Demasiadas Noches 7 (FM Identidad)

 

 

La ciencia ficción en el cine

El cine de ciencia ficción, es un género cinematográfico que utiliza representaciones especulativas basadas en la ciencia de fenómenos imaginarios como extraterrestres, planetas alienígenas y viajes en el tiempo, normalmente acompañados de elementos tecnológicos como naves espaciales futuristas, robots y otras tecnologías venideras.

El cine de ciencia ficción se ha utilizado en ocasiones para comentarios críticos de aspectos políticos o sociales, así como para la exploración de cuestiones filosóficas como la definición del ser humano y el surgimiento de una conciencia digital.

Este tipo de cine se originó con el cine mudo, cuando “El viaje a la Luna” (del 1902), de Georges Méliès, asombró a su audiencia con sus efectos fotográficos.

Desde la década de 1930 hasta la de 1950, el género consistía principalmente en películas de serie B de bajo presupuesto.

Tras el hito de Stanley Kubrick de “2001: Odisea del espacio” (del 1968,) el cine de ciencia ficción fue tomado más en serio y ganó adeptos paulatinamente.

A finales de la década de 1970, películas de alto presupuesto con grandiosos efectos especiales, se convirtieron en populares entre la audiencia.

Películas como “Star Wars” o “Encuentros cercanos del tercer tipo”, allanaron el camino para éxitos de ventas en las siguientes décadas: como “E.T.: El extraterrestre” (del 1982).

Pero empecemos desde el principio...

Las primeras películas de ciencia ficción aparecieron al comienzo de la época del cine mudo, generalmente como cortometrajes en blanco y negro. Esas películas solían tener una temática tecnológica, y a menudo intentaban ser humorísticas. En 1902, Georges Méliès estrenó “El viaje a la Luna”, una película que utilizaba trucos fotográficos para representar el viaje de una nave espacial a nuestro satélite. Varias películas fusionaban la ciencia ficción con el cine de terror, como “Frankenstein” (del 1910), y “Dr. Jekyll and Mr. Hyde” (del 1912). En 1916 se estrenó el largometraje “20.000 Leguas de viaje submarino”, basado en la novela de Julio Verne. Durante la década de 1920, los cineastas europeos utilizaron el cine de ciencia ficción para realizar predicciones y comentarios sociales. Ejemplos de ello son algunas películas alemanas como “Metrópolis” (1926) y “La mujer en la Luna” (de 1929).

 

 

En la década de 1930, con la invención del cine sonoro, las películas de ciencia ficción de Hollywood eran generalmente de serie B y de bajo coste (como los seriales basados en historietas de Buck Rogers y Flash Gordon).

El primer largometraje de un estudio estadounidense, fue “King Kong” (del 1933).

En el 1940, la película estadounidense “Dr. Cyclops”, fue una de las primeras películas de ciencia ficción en color.

Durante la década de 1950, la literatura de ciencia ficción y las revistas pulp se convirtieron en populares, en parte, debido al interés del público en el viaje espacial y las nuevas tecnologías.

Muchas de las películas de esa década, todavía continuaban siendo de serie B y de bajo presupuesto. Algunas películas examinaban la temática del viaje espacial, como “Destination Moon” (del 1950), y se también inducía a la idea de criaturas visitando la Tierra como en “La invasión de los ultracuerpos” (del 1956).

Una película que podemos destacar de esa época fue “El día que la Tierra se detuvo”, por mostrar la profundidad de la ciencia ficción y que contenía interesantes cuestiones morales.

También se comenzaron a utilizar efectos especiales, utilizando la animación stop-motion (como la que hizo Harryhausen en la película “La Tierra contra los platillos voladores”, en 1956).

 

 

En los años 1960, hubo relativamente pocas películas de ciencia ficción (pero algunas de esas películas, transformaron el género. Es el caso de 2001: Odisea del espacio”.

