Demasiadas Noches 44 (FM Inolvidable)

 

Rod Stewart reúne todas sus canciones de amor en el disco 'If we fall in love tonight', que saldrá al mercado el próximo 30 de enero, según informa Warner en un comunicado. Este trabajo recoge todas las baladas de Stewart, en total, 16 temas, con clásicos como 'Have I told you lately (that I love you)', 'First cut is the deepest', 'Tonight's the night', 'Forever young', 'Sailing', la versión de Tom Waits 'Downtown train' o 'All for love', que grabó con Bryan Adams y Sting para la banda sonora de la película 'Los tres mosqueteros'. Rod Stewart ha vendido hasta la fecha más de 100 millones de discos en todo el mundo. Tras triunfar con 'The faces' en los años 60, se lanzó en solitario alcanzando un enorme éxito en Estados Unidos y Europa.

Un manuscrito del fallecido Beatle George Harrison con la letra de su canción “While My Guitar Gently Weeps” fue vendido en 300.000 dólares en una subasta de objetos de famosos del rock and roll en Estados Unidos. La subasta efectuada esta noche incluyó artículos de famosos, entre ellos algunos que pertenecieron a los miembros de The Who, Jimi Hendrix, The Rolling Stones y Led Zeppelin, todos autenticados por el Salón de la Fama del Rock N Roll en Cleveland, Ohio (norte). Los objetos de los Beatles consiguieron los mayores precios en esta subasta en Scottsdale, Arizona (suroeste): la casaca de una banda militar de John Lennon, con la cual se fotografió centenares de veces, se vendió en 350 000 dólares. Una acuarela de un pájaro firmada por Lennon, que el músico pintó cuando tenía 11 años, fue vendida en 52 500 dólares; una portada de un raro álbum firmado por los “Fabulosos Cuatro” en 1963 fue adjudicada en 25 000 dólares; y un conjunto de cuatro trajes negros y grises que los Beatles usaron en 1964 se remató en 30 000 dólares. Incluso una sencilla lista de compras escrita por Lennon, pidiendo bombillas de luz, repollo, yogur y hamburguesas para sus gatos se vendió en 1.400 dólares. El manuscrito de Harrison, vendido a un comprador anónimo, es significativo porque revela los sentimientos del Beatle sobre el conflicto dentro de la banda durante la temporada de grabaciones, dijeron los expertos. Al final de la página Harrison escribió: “El líder de la banda dijo que no tocaría más”, refiriéndose a la complicada atmósfera en el estudio.

 

 

 

La música de los videojuegos tiene su máxima expresión en Video Games Live, un espectáculo con orquesta sinfónica, pantallas gigantes y un público vestido como sus héroes favoritos. Joe Tallarico, un compositor musical especializado en videojuegos, se inventó en 2005 el espectáculo Video Games Live, que se estrenó en el Hollywood Bowl de Los Ángeles con la filarmónica de la ciudad. Desde entonces va haciendo bolos por el mundo. El pasado noviembre el espectáculo llegó al Hammersmith Apollo de Londres, con todas las localidades vendidas. Allí se interpretó la música de los juegos Metal Gear Solid, Final Fantasy, Sonic, Supermario, Myst y Halo, entre otros. Compositores en el escenario y un público disfrazado de personajes de los juegos contribuían a dar más relieve al espectáculo, que tenía por centro la música de los videojuegos, cada día tomada más en serio. Si en este campo hay un compositor reconocido internacionalmente éste es Nobuo Uematsu, responsable de las bandas sonoras de la saga Final Fantasy. Ha editado 14 discos, todos con temas de videojuegos. Su tema Eyes on me de Final Fantasy VIII, del que se vendieron 400.000 copias de la banda sonora, ganó el premio a la mejor canción de 1999 en Japón. Koji Kondo, alabado por los seguidores de Nintendo, es el responsable de la peculiar música de Super Mario y de las últimas entregas de Zelda. A diferencia de Uematsu, quien se formó como músico dentro del entretenimiento electrónico, Kondo fue uno de los primeros compositores profesionales al que se le encargó una banda sonora para un videojuego. En occidente, Jeremy Soul es uno de los artistas más productivos. Empezó con Secret of Evermore en 1994, pero su fama llegó con Total Anihilation, Unreal 2, Icewind Dale.

