Fue un suspiro,
apenas cinco años en la escena del rock local desde el debut de Sumo en El
Palomar en 1982 hasta su muerte la madrugada del 22 de diciembre de 1987 por
una cirrosis crónica, pero Luca Prodan marcó para siempre la historia del rock
argentino y a 20 años de su muerte su nombre se agiganta.
Su rostro se
multiplica en miles de remeras y su figura, como un indescifrable signo de todo
aquello que expresó alguna vez el rock -una rabiosa actitud antisistema, un
perpetuo presente, un modo de exponer el cuerpo siempre al límite y unos pocos
acordes para contar un viaje desgarrador o festivo- se transformó en un emblema
que resiste el olvido. La aparición de Luca en la escena del rock vernáculo fue
la de un objeto no identificado. Traía de Londres las últimas imágenes del rock
sinfónico en estado de coma, la furiosa actitud punk y los nuevos aires del
reggae, todavía desconocidos en estas playas. Potencia y rock. Formó, junto a
Los Redonditos de Ricota y Los Twist lo más innovador y revulsivo de la escena
under que se juntaba en el Café Einstein de Omar Chabán en los finales trágicos
de la última dictadura militar y desde allí construyó uno de los discursos
artísticos más potentes del rock local. Los discos oficiales de Sumo en vida de
Luca fueron tres y en tres años sucesivos: "Divididos por la
felicidad" (1985), donde están "La rubia tarada", "Mejor no
hablar" (compuesta por el Indio Solari), "El reggae de paz y
amor" y su versión de "Kaya", de Bob Marley. Luego vinieron
"Llegando los monos" en 1986 con "Viejos vinagres" y
"Que me pisen" y en 1987 "After Chabón", con la bellísima
"Mañana en el Abasto" y "Lo quiero ya", que con su frase
"no sé lo que quiero pero lo quiero ya" sintetizó toda una época o un
estado del espíritu de una época. Nacido en Roma en mayo de 1953, Luca estudió
en el aristocrático colegio escocés Gordonstown College, del que se fugó antes
de recibirse, y llegó a las sierras de Córdoba en 1981 escapando a la heroína y
el suicidio de su hermana que lo habían puesto al borde la muerte. Nace Sumo.
Desde allí, y luego de unirse a Germán Daffunchio primero, Alejandro Sokol
después, Diego Arnedo, Roberto Petinatto, Ricardo Mollo y Alejandro Troglio,
más tarde, dio origen a Sumo, una banda que dejó para siempre su marca en el
rock argentino y que creció en popularidad y significado después de su muerte.
Además de eso, Luca fue una permanente voz de alerta y denuncia contra cierto
provincianismo de los rockers nativos, como cuando señaló: "Acá hay
demasiada seriedad, todos quieren ser profesionales y se olvidan que el rock es
una locura". Una voz desafiante también del star-system cuando afirmó:
"Manejar el poder es como manejar explosivos, te podés hacer mierda vos
mismo" o "la heroína es la segunda droga en importancia, la primera
es el poder", una frase que con algunos cambios repetiría Diego Maradona
15 años más tarde. Liberado de la heroína que lo consumió en la Europa
tatcherista, Luca no pudo escapar a la bebida y dejó en claro esta situación.
"Nunca pensé que la ginebra fuera el elixir de la vida, más bien es el
elixir de la muerte", dijo en un reportaje. El 20 de diciembre de 1987
ofreció su último recital en estadio del club Los Andes, donde dijo, antes de
cantar una canción "ahí va la última", para los 500 jóvenes que lo escuchaban.
Después murió, entre la noche del 21 de diciembre y la mañana del 22 en que lo
encontraron en su cama de la pensión de San Telmo donde estaba viviendo, sin
conciencia de la "pequeña revolución" que había desatado y que aún
algunos reivindican, aunque más abajo que arriba del escenario.
Las burbujas
son encantadoras, cualquier infante puede dar fe. Parecen formarse por arte de
magia, como si el aire decidiera ponerse a brillar. Pero, claro, son efímeras.
