Denasiadas Noches 30 (FM Inolvidable)

 

 

 

 

Cerca de 40 bandas de Argentina, Estados Unidos, Francia, México, Panamá, Venezuela y Colombia participarán en la versión número 12 del Festival Rock al Parque Metropolitano Simón Bolívar, informó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá. El Festival Rock Al Parque, que llega a su edición número 12 en el año 2006, es el evento de asistencia gratuita más importante en el ambiente de la música joven en latinoamérica.

Con 400 mil personas en los tres días de su edición de décimo aniversario en 2004 y 210 mil en su edición 2005, con un promedio cercano a las 120 mil personas a lo largo de sus nueve años previos, el Festival ha reunido en su historia a lo mejor del talento rock colombiano a la par con las grandes figuras del ámbito latinoamericano y algunos exponentes de otras partes del mundo. Este festival, organizado por el Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá se desarrolla en el Parque Metropolitano Simón Bolívar de Bogotá, bajo un gran despliegue tecnológico, de logística y producción, que permita el desarrollo de un evento de asistencia gratuito que a lo largo de su historia ha demostrado ser un espacio de convivencia en el que miles de jóvenes comparten en paz y armonia intensas jornadas musicales. En lo musical, el festival ha tenido a lo largo de estos más de diez años la presencia de agrupaciones como Apocalyptica (Finlandia), Manu Chao (Francia), Suicidal Tendencies (Estados Unidos), VHS or BETA (Estados Unidos), Fobia (México), Resorte (México), Maldita Vecindad (México), Café Tacvba (México), Luis Alberto Spinetta (Argentina), Jaguares (México), Miranda (Argentina), Amigos Invisibles (Venezuela), King Chango (Venezuela), Ilya Kuryaki and the Valderramas (Argentina), Molotov (México), Los Tetas (Chile), Dracma (Chile), Robi Draco Rosa (Puerto Rico), A.N.I.M.A.L. (Argentina), Divididos (Argentina), Puya (Puerto Rico), Earth Crisis (Estados Unidos), Eminence (Brazil), Agresión (Holanda) y Desorden Público (Venezuela), entre otros, que se suman a una serie de agrupaciones nacionales que llegan al festival luego de un proc eso de convocatoria pública a la que siempre responden en promedio cerca de 250 agrupaciones y /o artistas Rock Al Parque se ha convertido en un proyecto destinado al incremento y fortalecimiento de las propuestas musicales del género rock gestadas en la ciudad, y al fomento de mecanismos de tolerancia y convivencia en sectores urbanos a través de la participación juvenil.

 