Recientemente se ha ocupado de la orquestación de Oblivion, premiada por la MTV como mejor banda sonora. Jesper Kid es, sin duda, el creativo de moda. Ganador de un premio Bafta, premios de la academia británica, en 2005 por la partitura de Hitman: Contracts, es también autor de las bandas sonoras de Splinter Cell: Chaos Theory, Messiah, Minority Report y MDK 2, entre otras. Recientemente la obra de Tom Salta, autor de la música de Tom Clancy's Ghost Recon Advanced Warfighter y del futuro juego para Wii de Nintendo RedSteel, ha recibido algunas de las mejores críticas por la fuerza de sus composiciones militares. En España, Óscar Araujo, director musical del juego Blade: The Edge of Darkness, desarrollado por la desaparecida Rebel Act Studios, se labró suficiente reconocimiento como para iniciar después una andadura con documentales para Discovery Channel y participar en temas musicales para los Juegos de Pekín.

Un incidente trágico en el que se ve involucrada una pareja estadounidense en Marruecos desencadena una serie de acontecimientos que afectan a cuatro familias en diferentes países. Armados con un Winchester, dos jóvenes marroquíes salen en busca del rebaño de cabras de la familia. En medio del silencio del desierto, deciden probar el rifle... pero el alcance de la bala es mucho mayor de lo que esperaban. En un instante, las vidas de cuatro grupo de extraños en tres continentes colisionan. Una pareja de turistas estadounidenses, una adolescente japonesa sorda y rebelde con su padre sobre el cual pesa una orden de busca y captura, y una niñera mexicana que se lleva sin permiso a dos niños estadounidenses al otro lado de la frontera, se ven atrapados en la creciente ola de un accidente cuyas proporciones crecen sin que nadie pueda controlaras. Esos son los puntos de partida de cada historia, que Iñárritu nos va deshojando poco a poco hasta un desenlace extraordinario donde todo cobra sentido, cinematográficamente hablando. Ninguno de ellos llegará a conocerse; a pesar de la inesperada conexión que les une, se quedarán aislados al ser incapaces de comunicarse con las personas que les rodean. Unidos por las circunstancias, separados por continentes, cultura e idioma, cada personaje descubre que la familia es lo único que ofrece consuelo. A pesar de las enormes distancias y de las culturas tan antagónicas que los separan, estos cuatro grupos de personas comparten un destino de aislamiento y dolor. Solo bastarán unos pocos días para que se encuentren totalmente perdidos, perdidos en el desierto, perdidos para el mundo, perdidos para sí mismos, mientras avanzan hacia el borde del abismo de la confusión y el miedo al tiempo que se hunden en las profundidades de las relaciones y del amor.

Basado en la premisa de la falta de entendimiento e incomunicación en el mundo en el que vivimos actualmente, Alejandro González Iñárritu mejor conocido como El negro, nos entrega la tercera parte de su trilogía consistente en la narrativa fragmentada unida con historias comunes. El guión nuevamente recae en la pluma de Guillermo Arriaga y el reparto es impresionante como en las anteriores ocasiones contando entre otros a Brad Pitt, Cate Blanchett, Adriana Barraza, Rinko Kikuchi y Gael García Bernal Gonzáles Iñárritu trata de ahondar en dramas humanos que conviven con ciertos paralelismos extraños en los que la felicidad y la infelicidad se vuelven uno solo en un mismo momento. Ciertamente en esta cinta, todo se vuelve un todo en el que podemos observar que, a pesar de nuestras múltiples diferencias, las semejanzas que nos unen son muchas más y aunque no son notorias a simple vista, ya en el entendimiento y bajo la lupa, somos tan iguales que la falta de costumbre hacia esa idea nos puede provocar un terror absoluto y una completa desilusión por sabernos diferentes cuando nunca lo hemos sido. La cinta está hablada en 4 idiomas diferentes y fue filmada en el mismo número de países, por lo que entendemos que nos hemos de encontrar ante una cinta de gran pretensión al mostrarnos verdaderamente un significado amplio donde se representan en estos tiempos de crisis llenos de falta de comunicación entre pueblos, un presagio que desata las más hondas alergias entre nosotros mismos.