Y la “burbuja en el tiempo” que trajo de regreso a Soda Stereo está a punto de
desaparecer. Sólo que, acorde con el gigantismo con que el trío se plantó diez
años después de su primer adiós, esta burbuja hará mucho ruido al estallar:
será esta noche en River, a esta altura casi la segunda casa de Gustavo Cerati,
Zeta Bosio y Charly Alberti. En esta nueva despedida, a diferencia de lo que
sucedió en los conciertos anteriores, Soda sí tendrá como invitados a viejos
compañeros de ruta como Carlos Alomar (ex músico de David Bowie e Iggy Pop y
productor de Doble vida), Richard Coleman, Andrea Alvarez y Fabián Quintiero.
También se supone que la lista de temas será más larga y que incluirá algunos
temas que no sonaron en Buenos Aires. Pero lo que sí es seguro es que con este
sexto show en el estadio más grande de la Argentina, Soda Stereo romperá un
record más, el que ostentaban allí los Rolling Stones, con cinco presentaciones
en una misma gira. El de River no es el único número abrumador. Cuando termine
el concierto de esta noche, la cantidad de personas que los habrá visto volver
(y volver a despedirse) superará el millón, en 22 conciertos en buena parte de
América. Fueron record también en Chile (130 mil espectadores), juntaron a 180
mil mexicanos en sus shows en el Distrito Federal, Monterrey y Guadalajara, a
95 mil peruanos, a 52 mil venezolanos... Y como si con los seis River no fuera
suficiente, en su único show en el interior de la Argentina superaron la marca
de 41 mil personas que habían establecido los Redonditos de Ricota en 2001: 48
mil vieron a Soda Stereo en el Chateau Carreras de Córdoba. A esta altura,
nadie puede discutir que el trío fue y es la banda más importante de la
historia del rock en español. Si de cifras se trata, las especulaciones sobre
los millones que embolsarán los músicos por este retorno que ya termina
desvelaron a más de un cronista, especialmente porque circuló el rumor de que
la vuelta sólo respondía a motivos económicos. Ellos lo desmintieron en la
conferencia de prensa que hicieron el 21 de septiembre en Museum, donde por
primera vez se los vio tocar juntos exactamente una década después de las
“Gracias... ¡totales!”. En esa ocasión, Alberti dijo que no tendrían problema
en admitir que volvían por el dinero “si fuera verdad”. “En ese caso, habríamos
vuelto hace siete años, porque nos están ofreciendo muy buen dinero desde hace
tiempo. Y estar juntos nos hubiera provisto una situación económica mucho mejor
que estar separados.” Lo cierto es que la relación entre el trío, que era
pésima en el momento del adiós en 1997, mejoró con el paso del tiempo, e
incluso se fortaleció durante la gira, según le dijeron a Página/12 fuentes muy
cercanas a los tres. En Museum, Cerati recordó haber dicho que no querían
volver cuando estuvieran muy patéticos. Desde el concierto inicial de la gira,
el 19 de octubre, Soda Stereo puso en evidencia que no hay un asomo de
patetismo en su propuesta artística, por más que el tono nostálgico haya
envuelto hasta a sus integrantes. Las canciones del trío no sólo no
envejecieron, sino que suenan contemporáneas en medio del revival ochentero
actual. “¡Por fin!”, gritó Cerati en River, ese ahora lejano 19 de octubre.
“Una eternidad esperé este instante.” Y todo volvió a ser como había sido, al
menos durante un par de meses. Cuando suene el último acorde del show de esta
noche, seguramente la maquinaria seguirá funcionando con DVD’s y discos que
dejarán constancia de la importancia de llamarse Soda Stereo. Mientras, Cerati
se imaginará descansando en Uruguay, Zeta Bosio se preparará para viajar a otra
escala (tiene programados sets como DJ en la costa y América Central) y Alberti
pensará en retomar los ensayos con Mole, la banda que llegó a presentar justo
antes de que se filtrara la noticia del retorno. Esta burbuja en el tiempo habrá
explotado. ¿Será la última?