La noche del miércoles, en la estación de micros de Retiro, los sentimientos se mezclaban. Caras que reflejaban ansiedad, alegría o melancolía deambulaban por las plataformas, a la espera del colectivo que los transporte a Córdoba. A la mañana siguiente, en el corazón del país, el panorama era casi el mismo con el agregado de algunas lagañas y las expresiones de haber dormido mal. El jueves que recibió la primavera nucleó en la capital provincial tanto a los pibes que festejaban el día del estudiante, como a los que habían llegado para ir a ver a Callejeros en el Chateau Carreras. Su regreso, 21 meses después de Cromañón, había tenido mil idas y venidas, y el recorrido que la banda tuvo que atravesar para tocar había sido más extenso que los casi 800 kilómetros que dividen Córdoba de su Villa Celina original. Entonces, en cuanto se confirmó el show -a pesar de los intentos de algunos grupos de familiares por impedir que se realice- las entradas se agotaron en 2 días y Callejeros tuvo su ansiado retorno a los escenarios en un concierto propio y no prestado. Así fue y El Bondi estuvo allí. A las 12 se abrieron las puertas del estadio. En un primer momento iban a ser 20.000 los espectadores que finalmente fueron 17.500 por disposición de José Palazzo, quien dirige Nueva Tribu, organización que se encargó de la operación retorno. Cuatro fueron las bandas que talonearon: Aukan, Santa Esquina, La 66 y la Coca Fernández. Estas últimas, que jugaron de local, son muy amigas de la banda y le impregnaron un fuerte espíritu de fiesta a la previa, mientras la gente no paraba de llenar el campo y las plateas, limitadas en su capacidad para esta fecha. Cinco horas más tarde, ni un minuto más, ni un minuto menos, y ante un agite comparable a las bandas de primera división, Callejeros salió al escenario. “Señales”, “El nudo”, “Cristal”, “No somos nadie” y “La llave” fueron los temas que sonaron para abrir. Recién entonces el Pato Fontanet dejó las estrofas y largó alguna frase que demuestre un atisbo de humanidad en ese cantar casi automático. “Muchas gracias por venir”, exclamó. Luego agregó “Alguien dijo que los padres que vinieron a querer suspender el show habían fracasado. Yo creo que la noche del 30 de diciembre de 2004 perdimos todos.” Y, como en todas las veces que habló, lo envolvió una ovación. Así, Callejeros, con su mezcla de rock barrial y reggae, y su esencia rioplatense, mantuvo el nivel de euforia que no bajó en ningún momento durante las 2 horas exactas de show. Ni siquiera cuando tocaron los temas no tan rocanroleros. En la pantalla, intercalado con mensajes del gobierno municipal y provincial, se leía: “A los invisibles, por siempre”, en referencia a los seguidores de la banda, víctimas del incendio de Cromañón. Tampoco el recuerdo se transformó en tristeza, que no tuvo lugar sino solamente en las lágrimas y los abrazos de algunos sobrevivientes y familiares que viajaron especialmente para presenciar la vuelta del grupo, luego del incendio en Once. El momento de agite más alto fue cuando el hit del verano ’05, “Una nueva noche fría”, sonó. En ese momento los saltos se apoderaron de los pies que llenaban el campo y las plateas de una manera tal que se movían hasta aquellos que no querían hacerlo. Así, Callejeros recorrió en la lista de 24 temas, todos sus discos. Y a media hora de terminar, se abrieron las vallas para que cientos de pibes se sumen al pogo. A la hora de los bises, luego de algunas intervenciones del cantante, en un punto en el que cualquier otro recital se va opacando, esta presentación iba levantando. Cada vez más. Cuando fue el receso, Callejeros se bajó del escenario, sus integrantes se dieron un abrazo infinito y volvieron al ruedo. En los últimos temas Fontanet quiso apurarse: “vamos, vamos que nos vamos”, dijo el cantante.  Se acercaban las 19 horas y el tiempo estimado para el espectáculo se agotaba.

 

 

 

'¡Calamaro Querido! (Cantando al Salmón)', es el disco que sale a la venta el 26 de septiembre y que aglutina a artistas como Joaquín Sabina, Julieta Venegas o El Canto del Loco para interpretar temas compuestos por el músico argentino Andrés Calamaro, como 'Sin documentos' o 'Flaca'. Algunos de los artistas más destacados de la música española, argentina y mexicana han confluido en el proyecto 'Calamaro Querido! (Cantando al Salmón)' de Sony BMG, un homenaje al cantante Andrés Calamaro que, tras casi treinta años de carrera, se ha consolidado una de las figuras más importantes y prolijas de la música latina. El disco se editará la próxima semana en dos formatos diferentes: un CD con versiones de dieciséis temas, como 'Te quiero igual' o 'Para no olvidar', y una edición especial en 'digipack' con nueve canciones más, en las que participan Fito Páez o Mancha de Rolando. Este homenaje repasa la carrera del cantante argentino, con algunos de sus éxitos con la agrupación Los Rodríguez, extinta en 1997, así como otros de su trayectoria como artista en solitario, que ha dado lugar a álbumes tan conocidos como 'Alta suciedad' u 'Honestidad brutal'. De la primera etapa, Julieta Venegas da aires de reggae a 'Sin documentos' y El Canto del Loco contagia de pop juvenil al tema 'Palabras más, palabras menos', mientras que de la segunda, Los Fabulosos Cadillac retoman 'La parte de adelante' y Joaquín Sabina canta la canción que escribió con Calamaro, 'Todavía una canción de amor'. Calamaro ha impreso en todas las fases de su carrera una personalidad que se mueve entre el rock, el pop y la música de autor y que lo ha llevado a ser considerado un letrista esencial en la canción en español. En su último lanzamiento discográfico, 'Tinta Roja', se acercó a un género tan argentino como el tango, demostrando una vez más su camaleónica personalidad artística, que, según Joaquín Sabina, posee "frescura, talento, desparpajo y un modo de empezar a ser madrileño sin dejar de ser argentino". 'Calamaro Querido! (Cantando al Salmón)' cuenta, además, con la participación de cantantes y grupos como Kevin Johansen, Fabiana Cantilo, León Gieco, Lito Nebbia, Muchachito Bombo Infierno y su propio hermano, Javier, que entrelaza la canción 'Los aviones' con el clásico 'Alfonsina y el mar'.