A lo largo de casi dos horas y media, es imposible sentirnos identificados con los personajes –a pesar del guión-, pues nos suenan bastantes lejanos, irreconocibles para poder adecuarnos a su estilo de vida, a su modus vivendis. Al igual que en Amores perros (México-2000) y 21 gramos (21 grams, EUA-2003), Babel usa los mismos recursos narrativos de historias paralelas fragmentadas, revelando conexiones entre ellas y sus interacciones causales a partir de momentos genuinos de belleza de la imagen. Aunque se pueda hablar de irregularidad y banalidad, es cierto también que la resolución del filme es notable. Cierra las historias con tacto delicado, abusando, si acaso, de la estupenda banda sonora de Santaolalla. Para seguir la tradición, se cuentan varias historias (con un punto de conexión), como en "Amores Perros" y "21 Gramos", pero esta vez se cuentan de manera lineal, no al estilo "desordenado" de las dos anteriores. A pesar de ello, se entremezclan muy bien gracias al buen montaje. Es una película dura, que tiene momentos con mucha fuerza, pero huye de los efectismos. De las tres historias que componen "Babel", la mejor es la que se desarrolla en Japón, es la más humana y la más conmovedora. Es precisamente de esta historia el gran plano final que es la guinda de la película. Los actores están bien todos, aunque se podía esperar más de Brad Pitt y Cate Blanchett. La mejor interpretación de la película es la de la sorprendente Rinko Kikuchi (candidata a mejor actriz de reparto en los Globos de oro).Una gran película, muy compleja, muy humana... Puede que no llegue al nivel de "Amores Perros" y "21 Gramos", pero está muy muy cerca.

Dirección: Alejandro González Iñárritu. / País: EEUU / Año: 2006. / Duración: 143 min. / Género: Drama. / Intérpretes: Brad Pitt (Richard), Cate Blanchett (Susan), Gael García Bernal (Santiago), Elle Fanning (Debbie), Kôji Yakusho (Yasujiro), Rinko Kikuchi (Chieko), Adriana Barraza (Amelia), Said Tarchani (Ahmed), Boubker Ait El caid (Yussef) / Guión: Guillermo Arriaga; basado en un argumento de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu. / Producción: Alejandro González Iñárritu, Jon Kilik y Steve Golin. / Música: Gustavo Santaolalla.

Premios Festival de Cannes: Premio al Mejor director (Alejandro González Iñárritu)  Globos de oro Candidata a la mejor película dramática*Rindo Kikuchi mejor actriz de reparto*Adriana Barraza mejor actriz de reparto*Brad Pitt mejor actor de reparto*Alejandro González Iñárritu mejor director*Mejor banda sonora (Gustavo Santaolalla)*Mejor guión (Guillermo Arriaga)

 

Mélanie Cohl, pseudónimo artístico de Mélanie Picron (Tournai, 4 de enero de 1982), es una cantante belga, de lengua francesa. Aprendió a tocar el violín a la edad de cinco años, luego se inscribió en el Conservatorio de Tournai para tomar lecciones de teoría musical, violín, dicción y declamación. Comenzó su carrera de niña bajo el seudónimo de Kelly Logan y compitió en muchos concursos para hacerse notar. A los 10 años, la cantante participa en el programa de televisión de la RTBF Jeunes Solistes, categoría de canto. Luego ganó el programa Pour La Gloire (RTBF) en 1997 en la categoría “Juniors”. Durante la selección nacional para el Festival de la Canción de Eurovisión 1998, representó a Bélgica. En Birmingham, obtuvo el sexto lugar de los 25 participantes.  Luego lanzó un álbum llamado Mes Îles, escrito, compuesto y producido por su mentor, Philippe Swan.  Es contratada por los estudios de Disney para interpretar la banda sonora del largometraje Mulan. Who I Really Am es la adaptación francesa de Philippe Swan de la canción Reflection de Christina Aguilera. Se proyecta en cines de Francia, Bélgica y Holanda. El título alcanzó el 15 º lugar en el ranking de Bélgica francesa y el 77 º lugar en Francia. Mélanie Cohl se integra en Septiembre de 2002la compañía Les Demoiselles de Rochefort donde interpreta a Solange, uno de los papeles principales.