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| Eugenio Py |
El cine llegó
muy joven a la Argentina. El 28 de julio de 1896 se realizó la primera
exhibición de películas en el Teatro Odeón, con amplia repercusión popular. Ya
en 1894 se había introducido el Kinetoscopio de Thomas A. Edison (1847-1931),
aparato que sólo permitía la visión individual por un ocular, por lo que, a no
mucho andar fue transferido a los parques de diversiones. Llegaron después los
días del francés Eugenio Py (1859-1924), técnico de la casa Lepage, Eugenio
Cardini (1880-1962) y otros adelantados de las cámaras. Hasta que el 24 de mayo
de 1908 se estrenó "El fusilamiento de Dorrego", la primera película
argumental, interpretada por figuras destacadas del teatro nacional como Roberto
Casaux, Salvador Rosich y Eliseo Gutiérrez. Con ese film inició su trabajo como
director Mario Gallo (1878-1945), llegado al país como integrante de una
compañía lírica italiana. Otros títulos acicatearon el interés y la voluntad
del nuevo realizador que agregó a su filmografía "Camila O'Gorman"
(1909), "La revolución de Mayo" (1910) y "Juan Moreira"
(1913) entre otras. Otro gran pionero llegado en 1910 fue Federico Valle que
inició su actividad fílmica con el Film "Revista Valle", un noticiero
semanal que durante 10 años cubrió con agilidad y sentido vivo los hechos del
periodismo cinematográfico. Ya en 1912 se consigna la fundación de la Sociedad
General Cinematográfica, por Julián de Ajuria, ex socio de Mario Gallo. Se
impone con ella el sistema, utilizado ahora, de alquiler de copias, en lugar de
su venta. Se intensificó al mismo tiempo la distribución de películas
extranjeras y aparecieron nuevas distribuidoras. En 1914 se fundó la compañía
Pampa Film, que produjo varias películas. El mismo año Enrique García Velloso
-un hombre de teatro- filmó una versión de "Amalia", la novela de
José Mármol (1818-1871). El año 1915 marcó un hecho trascendente para el cine
argentino: la realización y estreno de "Nobleza gaucha", de Eduardo
Martínez de la Pera y Ernesto Gunche, con argumento de Humberto Cairo, pulido
por José González Castillo, quien suprimió algunos desajustes de la narración e
ingenuas leyendas explicativas, reemplazándolas por pasajes del Martín Fierro
que coincidían con las situaciones. El éxito de "Nobleza gaucha" fue
extraordinario y su costo de $20.000.- se cubrió con una cifra excepcional
para la época: $ 600.000.- Los actores Orfilia Rico, Celestino Petray, Julio
Escarcela, María Padín y Arturo Mario, serían recordados por esa película, tanto
como por sus performances teatrales. 1915 fue también el año de la primera
película de José A. Ferreyra (1889-1943), titulada en un principio "Las
aventuras de Tito", aunque después cambió por "Una noche de
garufa" -como el tango de Eduardo Arolas (1892-1924)- y el joven
realizador la estrenó con muchas dificultades en el cine Colón, manteniéndose
en cartel con una exhibición sólo un día.
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| La revolución de Mayo (1910) |
El público no rechazaba desde el
vamos a Ferreyra, pero ya existían los problemas con los exhibidores, salvo excepciones.
"Ferreyra fue el primer hombre netamente de cine en el país" señala
Estela Dos Santos en su libro de 1972, "El cine nacional". Quienes lo
antecedieron trataron de hacer películas sobre los moldes que proporcionaba el
teatro. Aunque él también tuvo una educación teatral, supo unir sus aficiones
de pintor, músico, escenógrafo y fotógrafo, además de una nunca abandonada
bohemia, a su intuición natural para el cine. Al revés de otros, que pretendían
emular a los films extranjeros, si no en los temas por lo menos en el estilo y
la técnica, buscó ser original, siendo él mismo. Tras sus inicios, filmó otras
dos películas en 1916 de las que no se sabe prácticamente nada, para nuestro
perjuicio. Recién en 1917, con "El tango de la muerte" -a la que él
se empecinó en considerar su primera película- Ferreyra orientó su camino hacia
un futuro abundante en títulos y éxitos. Mientras Europa resolvía sus problemas
guerreros y los Estados Unidos intentaban el patronazgo mundial del cine, en
la Argentina surgía algo auténtico, que el tiempo confirmaría.
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| Nobleza gaucha (1915) |
Para el final de
la Primera Guerra Mundial, Latinoamérica desarrollaba su acción fílmica en dos
centros ubicados en sus extremos geográficos: México y Argentina. En el país
azteca los productores se esforzaban por superar un artesanado simplista, con
poco más de diez películas de largometraje, mientras el cine argentino mantenía
su rumbo, aunque a los tropezones. Filmar era una artesanía temeraria
principalmente por el favor del público hacia los títulos extranjeros, en
particular los norteamericanos. La nota destacada nuevamente la marcó José A.