 

 

 

 

 

El director Oliver Stone es uno de los pocos cineastas contemporaneos que han demostrado que, en algunos casos aislados, el estilo puede prevalecer sobre la trama de una película. En legendarias cintas como "The Doors", "Natural Born Killers" y "JFK", este hábil cineasta empleó con febril entusiasmo todas las herramientas del arte cinematográfico para adornar historias repletas de amarga ironía, descabellada paranoia y sublime exceso. Incluso "Alexander", aunque fallida desde el punto de vista narrativo, luchaba por despertar emociones en el espectador por medio de épica grandiosidad. Por eso "Las Torres Gemelas" resulta un poco decepcionante, aunque sea por razones perfectamente comprensibles... obviamente Stone no trivializaría con adornos visuales un evento tan impactante y trágico como el ataque del I I de septiembre del 2001 sobre las Torres Gemelas del World Trade Center, en Nueva York... aunque quizás debió intentar algo más propositivo. Por eso me pregunto si Stone fue el director apropiado para contar esta historia. Independientemente de la opinión o política personal sobre ese evento, una cosa es indudable: mucha gente inocente sufrió, y sigue sufriendo, por causas totalmente ajenas a ellos. Sabiamente, Stone prefiere centrar la película en ese aspecto humano, y no en la mecánica misma del ataque o en sus más amarillistas aspectos. La trama adapta la historia real de dos policías, John McLoughlin (Nicolas Cage) y Will Jimeno (Michael Peña), quienes quedaron atrapados durante muchas horas bajo las ruinas de las Torres Gemelas. Simultáneamente vemos el drama que sufren sus familiares, particularmente sus esposas Donna (Maria Bello) y Allison (Maggie Gyllenhaal), quienes no sólo deben asimilar el ataque a los Estados Unidos, sino la incertidumbre de la situación de sus esposos.

Este enfoque narrativo se traduce en una película sincera y emotiva... pero tambien un poco aburrida. Supongo que no es razonable esperar entretenimiento de principio a fin en una película con temas dificiles y dolorosos, pero también hay que aceptar que Stone tiene, hasta cierto punto, la responsabilidad de añadir algún elemento adicional para justificar la existencia de la película como "docudrama". Después de todo, la misma historia se ha contado de forma eficiente y también emotiva en los incontables documentales que cada año se exhiben en televisión alrededor del aniversario de los hechos. ¿Entonces, qué nos ofrece Stone con su estilizada pseudo-realidad, que no podamos ver en los documentales de Discovery Channel y The History Channel? Francamente, muy poco. Además de algunas impresionantes escenas del derrumbe de las  Torres Gemelas, donde presenciamos desde su interior el caos y terror que experimentaron las víctimas, Stone limita su estructura al viejo estandar en las películas sobre desastres, dividiendo la atención entre las víctimas y sus familiares. Al menos las actuaciones son buenas. Sin embargo, la inclusión de actores reconocibles (con la excepción de Michael Peña) rompe irremediablemente la ilusión de realismo, destruyendo con ello gran parte del peso emocional de la historia. Stone debió seguir el ejemplo de Peter Greengrass, quien empleó actores desconocidos en "United 93" para preservar esa sensación cuasi-documental de realismo y cercanía a los  personajes.