Los podré esperar

Nuestros encuentros más bonitos

Los pude entender

Tus locos sueños

Te escribiré cartas

Te llamaré cien veces

Podría asfixiarte

Para tenerte demasiado cerca de mí

Yo sabría amarte como se ama a un niño

Mientras permanecemos apegados a nuestra tierra,

Perdidos en el océano

Sabré ser bella y distante a veces

Sabés lo que querés de mi

Yo sabría amarte como si fuera un juego

Para quemar cada segundo de nuestras vidas,

Antes de que seamos viejos

Te podré contar los movimientos de mi corazón

Y mantenerte mío si quisiera irme

Sabré amarte más fuerte

Te amaré desde el fondo de mí

Por una historia pasada de moda

Donde nuestros dos corazones no engañan

Donde el amor se mantiene verdadero

Yo sabría amarte como se ama a un niño

Mientras permanecemos apegados a nuestra tierra,

Perdidos en el océano

Sabré amarte y aunque me equivoque

Si está mal si no es nada,

Mientras apretás los puños

Sabré amarte más fuerte

Yo sabré amarte

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tanghetto es una banda argentina liderada por Max Masri (sintetizadores y programación) y Diego S. Velázquez (guitarras) que fue formada en el año 2001. El nombre "Tanghetto" (la combinación de las palabras "tango" y "ghetto") está inspirado en las "pequeñas argentinas", comunidades de exiliados argentinos en el exterior. En los años 90s, Max Masri (uno de los últimos y más jóvenes discípulos del legendario compositor Virgilio Expósito) volvió a Buenos Aires después de haber vivido interesantes experiencias entre emigrados argentinos en Alemania. Trajo consigo una idea: crear un nuevo lenguaje musical. A fines de 1998 comenzó a trabajar con el compositor e instrumentista Diego S. Velázquez y entonces grabaron sus primeros tracks de "electrotango". En 2001 la idea fue revivida, con un sonido moderno, composiciones 100 % propias y un nombre; Tanghetto había nacido. La actual formación incluye además a Hugo Satorre (bandoneón), Matías Novelle (batería acústica y electrónica), Gabriel Clenar (piano) y Chao Xu (violoncello y el instrumento chino de cuerda frotada erhu). Historia reciente En diciembre de 2003 se edita el álbum debut, "Emigrante (electrotango)". Rápidamente se convirtió en un suceso de ventas, alcanzando los primeros puestos de importantes charts (#1 en Tower Records o Zivals). A principios de 2005 el álbum alcanzó la cifra de disco de oro. El álbum fue nominado para un Latin Grammy en la categoría "Mejor Album Instrumental", el 14 de julio de 2004. En 2004 el grupo intensificó su actividad en vivo. Algunos de los shows más importantes desde entonces: II Mundial de Tango, VII Festival Buenos Aires Tango (4.000 espectadores), Festival de la Avenida Corrientes (en el obelisco) frente a más de 15.000 personas, Teatro ND Ateneo (a sala llena), Club del Vino, etc. El año 2005 fue el año de los primeros conciertos europeos. El grupo emprendió una gira que lo llevo por Italia y Francia entre noviembre y diciembre. Los planes de shows para 2006 incluyen una gira por la costa Oeste de Estados Unidos y la segunda gira europea. El 10 de diciembre de 2004 los músicos de Tanghetto, editaron un proyecto paralelo bajo otro nombre: "Hybrid Tango". Este álbum lleva la fusión de tango y electronica mas allá de lo oído hasta el momento, agregando un sabor de world music, con toques de flamenco, ritmos latinos y jazz. Este disco fue recibido igualmente bien por la crítica y por los consumidores de música, compartiendo junto a "Emigrante" los charts de música alternativa. Varios de los tracks de "Hybrid Tango" forman hoy parte del repertorio en vivo del grupo. El 23/08/2005 este álbum también fue nominado a un Latin Grammy, esta vez en la categoría "Mejor Album de Tango", lo cual fue controversial en los ambientes más tradicionales. En febrero de 2005 el sello Constitution Music editó un complilado llamado "Tangophobia Vol. 1", que incluye, ademas de tracks de otros artistas, cinco temas inéditos de Tanghetto.  Entre marzo y septiembre Tanghetto, se dedicó, junto a algunos DJs, a realizar remixes house / trance / progressive de 12 de sus canciones. Junto a dos covers ("Enjoy the Silence" de Depeche Mode y "Blue Monday" de New Order), este material se editó con el nombre "Buenos Aires Remixed" en octubre. El tema “Blue Monday” fue incluído en la banda sonora de la co-producción México-EEUU “La Mujer de mi Hermano”, con libro del peruano Jaime Bayly. A raíz de esto la canción se convirtió en un hit alternativo en las radios de EEUU y se mantuvo durante varias semanas en el top 10 del chart “Latin Rock”.  