Stanley Kubrick trajo un nuevo realismo al género, con sus efectos visuales innovadores y un retrato realista del viaje espacial (además de su influencia al género, con su historia épica y sus aspectos filosóficos)

Otras películas destacables de la década, fueron ”Fahrenheit 451”, (del 1966), y ”El planeta de los simios”, (del 1968). También la extravagante “Barbarella” (del 1968), con una sensual Jane Fonda como protagonista, logró hacerse un hueco en los corazones de los amantes de la ciencia ficción más pícara.

Durante la década de los 70, y gracias a los viajes tripulados a la luna, resurgió el interés por el cine de ciencia ficción. Las películas de comienzos de la década, exploraron el tema de la paranoia, en el que se representaba a la humanidad bajo la amenaza ecológica o tecnológica de su propia creación. Lo vimos en títulos como “THX 1138”, “La naranja mecánica”, ”Naves misteriosas” y ”Almas de metal”.

En 1977 se estrenaron “Star Wars” y “Encuentros cercanos del tercer tipo”, que fueron grandes éxitos en taquilla (y trajeron un aumento importante de espectadores, a las películas de ciencia ficción).

En 1979, “Star Trek: La película”, trajo por primera vez, una serie de televisión al cine.

Las películas de Ridley Scott, como ”Alien” y “Blade Runner”, la película de Steven Spielberg, ”E.T.: El extraterrestre”, etc., convirtieron la ciencia ficción en una máquina de hacer dinero.

”The Terminator” (del 1984) y “Aliens”, el regreso (del 1986), encumbraban a un James Cameron, que eclosionaría con una Avatar (el 2009), que pulverizó récords.

A partir de aquí, quien más o quien menos conoce el resto de la historia.

 

 

 

 

 

 

 

Ya había escuchado (seguramente ustedes también), que “2001: Odisea del Espacio” era la mejor  película de ciencia ficción que se había hecho, por una u otra razón no la había visto, tal vez porque estaba impregnado en aquel entonces de una opinión equivocada de lo que era una película de ciencia ficción, o simplemente por flojera, el caso es que hace poco la vi y quede atónito por la película y no es para menos, ya que si de por sí Kubrick tenía fama de perfeccionista, ahora imagínense que el mismísimo visionario Arthur C. Clark escribiera la novela junto con él

El resultado es inmejorable.

Así que invito a la comunidad a que vea cine de ciencia ficción; pero buen cine ya que últimamente había sido degradado al punto que los efectos eran más importantes que la historia, (¿o no se acuerdan de Godzilla?) tendencia que ha cambiado gracias al lanzamiento de la trilogía de “El Señor de los Anillos” (película de la cual comentaré en otro artículo). Y no digo que darle mucha importancia a los efectos es malo, de hecho yo soy fanático de ver buenos efectos especiales a la pantalla. Pero opino de que los mismos efectos pueden convivir sin problemas con una buena historia sin que distraigan al espectador, como es el caso de “Amelíe”, que si bien no es enteramente de ciencia ficción, es una buena muestra de cómo los efectos armonizan con la historia narrada a manera de fábula.

Como toda buena película ”2001: Odisea del Espacio” cuenta con algunos datos curiosos, así que los pongo como un extra para que se animen a ver esta cinta.

Originalmente, la película se iba a desarrollar en el planeta Saturno, pero el equipo de efectos especiales no pudo realizar un planeta lo suficientemente convincente. Así que la acción se desarrolló en Júpiter.

En el guion original, había una "voz en off' narrando toda la película.

El guion y la novela fueron escritas simultáneamente. El primero a cargo de Kubrick; la segunda por C.Clark. Finalmente, ambos decidieron que la película saliera primero que el libro.

Si incrementamos alfabéticamente cada letra de HAL (la computadora de la película) el resultado es IBM, Clark declaró que este hecho no fue intencional, y que hubiera cambiado el nombre de la máquina de haberse percatado a tiempo.