No cabe duda, Nicolas Cage, Maria Bello y Maggie Gyllenhaal son intérpretes de gran rango y talento, pero quizás no fueron los más apropiados para encarnar estos papeles. La primera media hora de la película y sus últimos veinte minutos son tensos y fascinantes; pero durante su extensa parte media "Las Torres Gemelas" se vuelve repetitiva y difusa, al mismo tiempo que languidece su ritmo. Se han visto con mucho mayor interés los documentales que cuentan la misma historia, y aunque esta cinta de Oliver Stone está perfectamente dirigida y ejecutada, no parece que aporte mucho al tema. Seguramente que su intención de honrar a las víctimas y a los heroes de la tragedia fue sincera, pero no se puede evitar la sensación de que, a fin de cuentas, no es sino la acostumbrada explotación hollywoodense de un desastre. Quizás en 50 años (si sigue el mundo rodando), se hará una nueva versión, al estilo de "Titanic" donde no quede duda sobre esa mercantilista intención. Pero en el presente le daré a Stone el beneficio de la duda y recomendaré "Las Torres Gemelas" como una buena (aunque un poco cansada) obra cinematográfica. No obstante, para realmente conocer la historia real (o tan real como sea posible), creo que los documentales televisivos llevan la ventaja. Excepto si son sobre conspiraciones.

Título original: World Trade Center / Duración: 125 min. / País: EEUU / Dirección: Oliver Stone / Guion: Andrea Berloff. / Historia: John McLoughlin, Donna McLoughlin, William Jimeno, Allison Jimeno / Música: Craig Armstrong / Fotografía: Seamus McGarvey / Intérpretes: Nicolas Cage, Michael Peña, Maria Bello, Maggie Gyllenhaal, Jude Ciccolella, Stephen Dorff, Armando Riesco, Jay Hernandez, Michael Shannon, Donna Murphy, Nicholas Turturro, Jon Bernthal, Connor Paolo, Viola Davis, William Mapother

 

Nació el 12 de septiembre de 1961 en Pierre Fonds, Québec. Su verdadero nombre es Mylène Gautier, de padre francés y madre canadiense. Su padre era ingeniero de puentes y caminos y había ido a Canadá para la construcción de una represa. En 1969 finalizó su trabajo y regresó a Francia y se instaló con su familia en D Avray, en las afueras de París. Este cambio brutal provocó que Mylène se vuelva una niña introvertida y se encerró en un mutismo profundo. Su abuela la inició en paseos por cementerios lúgubres. El día que cumplió 18 años, una semana antes de comenzar el último año de la secundaria, decidió abandonar sus estudios y dedicarse a la carrera artística. Su vida profesional es bastante variada: trabajó de modelo, hizo publicidades y participó de programas televisivos. En 1985 en el programa "Chat Machine" presentó su canción ya célebre "Chat Alors". En 1984 conoció a Laurent Boutonnat, quién buscaba desde hacía tiempo una intérprete femenina para interpretar una canción de Jêrome Dahan. Mylène la cantó e inmediatamente fue un éxito la canción "Mamam a tort". Fue el debút de una larga carrera para Mylène que eligió su apellido artístico en homenaje a su actriz favorita norteamericana: Frances Farmer. "Cendre de lune" aparecido en 1986, mostró cual era su estilo musical. En el 88 el álbum "Ainsi sois je" fue un testimonio del universo farmeriano: la ambigüedad sexual, ideas oscuras, la muerte. Luego siguió la gira por Francia llamada "Tour 89" que no decepcionó al público ya que era un verdadero show a la americana. Después de dos años de preparación llegó su tercer disco "L 'autre", que marcó un cambio en su carrera, la bella pelirroja dejó de lado su look andrógino. En 1992 apareció "Dances remixes" con las mejores canciones remasterizadas. En el 94 participó en la película "Giorgino" que no tuvo demasiado suceso de público por lo que retomó su carrera musical presentando en el 95 "Anamar phosèe" que era mas rockero,. En el 99 editó "Innamoramiento" y en el 2000 "Les mots" que fue el disco más vendido ese año en Francia. Reapareció recién en el 2005 con "Avant que I 'ombre" que significó el acontecimiento musical del año a pesar de ser un trabajo diferente, menos sombrío, más íntimo y lejos de los sonidos americanos que acompañaban su voz suave y frágil