Ferreyra con "Campo ajuera" y "De vuelta al pago" ambas en
1919, recibiendo los aplausos y las lágrimas de espectadores entusiastas que
alentaron al director, a esas alturas ya un sinónimo de respeto para los
exhibidores, que dejaron de escaparle. Estrenada "De vuelta al pago"
-el 27 de noviembre de 1919- se abrió un panorama distinto, con un hálito
fresco que levantó la moral de Ferreyra y por su intermedio, la del cine criollo.
Nelo Cosimí, Lidia Liss y muchos otros actores y actrices afirmaron su
popularidad en el cine como hasta entonces lo habían hecho en el teatro nacional.
Los días futuros tenían la palabra. Sin embargo, cuando comenzó la década del
veinte, en Latinoamérica el cine languidecía. Los escasos medios económicos
para el desarrollo de la producción y la entrega absoluta de las salas de
exhibición a los films hollywoodenses, así lo determinaban. En México se
construyeron nuevos estudios en 1921, pero resultaba prácticamente imposible
sostener una competencia pareja con los poderosos vecinos del norte. Para la
Argentina las cosas no marchaban mucho mejor. El pionero Federico Valle,
dedicado a los documentales, logró un significativo éxito de público con
"El toro salvaje de las pampas" (1921) dedicada al frustrado campeón
de box Luis Ángel Firpo (1894-1960). Sin embargo, el nombre respetado por todos
seguía siendo el de José A. Ferreyra (1889-1943): en 1922 estrenó "La
muchacha del arrabal", con una temática tanguera muy propia del director.
Lento y a los tumbos, el séptimo arte argentino y con él el latinoamericano,
buscaban su destino, que por el momento era confuso e incierto.
Natalie
Choquette es una soprano multilingüe. Durante más de veinte años, ha combinado
maravillosamente su formidable humor con la ópera. Dotada de una magnífica voz,
se mete en la piel de las divas cómicas y desmedidas, aunando con brillantez
risa y emoción. Nacida en Tokio de padres diplomáticos, Natalie Choquette
comenzó su formación de canto a la edad de 15 años con André-Paul Bourret en
Montreal, luego en Moscú, en la clase de Vivieia Gromova. De vuelta en
Montreal, obtuvo una licenciatura en música y una segunda en interpretación en
la Universidad de Montreal. Deseosa de aprender y mejorar, continuó su
formación como cantante con Janine Lachance y Lucette Tremblay. La creación de
su primer personaje de diva humorística en 1993, La Fettucini, despertó un
entusiasmo inmediato y sedujo a crítica y público por igual. Natalie Choquette
lidera una prestigiosa carrera que incluye numerosos conciertos, espectáculos y
giras internacionales. Más de dos millones de espectadores en todo el mundo han
sido conquistados por esta excepcional artista de Quebec que nunca deja de
encantar a su público con sus fantasías y su excepcional dominio del canto.
En la fuente clara
Paseando encontré
El agua tan hermosa
Que en ella me bañé
Te he amado por mucho tiempo,
Nunca te olvidaré
Bajo las hojas de un roble,
Me sequé
En la rama más alta,
Cantó un ruiseñor
Te he amado por mucho tiempo,
Nunca te olvidaré
Canta ruiseñor, canta
Tú que tienes el corazón alegre
Vos tenés corazón para reír,
Yo lo tengo para llorar
Te he amado por mucho tiempo,
Nunca te olvidaré
Perdí a mi amigo,
Sin haberlo merecido
Por un ramo de rosas,
Que le rechacé
Te he amado por mucho tiempo,
Nunca te olvidaré
Quisiera la rosa,
Aún estaba en el rosal
Y mi dulce amiga
Aún me amaba.
