Muchos poetas describen su obra como “musical”, pero la obra de Emily Dickinson llevó estas asociaciones a un nivel completamente nuevo. La naturaleza lírica de sus poemas los ha convertido en un tema popular para los compositores, pero todo comenzó con los himnos de su infancia.
Dickinson,
quizás la reina original de las técnicas de distanciamiento social, fue una
poetisa prolífica, especialmente durante su propio período de autocuarentena. A
menudo se piensa en Dickinson en términos de su reclusión, pero ese no fue siempre
su estilo de vida. Fue sólo después de varias muertes de personas cercanas a
ella, especialmente el director de la Academia Amherst, Leonard Humphrey, que se
hundió en una depresión tan profunda. Esto se convirtió en lo que ahora se cree
que es agorafobia, con la enfermedad de su madre a fines de la década de 1850.
Un producto de este período es un conjunto de poemas que observan el mundo con
intenso cuidado, ignorando cualquier ruido fuerte y magnificando sucesos
simples y a menudo mundanos a niveles profundos. Un aislamiento lleno de
ansiedad es sin duda un concepto con el que se puede identificar en los
momentos de la pandemia de Covid, aunque el distanciamiento social es un
procedimiento recomendado por los médicos para combatir un virus activo. Pero
solo hace falta activar las redes sociales para encontrar reflexiones sobre los
temas más minuciosos y prosaicos mientras todos estaban confinados. En esto, se
puede encontrar compañía con la Emily Dickinson mujer mayor y
escondida. La idea de ser famosa aparentemente no le gustaba a Dickinson
y, aunque fue una escritora prolífica de casi 1.800 poemas, solo diez se
publicaron durante su vida, y esos de forma anónima; algunos los envió en
cartas a sus amigos, pero la mayoría los mantuvo en privado. La línea entre
música y texto puede difuminarse en la poesía de Dickinson. No sólo la
poesía canta para Emily Dickinson, sino que la música también habla. Esto ha
llevado a que su obra sea utilizada frecuentemente por los músicos como libreto
para sus obras corales y ciclos de canciones. Es lógico que una de las
versiones más conocidas de su poesía haya sido compuesta por Aaron
Copland. A Copland se le suele llamar el “decano de los compositores
estadounidenses”, y Dickinson es un ejemplo destacado de poeta estadounidense del
siglo XIX. Copland compuso en 1950 doce de los poemas de Dickinson
en su colección más extensa para voz solista.
La lista de amigos a los que
dedicó cada movimiento es un quién es quién de la composición en ese momento,
con nombres como Elliot Carter, Alberto Ginastera, Lukas
Foss e Irving Fine. “Three pieces after Emily Dickinson”
(1941) es una obra para cuarteto de cuerdas de la compositora y pianista
estadounidense Mary Howe. Howe fue una importante fuerza
musical en Washington DC a principios del siglo XX: fue cofundadora de la Orquesta
Sinfónica Nacional y de la Sociedad de Música de Cámara de Washington. Junto
con Amy
Beach, Howe también cofundó la Sociedad de Compositoras
Estadounidenses en 1925. El compositor estadounidense George Walker tenía una
fuerte afinidad por la música vocal. Su “Lilacs”, para voz y orquesta, ganó
el Premio Pulitzer de música en 1996, el primero que ganó un compositor
afroamericano. Las numerosas canciones de arte de Walker incluyen varias
versiones de Emily Dickinson, incluida "I went to Heaven",
de su ciclo de 1991 de “Nine Songs”. Al componer “Chanting
To Paradise”, Libby Larsen prestó especial
atención a la letra “i”. De la misma manera que Dickinson juega con todas
las posibles pronunciaciones de la letra en “Bind me – I can still sing”,
Larsen
juega con la duración del sonido. Dejó que las instrucciones del poema – “bind
me”, “stay”, etc. – dictaran cómo debería moverse la música. Tal como lo
expresó con optimismo Craig Hella Johnson, la respuesta a
la pregunta de Dickinson: “¿Realmente habrá un mañana?” es un sí rotundo. Otra
versión de ese mismo poema proviene de Ricky Ian Gordon, un compositor que
dividía su tiempo entre el teatro musical y el mundo de la Ópera. Gordon
recopiló once poemas de Dickinson en una colección que llamó
“Too
few the mornings be”. El primer intento de Eric Whitacre de componer
fue su versión de “Go Lovely Rose”, de Edmund Waller. La pieza tuvo tanto
éxito que creó un conjunto de tres canciones sobre flores, entre ellas “With
a lily in your hand”, de Federico García Lorca, y “I
hide myself”, de Emily Dickinson. La cantante Efrat
Ben Zur, residente en Tel Aviv, compuso un álbum de piezas basadas en
la poesía de Dickinson en 2012. Se refiere al conjunto de piezas como un “viaje
mágico”. Las composiciones de Carla Bruni en su álbum “No
Promises” han sido comparadas con las del cantautor Jack Johnson, con
sus líneas de guitarra llenas de ritmo. El álbum incluye poemas de Dickinson,
así como de William Butler Yeats, Walter de la Mare y Dorothy Parker.