 

 

Dos décadas de tocar la armónica como un modo de vida Simon "Honeyboy" Hickling ahora se estableció como un virtuoso armoniquista de reputación internacional. Su técnica, refinada por los años de giras y grabaciones, combinada con una voz que con razón puede ser descrita como "auténtica", ha persuadido una base de admiradores cada vez más creciente. Denominado como el mejor armoniquista británico en 2000 en la revista de Cianotipo, créditos que incluyen la grabación con Steve Marrito, Bo Diddley, Paul Rodgers, y apariciones ocasionales con Thistlewaite's Blue Stars Mick Taylor. Las apariciones en el “Paul Jones Blues Show” y la “Radio 2 programmes”, y sus presentaciones en muchos de los Festivales de Blues más grandes de Europa han aumentado su número de admiradores.

 

 

 

 

 

Un satélite con objetivos educativos construido totalmente en la Argentina fue lanzado esta mañana a bordo de un cohete desde una base aeroespacial de la India. Se trata del satélite Pehuensat-1, construido a lo largo de 5 años por 17 docentes y 44 estudiantes de la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional del Comahue. El proyecto estuvo supervisado por el ingeniero aeroespacial argentino Pablo de León, quien trabaja para la NASA y estuvo en octubre último en la India para cumplir con las certificaciones del nuevo satélite. Hoy, De León siguió el lanzamiento desde sus oficinas en la Universidad de North Dakota, en los Estados Unidos, donde trabaja para la agencia espacial. El Pehuensat-1 fue lanzado a las 9.23 hora de India (1.53 de la madrugada argentina) a bordo del cohete Pollar Satellite Launch Vehicle (PSLV C7), desde la base de lanzamiento de Satish Dawan, en la costa este de ese país. Tras 20 minutos de viaje el Pehuensat-1 llegó a su órbita, donde permanecerá, según se esperanzan los técnicos, "durante varios años". De León destacó el trabajo de los profesores, estudiantes y egresados de la Universidad del Comahue por el "trabajo a pulmón" que hicieron para construir el satélite lanzado hoy. "Para nosotros ya esto es un éxito porque el satélite está en órbita segura", dijo De León a DyN, en comunicación telefónica, horas después del lanzamiento "Fueron miles de horas durante cinco años para construir este satélite que nos servirá para superarnos en la construcción futura de mejores y más grandes satélites", señaló. "Lo que yo hice fue llevar junto al ingeniero Juan Quiroga el satélite a la India, hacer todas las certificaciones necesarias para, entre otras cosas, asegurar que el Pehuensat-1 no interferirá a otros satélites ya en órbita", explicó. "El Pehuensat dará información para adquirir más experiencia ya que transmitirá los parámetros de temperatura, carga de paneles solares, tensión de voltaje en los paneles, y temperatura", enumeró. Los apenas 6 kilogramos de peso del satélite contrastan con la mole de más de 40 metros de altura que tiene el cohete PSLV c7 que llevó en 20 minutos a Pehuensat-1 a la órbita, a 640 kilómetros de altura. De León explicó que el satélite "tiene una estructura con caja de aluminio tipo espacial llamado duraluminio, paneles solares en una de las caras, la electrónica dentro, el transmisor, una computadora de abordo, dos paquetes de baterías que se recargan con energía solar y una antena encargada de transmitir a tierra los parámetros del satélite".