En la fuente clara
Paseando encontré
El agua tan hermosa
Que en ella me bañé
Te he amado por mucho tiempo,
Nunca te olvidaré
Esta música,
tan porteña como el café, suele contar cuentos de amor, rupturas, encuentros y
tristezas entre otras cosas. Sin embargo, en esta oportunidad vamos a girar
hacia otro aspecto no tan comentado en este tipo de letras: lo paranormal. Estos
son algunos tangos que hablan de fantasmas:
• Murmullos (Froilán Aguilar) “Cuando el ombú de la existencia sacude el viento del recuerdo, se llena el alma de "murmuyos" que cuentan cosas del tiempo viejo”.
• Cruz de palo (Guillermo Barbieri) “Dicen los más viejos, haciéndose cruces, que al pasar de noche por ese lugar oyen que se quejan los ñacurutuces de un modo tan fiero que hasta hace temblar... Y en las noches malas, cuando enrieda el viento su vago lamento en el saucedal, por la cruz de palo una luz camina, que corre y que vuela por el pastizal”.
• El Fantasma de La Boca (Pablo Osvaldo Valle) “En las casitas de lata de la calle de Pinzón apareció tu figura de guapo y de compadrón. A la gente espantabas con tu mirada tan fiera y ahora, ¡quién diría!... ¡ni la fachada te quedan!”.
• El fantasma de Belgrano (Alejandro Dolina) “Era un fantasma que rodaba por Belgrano por esas calles de contramano... y que paseaba sus cadenas de glicina cruzando un virrey en cada esquina. Tocaba tangos con las ramas de Zabala, bailaba valses en las barrancas y se robaba las neblinas del otoño para ponerlas de alfombra en su bulín”.
• Farol de los
gauchos (Eduardo Pereyra) “Cuentan que allá
por las sierras, A eso del anochecer, se oye gemir un dijunto. ¡jesús, maría y
josé! Campiando un cariño Por las sierras va El alma de un gaucho Por la
escuridá”.
• Hopa Hopa Hopa (Roberto Fugazot) “Cuasi anochecido, cerquita 'e mi rancho, cuando con mis penas conversaba a solas, sentí aquel ruidaje como de pezuñas y el grito campero de "¡Hopa!...¡Hopa!... ¡Hopa!..." Salí; y en lo escuro vide a uno de poncho llevando a los tientos, lazo y boleadoras, que al tranco espacioso de un matungo zaino arreaba animales que parecían sombras”.
• Olvidao (Guillermo Barbieri) “Al principio fue todo promesas... La viuda lloraba, sin duda demás; Pero al fin se le fue la tristeza y a su pobre gaucho no lo fue a ver más. ¡Con razón que en las noches 'e tormenta se escucha patente, la voz del finao, que la llama diciendo: ¡Lucinda, estoy muy solito, llegate a mi lao!”.
• Soledad (Carlos Gardel) “En la doliente sombra de mi cuarto, al esperar sus pasos que quizás no volverán, a veces me parece que ellos detienen su andar sin atreverse luego a entrar. Pero no hay nadie y ella no viene, es un fantasma que crea mi ilusión. Y que al desvanecerse va dejando su visión, cenizas en mi corazón”.
• Tal vez será su voz (Lucio Demare) “¿Quién pena en el violín? ¿Qué voz sentimental cansada de sufrir se ha puesto a sollozar así? Tal vez será el rumor de aquella que una vez de pronto se durmió. ¡Tal vez será su voz, tal vez! Su voz no puede ser, su voz ya se apagó”.
• Visión (Jaime de los Hoyos) “Si viera, viejita, que sueño he tenido, soñé que volvía de nuevo al hogar... Más linda que antes, más buena que nunca, y al verme tan solo, se puso a llorar... Vestida de blanco, igual que una imagen, sus manos en ruego pidiendo perdón, de pronto acercose, juntito a mi cama y un beso en la frente, viejita, ¡me dio!...”.
Nació el 28 de septiembre de 1964 en una granja de Memphis, Tennessee (Estados
Unidos). Recibió una
gran influencia de Big Mama Thornton y Bessie Smith, de Muddy Waters, Sonny Boy
Williamson y Howlin' Wolf. Al
cumplir 18 años, decide marcharse junto al que después sería su esposo, Robert
"Pops" Taylor. Viajan a Chicago y trabajan limpiando casas de
familias, por las noches visitan los clubes de Blues, donde pudieron conocer a
los grandes intérpretes. En 1962 con la ayuda de Willie Dixon, consiguió un
contrato con la compañía musical Chess. Logra su primer éxito en 1965, con el
tema "Wang Dang Doodle", del que se vendieron millones de copias. En
1972 formó su propia banda, la "Blues Machine". Desde esa fecha grabó
6 álbumes para este sello. Le concedieron 14 veces el premio W.C. Handy Award,
el premio que se entrega a músicos del blues. En 1984 ganó el Grammy. En 1993
el alcalde de Chicago le entregó el premio de la "Leyenda del Año".