Uno, mamá se equivocó

Dos, es bonito el amor

Tres, la enfermera llora

Cuatro, yo la amo

Cinco, estoy en mi derecho

Seis, de tocar todo

Siete, no me detengo allí

Ocho, me divierto.

Uno, aunque mi madre diga

Dos, me olvidará

Tres, los ojos mojados

Cuatro, estoy mal

Cinco, digo lo que quiero

Seis, soy infeliz

Siete, no pienso a menudo

¿Ocho, y usted?

Me gusta lo que me prohíben

Los placeres indecentes

Me gusta cuando ella me sonríe

Amo a la enfermera, mamá

Uno, estoy muy serena

Dos, e hice bien

Tres, de hablarles de esto

Cuatro, me divierto

Cinco, aunque mamá diga

Seis, ella era bella

Siete, esa enfermera

Ocho, la amo

Uno, la enfermera canta

Dos, eso me provoca cosas

Tres, como la alondra

Cuatro, tengo miedo

Cinco, es dura la vida

Seis, por una sonrisa

Siete, lloro por las noches

¿Ocho, y usted?

Uno, mamá se equivocó

Dos, es bonito el amor

Tres, la enfermera llora

Cuatro, la amo

Cinco, mamá se equivocó

Seis, es bonito el amor

Siete, en el hospital

Ocho, estoy mal

 

 

 

 

 

 

Corrían los días del año 1898. Ernesto Ponzio, al que llamaron El Pibe, era precisamente un pibe, no había traspuesto aun la frontera final de sus trece años. Pero ya andaba, violín en mano, tocando y pasando el platito donde podía: en los tranvías —complicidad de los mayorales mediante—, en las cantinas o en cualquier baile que se le pusiera a tiro. PonzioFue en uno de estos últimos sitios donde nació su tango más célebre. No obstante, la tradición oral ofrece dos diferentes versiones de dicho alumbramiento. En 1935, Asdrúbal Noble refería que cierta noche un pianista, llamado El Negro Sergio, estaba improvisando unas notas en el piano, en lo de Mamita (apodo de la dueña del local: Concepción Amaya), cuando Ponzio se le acercó y le preguntó: «No seguís?». Y ante la negativa del músico, se sentó él mismo al piano y continuó la melodía. «Había nacido Don Juan», señalaba Noble. Sin embargo, el tiempo acostumbra mezclar la realidad con la leyenda. Y ya no sabemos si las cosas ocurrieron como narraba Noble o como nos lo contaba, hace más de una década, el veterano violinista Francisco Mastrazzi. Según este intérprete, un hermano suyo —también músico y bastante mayor que él—, aseguraba haber estado presente cuando Ponzio tomó aquellas notas, no a un pianista, sino a un guitarrista. Podemos optar por la versión que más nos convenza. Lo cierto es que Ponzio utilizó un aire anónimo para su popularísima composición. Ese mismo tema melódico ya figuraba en “Qué polvo con tanto viento”, un tango muy antiguo del guitarrista Pedro Quijano y que venía tocándose desde 1890, aproximadamente.

