Poner etiquetas a la música puede ser complicado, siendo el término “Blue-Eyed Soul” un buen ejemplo. Algunos artistas sienten que el nombre huele a apropiación; otros, sobresegmentación.
Pero en el mejor de los casos, el “Blue-Eyed Soul” refleja
la continua capacidad de la música Pop para absorber influencias de
otras culturas y construir puentes entre ellas también, como es el caso del Jazz.
La frase apareció por primera vez en la década de 1960 cuando los músicos
blancos tocaban en un estilo de R&B, como Righteous Brothers, Young
Rascals, Mitch Ryder, etc. artistas como Aretha Franklin y James
Brown cruzaban en la otra dirección. El difunto Wayne Cochran quizás lo
dijo mejor en una entrevista de 2011 en el Miami Herald: “Nunca escuché “raza”
en la música. Era solo la música lo que me hablaba. Me conmovió”. Pero como
líder de los CC Riders, The White Knight of Soul fue famoso
por sus poderosas actuaciones, extravagantes trajes de escenario y un copete de
platino, todo lo cual más que asintió con la cabeza a James Brown y a Little
Richard. Sin embargo, si el linaje del R&B se remonta a la
iglesia, en el caso de Cochran resultó igualmente cierto lo
contrario: a principios de los 70, el cantautor se retiró para dedicarse a ser
ministro en su estado natal de Florida. Centrándonos estrictamente en EEUU,
probablemente el artista más exitoso de los primeros días del Blue-Eyed
Soul fue The Righteous Brothers, que encontraron que el rico barítono de
Bill
Medley y el fino falsete de Bobby Hatfield se complementaban
perfectamente. Los ejemplos incluyen “Soul & inspiration” (1966) y “You've
lost that lovin' feelin'” (1965), el éxito producido por Phil
Spector que se lee como una balada proto-power. Sin embargo, no estaban
solos.
Mitch Ryder y los Detroit Wheels triunfaron con las
estridentes producciones de Bob Crewe, como “Jenny
take a ride” (1965) y “Sock it to me, baby!” (1968)
mientras que The Soul Survivors tuvo un éxito Top Ten con “Expressway
to your heart” (1967), la primera producción de Gamble y Huff, los
arquitectos de Philly Sound. Y, Rare Earth tuvo una serie de hits en
el sello Motown, incluidas versiones de “(I know) I'm losing You” (1970) y “Get
ready” (1971) de The Temptations. Y luego estaban The
Rascals, que comenzaron versionando los éxitos del Soul en clubes de la
parte alta de Manhattan y luego compusieron sus propios hits como “Groovin”.
En la primavera de 1968, aparecieron en el Soul Together Concert en el Madison
Square Garden, en segundo lugar, después de Aretha Franklin, en un
espectáculo que contó con la participación de Sam y Dave,
Joe
Tex y Sonny & Cher. Más tarde ese verano, “People got to be free”,
su himno para el Movimiento por los Derechos Civiles, subió al número uno (y
brindó algo de consuelo a una nación que aún se tambalea por los asesinatos de Martin
Luther King Jr. y Robert Kennedy). Los años 70 no
mostraron signos de desaceleración del género con cantantes como Michael
McDonald, Rod Stewart, Bobby Caldwell y Gino
Vannelli, cada uno de los cuales dejó marcas indelebles, aunque quizás
ninguno más tanto como la excelencia de Boz Scaggs, cuyo LP “Silk
Degrees” fue cinco veces platino, ayudado por la exuberante marca de Soul
reflejada en la canción principal del álbum, “Lowdown”. Sin embargo,
incluso reconociendo el mega récord de Scaggs, el Blue-Eyed Soul alcanzó
alturas aún más altas con Hall & Oates, irónico si se
considera que Daryl Hall odia el término que, según él, lo marca como un
extraño.
En su defensa, la “credibilidad callejera” de Hall es indiscutible. Su
carrera comenzó con colaboraciones con Gamble y Huff. Y el clásico de
principios de los 70 “She's gone” recibió un impulso
cuando fue versionado por Tavares, el grupo negro mejor
conocido por su trabajo en la banda sonora de “Saturday night fever”. En
la década de 1980, el dúo de Blue-Eyed Soul se convirtió en una
de las mayores sensaciones de la radio con “Maneater”, “Out
of touch” y “I can't go for that (No can do)”, la
última de las cuales lleva la rara distinción de ser el número uno tanto en
Billboard's Hot 100 como en sus listas de R&B. El género también vio un
aumento de interés en el Reino Unido junto con la aparición del Funk,
con Average
White Band, combinando los estilos y el destacado lanzamiento del álbum
“Young
Americans”, de David Bowie de 1975. El segundo gran
período del Blue-Eyed Soul comenzaría con el advenimiento de la New
Wave a fines de la década de 1970, que influyó en artistas Pop
establecidos como Hall & Oates, así como en bandas más nuevas como Culture
Club y Simply Red, quienes retrospectivamente llegarían a ser
identificados. como Sophisti-Pop. The Jam también incorporaría esta
nueva ola del Blue-Eyed Soul en el Mod Revival; su estilo continuaría
influyendo en más bandas de tendencia Soul durante la década de 1980. Otra
gran influencia en esta ola de Blue-Eyed Soul sería la escena Northern
Soul en el norte de Inglaterra que celebró los discos de Soul
estadounidense de los años 60 e influyó directamente en bandas como Dexys
Midnight Runners y The Housemartins.
Ese nivel de éxito
es difícil de igualar, pero muchos lo han intentado. La rica mezcla de Soul
y Pop
de Mayer
Hawthorne en su álbum debut “A strange arrangement” (2009)
definitivamente evocaba algunas raíces conmovedoras, mientras que su
contemporáneo Allen Stone tiene un falsete perfecto que está claramente en
deuda con “Innervisions”, de Stevie Wonder, y “What's
goin' on”, de Marvin Gaye. Sin embargo, en verdad,
aquellos que llevan la antorcha del Blue-Eyed Soul en EEUU tienen una
base compartida inesperada y, es El Club de Mickey Mouse. Así es. Tanto Justin
Timberlake como Christina Aguilera, esos alumnos de
Mickey, han mostrado una delicadeza considerable como practicantes del género
del Blue-Eyed
Soul. El debut en solitario de Timberlake, “Justified” (producido por
Pharrell
Williams), incluye varias baladas conmovedoras, como “Señorita”
y “Never
again”, mientras que la inolvidable versión de Aguilera de “It's
a man's world” mostró la fluidez de la música cuando se trata de género
y raza. Aguilera puede parecer una rara avis ya que, el Blue-Eyed
Soul se asocia con más frecuencia a los hombres. Pero hay muchas
excepciones a esta regla. Chris Clark (“Do right baby do right”),
Linda
Lyndell (“What a man”) y especialmente Teena Marie, también
conocida como la Ivory Queen of Soul, cuya carrera evolucionó de manera
diferente a la de sus contrapartes masculinas porque sus canciones
constantemente terminaron teniendo más atractivo. en R&B que en las listas
de éxitos. En verdad, los británicos pueden haber tenido más artistas femeninas
que cruzaron cómodamente esa división cultural: Dusty Springfield, Joss
Stone, Adele, Amy Winehouse...
Fuentes:
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