• Cámaras compactas para destacar Tras lo bien que nos lo pasamos realizando y comentando en el especial de portátiles para destacar, hacemos lo mismo pero con las cámaras compactas. Ya vimos una guía de compras, pero lo que hoy os proponemos son cámaras que destacan sobre todo en un aspecto. Si ese es el que buscas, ni te lo pienses.
Todas las cámaras que hemos seleccionado son casos particulares dentro de un mercado muy saturado, con cientos de modelos algunos de los cuales solo cambian en un megapíxel o ni eso. Lo que sí que debemos tener en cuenta es que no son modelos que sean económicos, sino que en algunos casos superan los 300 euros, barrera psicológica a la hora de comprar una cámara compacta o pasar a algo más. ¿Pero las aprovecharemos?
Entre las cámaras que hemos escogido están:
Sony T2, por su
apuesta por la memoria interna de 4 GB, la pantalla táctil y lo divertido de la
detección de sonrisas.
Es quizás la que más nos ha impresionado de las cámaras compactas presentadas este año. Se vuelve un poco a la memoria interna como parte importante de la cámara, lo que unido a la pantalla de 2.7 pulgadas y táctil la convierten también en un álbum de fotos digital portátil. A cambio ha engordado un poco y nos sale por unos 300 euros. Es por cierto una cámara de 8 megapíxeles con zoom óptico de 3 aumentos.
Panasonic Lumix LX2EGM, por su gran angular. Efectivamente el ángular de 28 mm es el signo diferencial de esta cámara de Panasonic, que cuenta también con la óptica Leica, una garantía siempre. La Lumix LX2 cuenta con sensor de 10 megapíxeles que puede tomar fotos en formato 16:9, zoom óptico de 4 aumentos y estabilización Mega OIS. Si te ha gustado, a nosotros nos encanta, te costará unos 350 euros.
Olympus serie Mju, por ser resistentes a los golpes, el agua e incluso la congelación. Es una de las mejores cámaras que podemos comprar si solemos llevar la cámara de fotos hasta en las excursiones más duras. Tiene sensor de 7.1 megapíxeles, carcasa metálica disponible en tres colores, zoom óptico de 3 aumentos de recorrido interno y recubrimiento del objetivo repelente al agua y pantalla de 2.5 pulgadas HyperCrystal cuatro veces más luminosa que las pantallas convencionales. Sale también por unos 300 euros.
Exilim Z77, por su
modo Youtube e Ebay. Esta cámara de Casio la hemos escogido en primer lugar por
su diseño delgado y en segundo lugar por disponer de un modo Youtube que puede
imponerse en otras compactas. Al fin y al cabo cada día se usan más las cámaras
de fotos para grabar vídeo que luego subiremos a Internet. Le falta, como ya
dijimos, conectividad WiFi. Su precio, también rondando los 300 euros.
Ricoh Caplio 500 SE, con GPS, WiFi y Bluetooth. Un poco más extraña que las demás y destinada además a profesionales más que a consumidores tradicionales, con esta cámara hemos querido reflejar la tendencia que seguirán las cámaras del futuro: conectividad sin cables, conexión a Internet y sistema de posicionamiento automático de las fotos.
No me cansaré de decir que en España, con la cantidad de horas al año
que tenemos de sol, la energía solar debería ser una obligación mucho más
estricta. Esta mesa que os traemos hoy es un buen ejemplo. Se trata de un
mueble diseñado por Devang A. Shah y Michael Low y que forma parte de un
proyecto del Brooklyn-based Sudia Design Labs. La mesa está pensado para usarse
en el exterior, donde gracias a sus placas solares en la superficie de la misma
y a que es resistente a la lluvia, con el sol se recargan sus baterías y
posteriormente es una energía que podemos usar en casa para recargar por
ejemplo los gadgets. Cuenta para ello con su propio enchufe donde conectar los
equipos y hacer un uso de energía más limpia, además de no tener la necesidad
de disponer de un enchufe cerca. Una vez cargada (tarda tres horas), nos
proporciona por ejemplo autonomía para precisamente tres horas manejando un
portátil o dos si se trata de un televisor. A nosotros nos ha parecido una
buena idea, eso sí, cara cuando salga al mercado. Lo hará en marzo de 2008 por
3.600 dólares.