Douglas Rain, quien interpretó la voz de HAL, nunca estuvo presente en la filmación.

El Oscar a Mejor maquillaje en 1968 se le dio a “El Planeta de los Simios”; sin embargo existe el rumor que los miembros de la academia no nominaron a “2001: Odisea del Espacio”, porque pensaron que en esta utilizaron monos reales, cosa que no es cierta.

La cinta originalmente se llamaba originalmente “Viaje más allá de las estrellas” (Journey Beyond the Stars) y duraba 160 minutos.

Debido a demanda popular el transbordador espacial de la NASA Discovery fue nombrado así por la película de 2001.

Para simular la locación de la luna, en la escenografía se utilizó toneladas de arena importada, la cual estaba lavada y pintada. Así fue como recrearon dicha superficie.

Esta cinta fue la última que trató sobre hombres y viajes a la luna, antes de que realmente la pisaran Armstrong y Aldrin. Recordemos que este hecho histórico sucedió en el año 1969 y el largometraje se estrenó en 1968. De hecho, hay varias teorías al respecto, en las que comentan que las imágenes reales no eran del todo reales, que se trataba de un hurto a la escenografía de Kubrick y que era todo ficticio.

La pequeña que se encuentra en escena, cuando habla con su padre por teléfono, es nada más ni nada menos que una de las hijas del cineasta (Vivienne Kubrick).

La primera media hora del filme no presenta diálogos, ya que sólo se pueden ver imágenes.

Los simios prehumanos, que se encuentran en la primera parte del largometraje, fueron interpretados por mimos profesionales. El responsable de los trajes y del maquillaje fue Stuart Freeborn, el mismo que hizo el trabajo de Yoda y Chewbacca para la primera trilogía de “Star Wars”.

Kubrick quería que fuera lo más científica y tecnológicamente precisa posible, así que, para llegar a la meta, comenzó a revisar todos los documentales de astronomía que pudo. También se codeó con asesores de la NASA para poder realizar las maquetas, los efectos especiales y las instalaciones.

En un principio, iba a llamarse Atenea. También, iba a tener una voz femenina, pero terminaron descartando la idea para que no se desvirtúe el mensaje y se convierta en algo sexual.

 

 

 

 

Florent Pagay nació el 6 de noviembre de 1961, hijo de una secretaria y de un carpintero. El empezó a cantar los temas de Louis Mariano y Michel Sardou a los 11 años.

Durante tres años estuvo en el conservatorio y en 1980 tuvo distintos trabajos, como por ejemplo barman en una disco y luego fue descubierto por M. Besnehart (Responsable del casting de la película "Diva" de Beineix) donde hizo de cartero.

Luego figuró en los films “Inspecteur la Bavure” y en la televisión haciendo sus primeros roles en "La Chaîne", "Le coucou", y " Jo et Milou". En 1987 grabó su primer disco "Boomerang' escrito para la película "Blessure", de Michel Gérard. Luego pasó por momentos difíciles: el fisco, una úlcera de estómago y una ruptura dolorosa con Vanessa Paradis. En 1989 cover de "Comme d'hahitude" le permitió obtener el premio Victoire de la Musique. Después, en 1990 su álbum ''Réaliste" pasó casi inadvertido pero en el 94 volvió con un nuevo disco "Rester vrai", en dúo con Johnny Hallyday, con canciones escritas por Jean Jacques Goldman , este disco fue Disco de Oro.

En el 96 apareció una semi-compilación "Bienvenuez chez-moi" que contenía viejos sucesos y algunas canciones nuevas.

Una soberbia versión de "Caruso", un dúo con la cantante israelí Noa y otro con Carole Fredericks le permitieron vender un millón de ejemplares. En el 97 salió "Savoir aimer" con la participación de Goldman, Pascal Obispo, Zazie y Peter Kingsberry y su actual pareja, la modelo argentina Azucena Caamaño, con el que obtuvo el premio Victoire de la Musique como "Mejor Intérprete Masculino".