Luego reaparecería también en el compás inicial de “Soy tremendo”, de Ángel Villoldo, en la tercera de “Felicia” de Enrique Saborido, en la segunda de “El periodista” de Augusto Berto, en la primera de “El curioso” de Prudencio Aragón y en la misma de “El rana”, de Arturo Mathon. ¿Y por qué “Don Juan”? En primer lugar, aclaremos que Ponzio —según se dice— lo tituló inicialmente “El panzudo”, en homenaje al obeso dueño de un boliche que frecuentaba. El nombre definitivo surgió cuando el autor conoció a un tal Juan Cabello, un hombre de la noche de Buenos Aires, el mismo de la letra que escribió Ricardo Podestá: Yo vivo por San Cristóbal / Me llaman Don Juan Cabello....  Algunos creen que El Pibe habría trabado amistad con Cabello en El Tambito, otros prefieren que el encuentro fue en lo de Hansen. Lo cierto es que la popularidad del tango fue, precisamente, en este último lugar, allá por 1900. En 1912, Alfredo Eusebio Gobbi le escribió una nueva letra, que grabó para el sello Columbia con el título trocado en “Mozos guapos” —“Don Juan (Mozos guapos)”—. Y aún se ha dicho que existe un tercer texto —lo desconocemos— de Francisco Bianco. Es el primer tango grabado en un disco por una orquesta, la de Vicente Greco. También, se lo escucha en la película sonora inaugural del cine argentino: Tango, bajo la codirección musical de su autor y de Juan Carlos Bazán. Alberto Gómez, Charlo, Sofía Bozán son tres de los intérpretes de la letra inicial de Podestá. Pero, aunque cantado, “Don Juan (El taita del barrio)” ha perdurado instrumentalmente como uno de los grandes clásicos del género. 

 

 

 

 

 

 

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Google presentó hoy la versión en español de su herramienta gratuita de calendario, que permitirá a los usuarios organizar y gestionar su agenda personal, informó hoy la empresa tecnológica en un comunicado. El servicio, al que se puede acceder en la dirección de Internet 'www.google.com/calendar', permite establecer recordatorios automáticos que se envían al correo electrónico del usuario, así como compartir la agenda con familiares y amigos. La aplicación Google Calendar ya está disponible en alemán, chino, coreano, danés, finlandés, francés, holandés, inglés, italiano, japonés, noruego, polaco, portugués, ruso y sueco.

 

 

 

 

Asus presenta otro de esos terminales todo en uno, en el que combina las funciones de una PDA, de un teléfono móvil y de un navegador GPS. El Asus P535 es un teléfono tribanda GSM y GPRS que, además puede conectarse mediante Bluetooth 2.0 y WiFi. En la parte GPS viene equipado con un chip SiRFStar III y el software de navegación Destinator 6, mientras que el sistema operativo que controla todo el terminal es Windows Mobile 5. Corriendo bajo un procesador Intel XScale a 520 MHz y con una pantalla de 2.8 pulgadas con 320 x 240 píxeles de resolución, en esta ocasión no se incluye teclado, tal como pasa en la mayoría de PDAs. Con lo que si que viene equipado es con una cámara de fotos de 2 megapíxeles y un lector de tarjetas miniSD. Se pone a la venta en diciembre por 599 euros.