 

El teléfono móvil con conexión wi-fi, bluetooth y cámara de alta resolución está sonando. Su dueño espera una llamada importante, así que apaga la pantalla del televisor LCD para atenderla. Cuando acaba de hablar echa un vistazo al ordenador portátil, en el que carga la batería de un mp3 nano de ocho gigas. El de dos ya lo guarda en el baúl de los recuerdos tecnológicos. Navegando por internet mediante su PDA encuentra una noticia que le intriga: dentro de poco saldrá a la venta un nuevo modelo de móvil con el cual se podrá ver la televisión digital. Se pone nervioso, mira el móvil que compró hace sólo cuatro meses con desprecio y comienza a contar los días para adquirir el nuevo aparato. No es capaz de controlar ese impulso porque está enganchado a lo último, es adicto a la tecnología. No es un caso único. Un estudio de los psicólogos norteamericanos Larry Rosen y Michelle Weil - conocidos por haber publicado el libro Technostress en 1997- estima que hasta un 10% de los usuarios de tecnología serían adictos a ésta. La tecnología facilita la vida, pero un mal uso de ella tiene numerosos efectos negativos, como son las adicciones. La afición desmedida a las videoconsolas o a los chats son las más conocidas, aunque entre estos tecnoadictos están apareciendo otros cuya obsesión es adquirir los aparatos más modernos que salgan al mercado. Es un fenómeno todavía reciente y en España se cuentan pocos casos, "pero el problema comienza a despuntar", asegura Miguel Ángel Manzano, psicólogo de la clínica ISEP de Barcelona. No importa el dinero que cueste el artilugio ni que se haya comprado algo similar hace tan sólo unos meses, el objetivo es poseer los aparatos más avanzados. No todos los coleccionistas de tecnología tienen una disfunción. Para que el gusto por lo nuevo se llegue a considerar una adicción ha de desequilibrar algún aspecto de la vida de la persona, señala Jaume Almenara, profesor de Psicología Social de la Universitat de Barcelona (UB). "Cuando gasta más dinero de la cuenta o abandona sus relaciones sociales o laborales embebido en la tecnología, la persona tiene un problema, pero si se lo puede permitir y no interfiere de manera negativa en su vida no hay por qué preocuparse", dice el psicólogo. Los motivos que hay detrás de la adicción a las compras tecnológicas estarían relacionados con el ego y la confianza en uno mismo. "De manera constante - indica Almenara- nos dicen que el campo de las nuevas tecnologías es un terreno prácticamente infinito y que con ellas se consiguen logros de manera más efectiva. Para algunas personas poseer esta tecnología es como estar a la vanguardia de todo". Así, según este psicólogo, los continuos cambios en nuestra sociedad y la abundancia de información crean inseguridades. "En cambio, cuando lo dominamos todo, la tecnología por ejemplo, tenemos sentimiento de omnipotencia, aunque en realidad se trate de un poder ficticio", apunta Almenara. Miguel Ángel Manzano también ve en esta adicción una forma más de encontrar satisfacción de manera inmediata: "La tolerancia a la frustración es menor hoy, y cuando se compra se obtiene una recompensa rápida", opina. Esa satisfacción motiva para conseguir el siguiente aparato tecnológico y progresivamente se establece "un círculo de búsqueda de satisfacción y, por lo tanto, de más compras". La persona acaba aportando a este objetivo más tiempo, esfuerzo y recursos y poco a poco se convierte en un adicto que quiere su dosis de tecnología. El mayor peligro de la tecnoadicción es, a decir de los psicólogos, su consideración social. Nadie verá mal que alguien tenga una cámara de vídeo de última generación. Al contrario, "este tipo de comportamientos se premian, poseer tecnología avanzada es una manera de mostrar tu estatus, como ocurre con los coches", opina Manzano. A aquellos que no tienen el último modelo se les considera unos desfasados y de esta manera el adicto refuerza su conducta. El principal ejemplo de la fascinación por la tecnología está en los adolescentes. "Si no tienen un móvil con las últimas prestaciones se encuentran excluidos de su grupo, no se pueden pasar los mismos vídeos ni melodías que sus compañeros y obligan a sus padres a gastar dinero en exceso en estos teléfonos", asegura Manzano. Esta necesidad forzada de estar al día, según él, marcar el principio de una adicción a las compras tecnológicas.