No es la primera vez que Motorola saca un móvil personalizado de
Ferrari, lo hizo con el RAZRmaxx v6 y ahora lo hace con el RIZR Z8, que vendrá
con los colores y añadidos de la marca del caballo. El Motorola Z8 Ferrari
Limited Edition incluirá, además, un par de vídeos de Ferrari, fondos de
pantalla de esa marca, tonos de llamada y enlaces a revistas online sobre el
mundo del motor. Por último, también incluye la película El caso Bourne. Se
pondrá a la venta a partir del primer trimestre del próximo año.
Bajo el nombre de "Royal Channel", acogerá videos de la
monarca, como el mensaje de Navidad. El "boom" de YouTube está
llegando hasta lo más alto. La última incorporación a sus filas ha sido la
Reina Isabel II, que, a sus 81 años, acaba de inaugurar su propio canal,
"Royal Channel". Isabel II utilizará el famoso sitio web de
intercambio de vídeos para emitir su tradicional mensaje de Navidad televisado,
además de otros vídeos de archivo, como su primer discurso de Navidad a la
nación y sus colonias que data del 25 de diciembre de 1957. Otros miembros de
la realeza británica se irán sumando a este archivo y, según el Palacio de
Buckingham, la idea es ir colgando nuevos clips con regularidad. "La reina
siempre se mantiene al día con las nuevas formas de comunicarse con la
gente", informó el Palacio de Buckingham en un comunicado, en el que
recordaba que el mensaje de Navidad del año pasado ya fue emitido por podcast.
"Ella siempre se ha preocupado por llegar a más gente y adaptar la
comunicación. Esto hará el mensaje de Navidad más accesible a la gente joven y
a aquellos que están en otros países", según añade el comunicado.
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| Mily Clément |
El Salegy
es la música de baile Pop más conocida y más extensamente exportada de
Madagascar. Su origen debe remontarse por lo menos al siglo XV, a principios de
la llegada de la población europea. El ritmo surgió primero en el sudeste de la
isla con los primeros ocupantes para luego desplazarse con ellos hacia el
sudoeste y más tarde al norte a ciudades costeras como Majunga y Diego Soares.
En cada región tiene un nombre particular: Tuska al sur, Bassesa al centro y Salegy
en el norte, pero fundamentalmente se trata de lo mismo, con variantes
imperceptibles para los oídos de los extranjeros. El Salegy se convirtió en el
símbolo musical Malgache. Se caracteriza por una guitarra con sonido ambulante,
teclados, acordeón y una poderosa armonía vocal. El estilo se originó en canciones
tradicionales malgaches. En Madagascar la música está siempre presente, en
cualquier momento y en toda circunstancia: durante las fiestas familiares o
colectivas, los matrimonios, los bautismos y las comuniones, los bailes
populares, las ceremonias religiosas, las veladas mortuorias, las misas, el Joro
(ceremonia de invocación de los antepasados), el Tromba (ceremonia de
posesión), el Savatra
(circuncisión), etc.
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| Vaiavy Chila |
La palabra Salegy data de los años 60. Sería de origen
indonesio y designa a una música nueva y eléctrica. Un hecho que se destaca de
la música malgache es su gran unidad debido al mismo territorio, la misma
lengua, la religión y la cultura común, con el trasfondo malayo-polinesio y
africano que concierne a todos los rincones de la isla. Las aportaciones
diversas, primero de los árabes y luego los europeos, fueron absorbidas por la
cultura malgache. Las primeras grabaciones Salegy se hicieron en las décadas
del 50 y el 60. Existe también un género más tranquilo conocido como Malesa.