 

 

Con un diseño sencillo por fuera se presenta el Nokia 6288, el nuevo slider de la compañía finlandesa con soporte para 3G. Enfocado al uso del vídeo, tanto para grabación como para videollamadas. Para ello dispone de dos cámaras, una con 2 megapíxeles de resolución en la parte trasera y otra con resolución VGA para las conversaciones de vídeo. Para facilitar la grabación y la toma de fotos se incluyen botones para activar la cámara y para el zoom. Su pantalla tiene una resolución de 320 x 240 píxeles, con buenas capacidades para la reproducción de vídeo. Conexión Bluetooth y una tarjeta de memoria de 512 MB completan las características de este teléfono. Cuando se ponga a la venta, que será en breve, tendrá un precio de 325 euros libre, aunque probablemente lo encontremos más barato subvencionado por alguna operadora.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

The Cure

Conceptualmente el Rock Gótico debe ser uno de los movimientos más ricos que se hayan generado dentro de la música. También uno de los más populares, con seguidores fieles, quienes visten de negro y que hacen de la noche su mejor aliada. El color negro aporta el significado de tinieblas, muerte y emociones prohibidas. El vampirismo y el sexo son elementos que se convirtieron en una alegoría de este movimiento. El gótico comenzó como una broma de adolescentes obsesionados por la oscuridad y la muerte, para convertirse en una nueva cultura con base en la Inglaterra Post-Punk. Se originó en Inglaterra cuando algunos grupos británicos le imprimieron al Punk un componente más emocional y se difundió en Alemania, Rumania y Checoslovaquia. El movimiento musical Gótico tuvo sus orígenes a finales de los 70 con la agonía del Punk y la combinación de este género a una creciente corriente oscura. Los grupos góticos pioneros muchas veces no tenían las mismas influencias musicales entre sí, pero si el mismo denominador común, esa herencia Punk de la decadencia con un marcado ritmo de bajo triste, oscuro, coronado por unas letras intimistas, introvertidas, sobre amores perdidos, inocencias perdidas y desalientos vividos. Eran grupos como The Cure, Siouxie and the Banshees, Bauhaus, Joy División o Sex Gang Children entre otros.

Siouxsie and the Banshees

De la misma forma que cualquier tema Punk no puede exceder los tres minutos si quiere seguir siendo Punk, este movimiento no podía seguir intacto sino unos cuantos años, y a finales de los 70 había un nuevo sonido rondando la escena londinense, denominado vagamente Post-Punk, el cual conservaba la estructura Punk pero abandonando la anarquía de panfleto a favor de una lírica introspectiva cercana a la de Lou Reed y Bowie. Poco después, varios miembros de las bandas Post-Punk decidieron darle un nombre al nuevo movimiento: el manager de "Joy División" dijo en una entrevista en septiembre de 1979 que el sonido de la banda de lan Curtiss era "gótico". Cuenta el mito que una noche Peter Murphy, líder de Bauhus salió al escenario vestido de Drácula para interpretar el tema Bela Lugosi's Death, lo que motivó a muchos a vestirse vampirescamente como forma de identificarse con el gótico, un estereotipo de imagen que se consolidó al crearse antros como el legendario Batcave londinense. Los instrumentos utilizados por este tipo de música son tanto acústicos como electrónicos, pero lo fundamental son las letras y la atmósfera de mucho sentimiento. En muchos casos se retoman cantos antiguos y creencias de la Europa de entre los años 800 y fin del período medieval. El gótico es un estilo de música que está ligado en cierto modo personal y onírico al culto y la necrofilia, pero no como una parafilia, donde lo que les interesa es la muerte, el dolor, la soledad, los sentimientos en general. Algunos góticos creen en la eternidad, por lo que el término vampiro es lo mejor para describirlos.

 

 

 

 