Tuvo un hijo al que llamaron Inca y la carátula del disco "Savoir aimer" fue diseñada por su esposa (artista            plástica).

Florent adquirió 4000 hectáreas en la Patagonia donde construyó una estancia y tiene numerosas cabezas de ganado. Allí Florent vive lejos del mundo parisino, adora tas motos y allí puede "retozar libre por los campos".

Él está lejos de las cosas que odia (los mentirosos, los pretenciosos y los hipócritas).

Su generosidad es igualmente su punto fuerte: participa en obras caritativas como por ejemplo ''Les enfoirés", el álbum "Enssemble" contra el SIDA y en "Pavarotti and friends" para las víctimas de la guerra.

 

 

Chanter

 

Cantar

Para olvidar sus penas

Para mecer a un niño

Cantar

Para poder decir ”te amo”

Pero cantar todo el tiempo

Para implorar al cielo

Juntos

En una misma iglesia

Encuentra lo esencial

Y hacer

Que los silencios se rompan

En lo alto de las barricadas

Los pies y puños atados

Cubriendo los tiroteos

Cantar sin parar

Y unir nuestras voces

Alrededor del vino que embriaga

Cantar al que se va

Para que no deje de vivir

Cantar

Al que viene al mundo

Para amarlo

Cantar ahora y siempre

Un nuevo día viene de nacer

Aún nos maravillamos

Cantar

A pesar de todo, siempre más fuerte

Yo no paro de cantar

Y hacer unir nuestras voces

Cantar a alguien que se va

Para no dejar de vivir

Yo no paro de cantar

Cantar para olvidar sus penas

Para acunar un niño

Cantar

Para poder decir “te amo”

Pero cantar todo el tiempo

 

 

 

 

 

Queen, el principal grupo musical británico de Rock, estaba formado por cuatro miembros: Freddie Mercury, Brian Harold May, Roger Taylor y John Deacon.

Todo comenzó en 1968, cuando Brian May y Tim Staffel, dos estudiantes del Imperial College, crearon una banda llamada “Smile”. A ellos se les sumo Roger Taylor como baterista. Un compañero de Tim Staffel, Freddi Bulsara, se convirtió en un gran admirador del grupo.

Cuando en 1970 Staffel dejó “Smile”, Freddie se unió al grupo, junto a Brian y a Roger. Freddie cambió su apellido por el de Mercury y cambiaron el nombre del grupo por el de “Queen”. A ellos se les unió, un año después, John Deacon como bajista. Con estos cuatro nombres se completaba el grupo más importante de la historia británica.

Tras varios ensayos y algunos trabajos de poca monta, en 1973 grabaron su primer álbum “Queen”. Las canciones mezclaban la religiosidad de Freddie con el típico Rock en su estado puro.

Tras una gira como teloneros del grupo “Moot The Hoople” grabaron su segundo LP: “Queen II”. Nuevamente emprendieron gira por Gran Bretaña y también iniciaron su primera gira por EEUU, nuevamente como teloneros de “Moot The Hoople”. Tras esta gira, grabaron un nuevo disco: “Sheer Heart Attack”, en 1974, que supuso un gran éxito mundial y el reconocimiento de la calidad del grupo.

En 1975 comenzó su primera gira en solitario por EEUU, teniendo que hacer dos shows diarios ante el éxito recibido. En abril iniciaron una gira por Japón, donde fueron recibidos en el aeropuerto por miles de fans.

En 1975 lanzaron el single “Bohemian Rapsody”, que se convirtió en un gran éxito. Estuvo en el número uno durante nueve semanas. Cuando el LP “A Night at the Opera” salió al mercado, se convirtió rápidamente en un éxito, dándoles su primer Disco de Platino.