Desde los años 70 el sello Crazy Disco produjo gran cantidad de singles de
artistas como Jean Feddy, Abdallah, Tianjama y uno de los
máximos exponentes del estilo como lo es Jaojoboy. Como la economía y la
industria de la grabación disminuyeron en los años 80, hay pocos registros
Salegy de ese período, hasta que en los 90 las cosas mejoraron con la aparición
de músicos jóvenes como Lego, Gerard Tsapaloko, Mily
Clemente y Docteur JB.
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| Eusèbe Jaojoby |
Existen varias
centenas de instrumentos musicales en Madagascar. De acuerdo a las cuatro áreas
de origen se pueden clasificar como índicos, africanos, árabes o europeos y
también pueden clasificarse de acuerdo a las categorías musicales en
cordófonos, membranófonos, idiófonos y aerófonos. Como instrumentos de origen
índicos aparecen la Valiha
(especie de cítara fabricada con caña de bambú), Rondro, Kilangay,
Atranatrana,
etc. Los de origen africano son el Lokaga voatavo, Kaiamba, Tamboyo,
etc. Los provenientes de Arabia son el Anjomara, la Sodina (flauta
malgache tradicional), Kobosy (laúd), Kabiry (oboe), etc.
Mientras los originarios de Europa son el Korodoño (acordeón), el Faray
(sonajero de tubo cilíndrico que contienen granos de arroz que suenan al agitarse),
Langroma
(tambor militar), Gorodao (acordeón diatónico) e instrumentos modernos como
batería, guitarras eléctricas, teclados, bajos, instrumentos de viento, etc.
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| Anziza Salema |
También se utilizan instrumentos de origen incierto como la Farara (aerófono
hecho con tallos de arroz), Kiloloka (pito de bambú de pico
cerrado), Jejo bory y Marovany (cítaras). En cuanto al
canto trata de imitar a los pastores de bueyes que corren delante de los
rebaños; las guitarras copian la forma de tocar de los músicos de Valiha, los teclados
suenan como el acordeón tradicional y el bajo es calcado del sonido de cinco
gruesos tambores. En cuanto a la batería, reproduce el ambiente de una
muchedumbre malgache en un día de fiesta, con palmoteos, maracas y pies que
golpean en el suelo. Una de las principales técnicas de canto es el Ampijijy,
que se aproxima bastante al Rap. El renovador del Salegy y quien adoptó los
instrumentos occidentales modernos para la música fue Eusèbe Jaojoby, quien
grabó sus primeras canciones en la década del 70, dando lugar a una renovación
en la tradicional música malgache. Los nuevos cultores del Salegy han comenzado
a grabar sus discos en Francia recientemente, dejando atrás la época en que
sólo se conseguían grabaciones en vivo hechas en cassettes crujientes. A pesar
de la carencia de apoyo de la industria musical local, el Salegy no muestra
signos de extinción.
Una imagen de
Papa Noel fue crucificada, en una localidad de Washington, Estados Unidos, en
protesta por la utilización de ese símbolo navideño para incentivar el
consumismo e incrementar las ventas en los negocios. Art Conrad, un residente
de Bremerton, clavó una figura de Santa Claus a un crucifijo de 4,5 metros (15
pies) frente a su casa. Justificó su acción al considerar que la Navidad padece
de un exceso de comercialismo, y su protesta fue mucho más allá de simplemente
abstenerse de asistir a los centros comerciales o apagar su televisión. “Santa
ha sido pervertido en comparación con lo que era al principio. Ahora es la
persona que las corporaciones utilizan para hacer que compremos más cosas”,
dijo según el diario Kitsan Sun. Las tarjetas de Navidad de Conrad muestran una
fotografía de Santa Claus crucificado con el mensaje: “Santa murió por la MasterCard
de usted”. La exhibición es también una manera de Conrad de burlarse del temor
de las personas a decir lo que piensan. Dijo que la gente no suele expresar sus
verdaderos sentimientos porque teme lo que otras personas pudieran pensar de
ellos. Sus vecinos decidieron expresar sus sentimientos frente a la protesta de
Conrad. Algunos dijeron sentirse ofendidos y muchos simplemente se mostraron
curiosos. Jake Tally caminó frente a la casa el viernes y se rió entre dientes,
pero no pareció entender el mensaje. “Realmente no sé qué pensar. Sé que es
acerca de Dios, pero Santa no tiene nada que ver con ello”, indicó.
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