Bauhaus

A grandes rasgos, y con algunas pequeñas variantes, se reconocen tres momentos en la historia del Rock Gótico. Primer Gótico, que va de 1979 a 1985. Se trata de la vieja escuela, gente que pensaba tener una banda Punk o New Wave y que de pronto se encontró dentro de una nueva categoría, lo cual no les incomodó mucho que digamos. Aquí caben Joy División, Siouxsie and the Banshees, Southern Death Cult, The Cure, UK Decay y Bauhaus Todas estas bandas tienen en común haber surgido del Punk. Existen fotos de Siouxie Sioux en el "100 club" londinense en las que aparece tocando junto a Syd Vicious en la batería. 1982 fue el año en que el Gótico se transformó completamente en una subcultura, no precisamente por las bandas emergentes, sino porque se inauguró el club "Batcave" en Londres, un lugar con el propósito de reinventar el Glam Rock, con una mezcla de oscuridad y horror. Poco a poco se convirtió en el prototipo de un club gótico y entre 1982 y 1983, lugares como "Batcave" fueron viéndose más por toda Inglaterra. Dos de los temas más recordados de "Bauhaus" están ligados a David Bowie como lo son Ziggy Stardust (tomado del álbum de Bowie del mismo nombre) y Bela Lugosi's Death, interpretado por Peter Murphy en la película El ansia protagonizada por el mismo Bowie. A comienzos de los 80 el Gótico comenzó a expandirse fuera de Inglaterra y llegó a otros países como Alemania, Bélgica, Holanda y Australia. Segunda generación (de 1985 a 1995): esta etapa comenzó con el álbum debut de The sisters of Mercy, First and Last and always de 1985 que rompió con los rankings de popularidad en el Reino Unido. Aparecieron grupos para incorporarse a un fenómeno que ya tenía buen repertorio de lugares comunes en cuanto a imagen, temas y sonido. En 1980 se fundó el sello 4AD del que surgieron grupos como Dead Can Dance, Cocteau Twins y The Birthday Party entre otros. Varias revistas góticas aparecieron en ese tiempo como Propaganda, Permission y Carpe Noctem. Tercera generación: 1995 en adelante. Los tiempos en que las grandes bandas podían tener éxito en la radio, habían quedado atrás y ahora había que abrirse camino desde las disqueras independientes.

Sisters of Mercy

Paradójicamente este alejamiento de los medios masivos trajo el mayor auge que el movimiento ha tenido, emigrando definitivamente de las islas británicas, surgiendo nuevos subgéneros como el Metal Gótico del norte de Europa, Visual Rock en Japón, DarKwave, Dream Pop o Pop Etéreo, así como grupos que recuperan sonidos propios de la era medieval y renacentista. La masificación y comercialización del Rock Gótico es representada por la movida Góticos de mall en las que se destacan bandas como Type O Negative, The Rasmus y Evanescence entre varías. En 1999 ocurrió la masacre en la escuela Columbine. Los asesinos estaban relacionados con la escena gótica estadounidense por lo cual su popularidad comenzó a decaer. También surgieron ataques de organizaciones conservadoras como la iglesia lo que impidió que surjan nuevas bandas en EEUU ya que los espacios dedicados a las mismas fueron clausurados en el país de la libertad. En el nuevo milenio ha tomado peso el regreso a los sonidos originales de la primera generación con bandas como Bella Morte y Black Ice. Tal parece que a pesar de todo hay Gótico para rato. Es que los sentimientos, aunque tengan que ver con la tristeza, muerte y melancolía difícilmente pasarán de moda.

 

 

 

 

 

 

 

 

Una mujer estadounidense se quejó ante las autoridades de una escuela porque amonestaron a su hijo de seis años por llevar una pistola de agua de 5 centímetros de largo. Danielle Womack se indignó cuando, desde la primaria Milton Moore de Kansas, EE.UU., le notificaron la suspensión durante 10 días de su hijo Tawann Caskey, por cometer una ofensa Clase IV al código de conducta, considerada la más grave y que establece un castigo automático sin excepciones. Womack afirmó que "cree que esto podría haberse resuelto de otro modo, pues tiene 6 años. No podría lastimar a nadie" con esa pistola lanza-agua. Por su parte, el Distrito Escolar de Kansas declaró que lamenta lo sucedido, pero que luego de esto, "el muchachito no volverá a llevar un arma de juguete a la escuela" y los padres verificarán qué llevan sus hijos en los bolsillos.