En 1976 sacaron a la luz un nuevo disco: “A Day at the Races”, y en octubre de 1977 los miembros del club de fans fueron llamados para tomar parte de uno de los videos de “We are the champions”, grabado en el New London Theatre. Después de la grabación, el grupo ofreció un concierto gratuito de agradecimiento para sus fans.

 

 

 

En octubre de 1977 lanzaron al mercado “News of the World”, y un año más tarde, “Jazz”.

En 1979 lanzaron su primer álbum en vivo, “Live Killers”. Al poco, la banda recibió el encargo de hacer la banda sonora de la película “Flash Gordon”, que fue publicada en 1980.

Entretanto, también habían editado el álbum “The Game”, el primero en que usaron sintetizadores. Fue lanzado en junio de 1980 y fue un éxito en ventas, así como el sencillo “Another one bites the dust", que se convirtió en su canción más vendida en el mundo.

En 1981 iniciaron una gira por diversos países de Sudamérica batiendo records de asistencia en países como Brasil y Argentina. En octubre de 1981 ganaron “Greatest Hits”, ”Greatest Flix” (colección de videos) y “Greatest Pix” (un grupo biográfico con fotos del grupo).

En 1982 lanzaron “Hot space” y en 1983 “The Works”, cuya canción “Radio Ga Ga” se convirtió en un nuevo gran éxito, así como “I want to break free”, en cuyo video aparecían los miembros de Queen disfrazados de mujeres, queriendo ridiculizar una serie de televisión británica.

En 1985 se realizó el festival Rock in Río, el más importante hasta la fecha, en el que participó Queen, siendo los grandes triunfadores. El 13 de julio participaron en otro festival, el “Live Aid”, el primero que se realizaba contra el SIDA. Antes del concierto, los miembros de Queen habían decidido distanciarse algo, pero debido al enorme éxito que tuvieron en el concierto, cambiaron de opinión y decidieron continuar con energías.

En 1986 lanzaron “A kind of magic”, que era la banda sonora para la película “Highlander”. En diciembre del mismo año editaron “Live magic”, su segundo disco en vivo.

La cantante de Ópera Monserrat Caballé, una de las fans incondicionales de Freddie, se reunió con él en su casa de Barcelona en 1986. Allí hicieron una gran amistad y acordaron grabar un disco en conjunto. El sencillo apareció en España en septiembre de 1987 y rápidamente el Comité Olímpico Español la adoptó como himno oficial de los JJOO que se iban a celebrar en Barcelona en 1992. El LP salió a la luz en octubre de 1988.

En 1989 salió un nuevo álbum de Queen, “The miracle”, que pronto se convirtió en otro gran éxito. Por aquella época, Freddie ya sabía que se estaba muriendo. Con el fin de la década, Queen fue elegido como el mejor grupo de los 80.

 
 

 

En 1991 sacaron un nuevo sencillo, “Innuendo”, de casi siete minutos. Ni qué decir tiene que se encaramó en las listas de todo el mundo. El álbum “Innuendo” salió poco después y siguió los pasos del sencillo.

La enfermedad de Freddie Mercury influyó en los discos que la banda editaba y sus letras hablaban de la llegada de un final que el propio Freddie presentía pero que nadie conocía.

A finales de 1991 publicaron el “Greatest Hits II”

El 23 de noviembre de 1991, Freddie anunció al mundo que padecía de SIDA. Al día siguiente fallecía en su casa, rodeado de familiares y amigos. Este hecho conmocionó a sus millones de fans, que no habían conocido de la enfermedad de Freddie hasta el último final.

Como homenaje a Mercury se lanzó un doble sencillo con dos temas ”Bohemian Rhapsody” y “There are the day of our lives”. El dinero recaudado fue a parar a una organización para la lucha contra el SIDA.

El 20 de abril de 1992 se organizó un gran concierto como tributo a Freddie. El escenario fue el estadio de Wembley, en Londres, y las 72000 entradas se vendieron en apenas seis horas, sin saber siquiera quienes iban a actual. El concierto fue televisado en directo para más de mil millones de habitantes en todo el mundo.