 

 

Amira Medunjanin

Se conoce a Bosnia - Herzegovina solo por las terribles noticias sobre la limpieza étnica durante la guerra en la ex Yugoslavia, lo que eclipsó totalmente la tradición cultural muy rica y única de este país. Si bien es originario de Bosnia, también es muy popular en los países de la ex Yugoslavia como Serbia, Montenegro y Macedonia. Aunque se sabe confiablemente que el Sevdah se originó después de que los turcos invadieran Bosnia, no puede determinarse exactamente cuando ocurrió. Cuando el Sevdah fue introducido en Europa, se ejecutaba solo con un cantante acompañado por el saz, instrumento de cuerda de fácil ejecución, lo que le permitía al músico realizar improvisaciones. Este estilo de improvisación sigue siendo una característica importante en la forma del Sevdah actual. En un principio sólo se lo tocaba en las casas de familia musulmanas ricas. Luego se extendió desde esas casas privilegiadas para convertirse en una expresión de música popular que gustaba a todas las clases sociales.

Jadranka Stojaković

Al invadir Bosnia los musulmanes introdujeron las costumbres del islam y una amplia población bosnia aceptó esa religión. La ocupación otomana duró hasta 1848 pese a lo cual el Sevdah siguió evolucionando. Durante su evolución a través de los siglos, el Sevdah fue compuesto y cantado por muchachas y hombres jóvenes. La separación estricta entre hombres y mujeres impuesta por la ética del islam quedó reflejada en la forma de vida cotidiana de toda la población urbana. Las casas ricas tenían los cuartos masculinos y femeninos separados e incluso se construyeron patios separados para cada sexo. Los patios femeninos estaban rodeados de paredes altas o cercos de madera alrededor para proteger a las mujeres de las miradas de extraños. Una separación más moderada de las muchachas fue practicada en la mayoría de la población urbana estableciendo reglas para declaración del amor, en las que se establecía el lugar, la época y las circunstancias para la reunión de los amantes. En los días determinados para el flirteo los muchachos caminaban por las calles en grupos y las muchachas miraban hacia fuera con las puertas de los patios entreabiertas. Una de las maneras típicas de entenderse en este diálogo del amor era el sedvahlinka, que representó una forma única de comunicación entre la voz femenina que cantaba de un lado de la pared y la voz masculina que contestaba del otro lado.

 

Himzo Polovina

El significado de la palabra Sevdah proviene del turco y significa deseo vivo o éxtasis amoroso. A su vez tiene su origen en la expresión árabe sawda que abarca y especifica el término bilis negra, de las cuatro sustancias que circulan a través del organismo humano y que controla las emociones y las sensaciones, provocaba un humor irritable y melancólico. Precisamente la palabra melancolía proviene del griego melan-holos cuyo significado es bilis negra. Los árabes tomaron la idea de los humores de las enseñanzas del griego antiguo que decían que los cuatro humores eran la fuente de todas las emociones. También puede interpretarse el origen en la raíz árabe swd que significa negro, como Swdaan (tierra de negros). En el sentido musical el Sevdah se caracteriza por un tempo lento o moderado y una armonía rica que deja una sensación melancólica en el oyente.