“Of
being is a bird (Emily Dickinson Settings)” es una obra de 2015 para
soprano y orquesta de la compositora estadounidense Augusta Read Thomas. “The most triumphant Bird I ever
knew or met” es el tercer movimiento del ciclo. Esta exuberante ambientación retrata los patrones de vuelo
deliciosamente impredecibles del ave, y sus melodías tratadas de manera
contrapuntística muestran la influencia estilizada del canto de los pájaros. “Quotation
of dream” (1991) para dos pianos y orquesta es una obra
neoimpresionista inspirada en el océano. El agua, en todas sus formas, es un
tema común en la música del compositor japonés Tōru Takemitsu. Esta
obra, que el compositor escribió para Paul Crossley y Peter Serkin, explora su
tema extramusical con citas musicales del poema sinfónico de Debussy
“La
mer”, y un subtítulo citado de “My river runs to thee” de Emily
Dickinson. La compositora estadounidense Emily Lau es la fundadora
de “The
Broken Consort”, un innovador conjunto de cámara que trabaja en la Big
Mouth Society de Portland. Las “Seven Dickinson Songs” de Lau
pertenecen al álbum de 2019 de The Broken Consort, “Isle
of Majesty”. “I Never Saw a Moor” es una obra
inquietante y neorrenacentista compuesta para instrumentos antiguos y
percusión, que captura de manera hermosa el misterio del texto bastante
metafísico de Dickinson. “Letters from Emily” es un nuevo Oratorio
del compositor de Portland Grant Edwards, que se estrenó en
2019. La obra musicaliza veintisiete poemas de Dickinson, y uno de ellos
se menciona en el título. “I'm Nobody” de Emma Wallace: Dickinson
escribió este poema en 1861 y ha contribuido a su misticismo. La
cantautora Emma Wallace lo convirtió en un hermoso Vals discreto en tono
menor para “The thing with feathers” (2021), uno de sus varios álbumes de
temática literaria. “Some keep the Sabbath going to Church”,
de Michael
McGuane: Dickinson fue criada como congregacionalista, pero nunca se
unió oficialmente a la iglesia y en 1868 había dejado de asistir por completo.
Sus poemas varían en tono hacia el cristianismo, algunos expresan sentimientos
devotos y otros, irreverencia. Una cosa que está clara es que a menudo se
encontraba con Dios en la naturaleza. En este poema, los árboles frutales crean
un santuario para ella y los pájaros sirven como coro, una experiencia elevadora
y de adoración.
Los cristianos a lo largo de la historia han hablado de cómo el
“libro de la naturaleza” complementa el libro de las escrituras, y ambos
revelan la verdad de Dios. Aquí Dickinson reconoce lo mismo,
enfatizando la bondad de la creación, cuyo disfrute es sagrado. Michael
Mcguane interpreta una melodía Folk-Rock con punteo de guitarra que
escribió para el poema. “I Had No Time to Hate”, de Gerda
Blok-Wilson: aquí se aprecia lo que Dickinson hizo con el
cliché “La vida es demasiado corta para estar enojada”. El poema está
estructurado en dos estrofas, la primera sobre el odio, por lo que se podría
esperar que la segunda se explayara sobre las virtudes del amor. Pero en
cambio, hay una admisión práctica de que la vida también es demasiado corta
para completar la obra del amor. Sin embargo, como se debe elegir entre el odio
o el amor, ella elige el amor; depende de nosotros explicar por qué es la mejor
opción. En junio de 2021 Gerda Blok-Wilson grabó una versión
coral a cargo del Coro de Cámara de Vancouver, dirigido por Kari
Turunen. “I feel a Funeral, in my Brain” de Andrew Bird, con Phoebe
Bridgers: aunque algunos han interpretado el poema como que Dickinson
imagina su propio funeral, se trata de una metáfora, posiblemente de la pérdida
de una amistad preciada, una creencia de larga data, una esperanza o un sueño,
cualquiera de los cuales tendría un alto costo psicológico, o de la pérdida
temporal de la cordura, un colapso mental, debido a algún factor estresante. El
estado de ánimo es opresivo y el hablante se vuelve cada vez más desquiciado.
El cantautor, violinista y silbador Andrew Bird puso al poema “una
simple melodía de dos notas”, dijo, y, en colaboración con el Museo Emily
Dickinson en Amherst, hizo un video musical que presenta la letra de Dickinson
y filmaciones de su hogar de toda la vida.
Fuentes:
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