Desde hace un tiempo, las impresoras se han ido reinventando en cierta manera para no quedarse como un periférico olvidado y tonto. La conexión a Internet, no depender de un ordenador para ser plenamente funcional y las aplicaciones han obrado el milagro que provoca que ya no miremos a estos equipos de mala manera. La HP PhotoSmart con tecnología ePrint que hemos probado y os enseñamos en este videoanálisis es una que se apunta a la fiesta. Su precio es contenido, 200 euros para el modelo más avanzado, y para más interés, es el único modelo que de forma nativa es compatible ahora mismo con la impresión AirPrint desde equipos iOS de Apple. HP Photosmart, sin cables y con aplicaciones La HP Photosmart ePrint que hemos probado en Xataka es el modelo más avanzado de la nueva gama que se presentó hace unas semanas en España. Su rasgo más mediático (pues al fin y al cabo es una impresora todo en uno que escanea, copia y funciona sin ordenador de por medio) es que con ella podemos imprimir desde cualquier equipo que sea capaz de enviar un correo electrónico, como un ordenador o un teléfono móvil. Para ello contamos con una dirección de correo electrónico única para cada impresora. Para imprimir solo debemos enviar un correo a esa dirección e inmediatamente estaremos sacando el documento (si es un adjunto o texto en el cuerpo del correo) o una foto (si la enviamos directamente también por correo). La otra funcionalidad más publicitada de esta impresora es su compatibilidad plena y directa con AirPrint de Apple. Como has podido ver en el vídeo, imprimir desde un iPad o un iPhone es cosa de niños.

Por si no lo sabes Firesheep es una extensión para Firefox que ha hecho mucho ruido últimamente en toda la red. Se creó especialmente para demostrar una vulnerabilidad que permitía obtener la contraseña de multitud de servicios web que no funcionan utilizando el protocolo de conexión de página segura HTTPS. Básicamente la forma de utilizarlo se basa en descargarte la extensión, añadirla a tu instalación de Firefox, irte a una red abierta y dedicarte a esperar para ver que cazas. La cuestión es que con este agujero de seguridad una vez te has autenticado en la página en cuestión de ahí en adelante tus comunicaciones ya no se cifran y claro esto es como gritar tus contraseñas en plena calle Gran Vía de Madrid. De esta manera el cazador puede suplantarte en estos servicios, especialmente en los relativos a Facebook y Twitter que gozan de gran popularidad y no funcionan todavía en páginas seguras el 100% del tiempo.

 

 

Casi paralelamente a la New Wave, y no muy contento con éste, también comenzaba a gestarse otro movimiento vanguardista caracterizado por la anti-estética, la improvisación, la experimentación y la negación de toda idiosincrasia del Rock (de todo lo conocido/hecho hasta ese entonces, incluso el Punk, rechazando sus fórmulas clásicas del Rock n’ roll y rescatando su espíritu anárquico y amateur). A esa oposición a todo convencionalismo previo y a la misma New Wave, se la denominó satíricamente No Wave – un juego de palabras que rechazaba los elementos comerciales de la New Wave, y una etiqueta destinada a clasificar lo inclasificable. Si la New Wave y el punk habían aportado frescura al mundo del rock revitalizando sus valores primitivos con un dejo de rebeldía que no escapaba a lo comercial, la No Wave los negó de raíz y llevó ese cambio el extremo.

La No Wave no consistió en la definición de un género musical ni de un sonido, más bien en una nueva concepción global de lo musical guiada por un espíritu artístico transgresor, anticomercial y radical, que vino a desestabilizar las clásicas estructuras del rock y el pop y cuyos primeros rastros podemos encontrarlos en los oscuros callejones neoyorkinos allá por el ‘77 y su imposición definitiva en 1981. De diferentes modos, la No Wave no fue un género musical claramente definido. No había una armonía fija como en la mayoría del Rock y el Blues. Hay algunos elementos comunes a todos los artistas, incluyendo sonidos atonales abrasivos, fuerte énfasis en ritmos repetidos, y más énfasis en el humor y la textura que en la melodía convencional. Las letras suelen tratar sobre nihilismo y confrontación o eran puzzles abstractos. Los artistas clasificados como No Wave, generalmente tuvieron poca similitud musical entre ellos: Los grupos trabajaron en diferentes estilos, tales como Funk, Jazz, Blues, música aleatoria y Punk Rock.

 

 

Uno de los puntos clave del No Wave era la performance escénica, en pos de lograr el mayor impacto posible, articulándose con otras disciplinas artísticas: audiovisuales, artes plásticas, poesía, etc. Brian Eno, un músico muy avispado y atento y cuyas habilidades y visiones las ha dejado bien plasmadas en varios de sus discos, fue uno de los primeros en captar el espíritu de esos tiempos y dar testimonio de ello editando, allá por 1978, lo que quizás haya sido el primer álbum No Wave: un compilado titulado convenientemente “No New York”, que reúne a cuatro de las bandas clave de esta anti-ola: Mars, DNA, Teenage Jesus And The Jerks y The Contortions. De toda esa camada neoyorkina de finales de los ‘70 y comienzos de los ‘80, quizás la banda que obtuvo mayor reconocimiento general saliendo de los pasillos del under fue Sonic Youth, cuyo mentor no es ni más ni menos que Glenn Branca, primerísimo no-waver y toda una figura de culto.

La influencia de la No Wave se hizo notar rápidamente y una escena similar también se desarrolló a comienzos de los ‘80 en Inglaterra con la música Industrial, y en menor medida en Alemania. A su vez, fue expandiéndose hasta rincones insospechables, tomando las formas más diversas y haciendo de los géneros musicales meras etiquetas obsoletas. También durante este tiempo hubo un período de No Wave Cinema, que fue un movimiento de películas underground en East Village. Los cineastas de la No Wave fueron: Amos Poe, John Lurie, Scott B y Beth B, conduciendo al cine de la trasgresión y el trabajo por Nick Zedd y Richard Kern. Los últimos brotes de este movimiento incluyeron grupos como Skeleton Key, Cop Shoot Cop, VPN y otros.

En Australia una mujer fue arrollada por su propio auto ¡dos veces! Esta nota es una elegía al subestimado poder del freno de mano. Los paramédicos describieron a esta mujer como "extremadamente afortunada" ya que podría haber muerto en el extraño episodio que protagonizó. Al parecer, ella había estacionado el vehículo en el estacionamiento de su casa. A pesar de la inclinación ascendente del garaje la mujer olvidó poner el freno de mano y cuando pasó por detrás del carro éste la arrolló. La mujer, quedó en el suelo sin poder moverse. Pero lo peor estaba por venir: el automóvil que la atropelló sin tripulante siguió desplazándose hasta la cerca de la casa donde rebotó y se dirigió nuevamente en dirección a ella. El carro le pasó por encima de nuevo, volviéndole a aplastar las piernas y el abdomen. Una ambulancia de alta complejidad la trasladó al hospital donde permanece en terapia intensiva. Los médicos describieron su situación como "seria pero estable".