 Silvana Armenulić

Las canciones de Sevdahlinka son muy elaboradas, cargadas emocionalmente y tradicionalmente se cantan con pasión y fervor. El cantante a menudo impone el tempo y el ritmo de la canción, que puede variar a través de la misma. Generalmente se canta con una sola voz masculina, aunque las voces femeninas no son infrecuentes. El Sevdah es tocado por una orquesta pequeña que contiene acordeón como instrumento más prominente, violín, guitarra de cuerdas de nylon, flauta o clarinete, contrabajo, percusión e instrumentos tradicionales como el saz. Entre los versos, casi siempre puede oírse un solo de acordeón o violín. Sus líricas son baladas, dedicadas generalmente a enamorarse o que hablan de un amor desafortunado. Los cantantes mas reconocidos son Zaim Imanovic, Hizmo Polovina, y Emina Zecaj. El Sevdah es además la base para un nuevo género surgido en el siglo XX y que se llamó Novokompovana Narodna Muzica que mezcla varias influencias folklóricas de los Balcanes, En los 90 se formó una banda llamada Mostar Sevdah Reunion quienes llevaron este género fuera de las fronteras de Bosnia, llegando a ser muy populares en el mundo entero. El Sevdah puede existir como melodía y como fenómeno musical, pero solo demuestra todo su esplendor cuando un cantante adecuado lo realiza.

El 'príncipe' Michael de Sealand ha decidido poner en venta su isla artificial frente a las costas inglesas, un falso principado con una breve y agitada historia, operaciones fraudulentas incluidas. La empresa española Inmonaranja se encarga del 'traspaso', que está sujeto a una oferta económica de 750 millones de euros, así como el compromiso de continuar con el proyecto de Sealand, según comentó Gabriel Medina, gerente de la inmobiliaria. El principado de Sealand emite sus propios pasaportes y sellos de correos y acuña su propia moneda. Tiene incluso una selección nacional de fútbol, entre otras características de un Estado independiente. No obstante, no cuenta con reconocimiento internacional. Además, no es un lugar muy cómodo para vivir pese a que ofrece excelentes vistas marinas ya que consiste en una plataforma de hormigón sobre dos pilares, parte de un fortín de la Segunda Guerra Mundial. Puede accederse a él sólo por helicóptero y barco y se encuentra a 11 kilómetros frente a la costa de Harwich, en el condado de Essex, sureste de Inglaterra. En septiembre de 1967, un ex mayor del Ejército británico llamado Roy Bates se estableció con su familia en tan inhóspito lugar, lo proclamó su propiedad y se adjudicó a sí mismo el título de príncipe. Un año después, la Marina de guerra británica trató de expulsarle aunque sin éxito. Un juez dictaminó que Sealand estaba más allá del límite de tres millas de las aguas territoriales del Reino Unido, por lo que escapaba al control del Gobierno de Londres. Siete años más tarde, el "príncipe" Roy introdujo en su país una constitución, ideó una bandera y un himno nacional e hizo acuñar dólares de oro y plata. Finalmente se concedieron pasaportes a las personas que demostraron haber apoyado los intereses de Sealand. Como señala 'The Times', la vida es hoy mucho más tranquila en Sealand, y el "príncipe" Michael, de 54 años, en quien abdicó su padre en 1999 debido a su mala salud, no muestra demasiado apego a su reino ya que pasa la mayor parte del tiempo en tierra firme. Su intención es vender la isla, como explica al periódico: "Hemos sido sus propietarios durante 40 años y mi padre tiene ya 85. Tal vez hace falta una cura de rejuvenecimiento". Sobre el precio que pide, Michael señala: "Se han mencionado cifras astronómicas, pero veremos que es finalmente lo que se nos ofrece".