En 1995, tras cuatro años de trabajo, salió al mercado el último trabajo de la banda junto a Freddie Mercury. Su título fue “Made in heaven” y Freddie colaboró con su voz en los últimos meses de su vida.

A finales de 1995 sacaron el que fue el último álbum de la banda, “Ultimate Queen”, una caja de lujo con los veinte discos de Queen. Pocos meses después editaron su último disco, “Queen Rocks”, con una canción dedicada a Freddie, “No-One but You (Only the Good Die Young)”.

 

Condenan a muerte a Lanðrú

"Señor de edad, viudo, dueño de un pequeño capital, busca señorita o viuda sin hijos, libre, de 40 a 50 años, mujer de su casa, correcta y en situación económica semejante". Pubficando este aviso en los diarios de París, Landrú conoció alternativamente a 9 mujeres.

Bajo y muy delgado, Landrú no era el prototipo del hombre seductor. A los 22 años se casó con su prima, con quién tuvo un hijo y una vida ejemplar.

Recién hacia 1900 descubrió el negocio que lo haría famoso. Una vez que entraba en confianza con las mujeres, les proponía matrimonio. Las relaciones tenían más romance que sexo: esa era la manera perfecta para convencerlas de que les dieran sus bienes.

Landrú actuaba bajo diferentes nombres y tras comprobar que tenían dinero, mató a 8 de ellas e incendió sus cuerpos en una pequeña cocina de su casa. Barba Azul, tal su apodo, no pudo matar a su novena víctima.

Fue apresado, y el I de diciembre de 1921 fue condenado a muerte. El 25 de febrero de 1922 fue ejecutado por una afilada guillotina en la prisión de Versalles. Sus últimas palabras frieron: 'No es la primera vez que se ejecuta a un inocente”.

 

Los argentinos por la boca mueren

"Así como habla la gente, así es la gente" sentenció Borges. En nuestro modo de hablar se incluye una gran cuota de ironía, un lenguaje en el que con frecuencia las palabras quieren decir otra cosa. Empezando por la fina parodia de llamar "El mudo" al máximo cantor nacional.

A sus informaciones más preciadas los periodistas le dicen "merca" y los narcotraficantes cuando alguien osa dudar de la calidad de su oferta se defienden alegando: "Ojo, que yo no vendo cualquier verdura".

Un mundo al revés desde las palabras. A los adultos se les dice "bebés" y a cualquier amargo se le puede llamar "bombón". A una persona muy agradable se la califica de "monstruo" así como cualquier tonto puede merecer la ostentación de "genio".

Con el recurso de la ironía, desde el lenguaje, permanentemente se está diciendo algo contrario a lo que se dice. La gente ya no habla (mucho menos: paria, bate, chamulla): tiene un discurso. Ya no quedan antipáticos: ahora los semejantes nos cortan el rostro. El último gran verbo multisignificativo es transar. Está en boca de millares, aunque no haya aparecido en el diccionario.

Transar no transa cualquiera. Transa un gremialista corrupto cuando transa con la patronal o la hija adolescente del gremialista o del patrón que transan con distintos flacos en variadas discotecas. Los jóvenes transan un examen, los padres transan entre ellos y todos transamos con el sistema.

Para hacernos los finolis

Para pasar por lo que no somos fuimos mandados a hacer. Según el humor antioficiai de la época, el gobernador peronista de la Provincia de Buenos Aires en los '50, Carlos Aloé, era muy bruto, Acerca de esta característica suya circularon centenares de chistes entre ellos que, como permanentemente utilizaba diminutivos para hablar, un día, en una comida, el propio Perón lo codeó para corregirlo. Cuando los mozos volvieron a ofrecerle más comida Aloé volvió a mostrar su rudeza y dijo “gracias, no tengo más apeto".