Desde hace veinte años, cuando irrumpieron en la escena local como los
representantes argentos de una movida stone que hoy transa con compañías y
mueve miles y miles de pesos, Los Ratones Paranoicos no dejaron de girar nunca.
No solo son los precursores de una escuela que instruyó a cientos de alumnos de
hoy sino que son, junto con los también roedores Súper Ratones, las dos únicas
bandas que llegaron a las dos décadas de unión sin interrupción. Ni siquiera
cuando Juanse decidió emprender una no muy lograda carrera solista, con su
disco Expreso Bongo, la química pudo romperse. Menos cuando el excelente
bajista Pablo Memi dio un paso al costado. Rápido convocaron al ex Soda y
Charly, Fabián “Zorrito” Von Quintiero, y continuaron con su marcha de tres
acordes que hoy nadie se atreve a cuestionar. Tampoco el tiempo pudo frenarlos
cuando Juanse se codeó con el jet set farandulero (algo que continúa haciendo),
o cuando cantó con el marginal Pablo Lezcano de Damas Gratis. Menos cuando la
banda con mayor convocatoria de la historia del rock de acá, Los Redonditos de
Ricota, le dedicaron un tema en su contra y con él una pica que le generó, y
genera, detractores varios. Nada puede con Los Ratones...Y está bien que así
sea. Luego de varios años de carrera en los que editaron muchos discos buenos y
otros tantos que dejaron mucho que desear, Los Ratones siguen en carrera, y no
parecen cansarse de rockear. Este año su ojo en espiral volvió a aparecer en
las bateas con un trabajo en vivo: “Inyectado de rock and roll”. Un álbum en
que los de Devoto muestran todas su facetas (dos): rock and roll y baladas. Hay
clásicos viejos (“Rock de la calle” y “Sucia estrella”), clásicos de ahora
(“Sigue girando”), clásicos aggiornados (“El vampiro”), medios tiempos (“La
fuga” y “Sólo sé”), covers (“Ruta 66”) y homenajes (“El tren de las 16”).
También hay invitados: Toti de Jóvenes Pordioseros (la banda preferida del hijo
de Juanse) en “Vicio”, Andrés Ciro (con quien lo une la pasión bostera,
Maradona y El Carpo) en “El tren de las 16”, y Andrés Calamaro en el hitazo
“Para siempre”. Dieciocho temas en los que el lado “vivo” se siente simplemente
en el sonido y no en la gente. Un trabajo que no te lleva a pensar que podés
estar ahí, pero que contiene una buena selección de canciones en un clima
diferente. Una forma más de escuchar rock and roll. Una manera más de demostrar
por qué todavía siguen vivos.
El líder de Megadeth, Dave Mustiane, y el batería Shaw Drover hablaron
recientemente con Jon Wiederhorn de MTV.com sobre el proceso de grabación del
nuevo álbum del grupo, "United Abominations", que verá la luz el día
de Halloween. “Alquilamos el kit de batería de John Bonham (Led Zeppelin) y
grabamos en un estudio en casa de David Gilmour (guitarrista de Pink Floyd), en
Inglaterra, que fue fantástico”. “Ese kit es el único disponible para alquiler
en todo el mundo”. En cuanto a la dirección musical de “United Abominations”,
Dave Mustaine añadió que “Si tuviera que estimar cuándo debería haber salido
este disco, diría que poco antes que “Rust in Peace” (1990) o poco después que
“Countdown to Extinction” (1992). Las críticas calificaron a “The System Has
Failed” como un retorno a los inicios, pero este es incluso más que eso. Todo
se ha conseguido gracias a la compañía discográfica con la que trabajo al igual
que con la administración. Así que no tengo que componer canciones porque las
mujeres de ciertos miembros de la banda estén protestando de que sus hipotecas
no se pueden pagar o porque el manager me esté diciendo que tengo que tener un
disco para una correspondiente gira y que tengo que hacer el tour porque sino,
no voy a poder pagar mis cheques”. “United Abominations” contendrá 11
canciones, incluyendo el tema título, “Washington’s Next” y “Gears of War” y
además habrá un tema extra para la edición japonesa. “Realmente es un disco muy
variado”. “Hay algo más de material rápido que gustará a los fans más trashers
del grupo y también tiene unos pocos medios tiempos. Definitivamente, no es un
trabajo unidimensional”.
Suena a sacrilegio. Un experto en música y compositor italiano acaba de
denunciar que un tema de los Beatles es un simple plagio de una canción
napolitana compuesta en 1895. La canción a la que califica de una burda copia
no es una melodía cualquiera: es "Yesterday", uno de los mayores
clásicos de la música mundial. De acuerdo con el experto italiano Lilli Greco,
John Lennon y Paul McCartney robaron la pegadiza melodía de
"Yesterday" de la popular canción napolitana "Piccere che vene a
dicere". Para mostrar lo parecido que suenan ambas canciones, Greco tocó
ambas al piano en un programa del canal RAI 2. "Realmente el estribillo y
la melodía suenan casi igual", describió ayer la agencia DPA. Greco,
además, contó que una vez en Londres conoció al manager de los Beatles, Brian
Epstein, y que éste le habría confesado en ese momento que John Lennon y Paul
McCartney sentían una predilección especial por canciones antiguas de Nápoles.
Epstein, también llamado "el quinto Beatle", murió en 1967. Yesterday
es la canción más grabada en la historia de la música: tiene más de 3.000
versiones. Aunque figura como de Lennon y McCartney, fue compuesta por este
último, a quien, según la leyenda, se le reveló la melodía en un sueño. En
varias entrevistas McCartney consideró a esta canción como la mejor de todas
las que escribió. Originalmente fue grabada en 1965 para el álbum
"Help!". Ya en otras ocasiones algunos especialistas dijeron haber
hallado semejanzas entre "Yesterday" y alguna otra canción. En julio
de 2003 los musicólogos británicos Spencer Leigh y Alan Clayson aseguraron
haber descubierto ecos del tema "Answer me", grabado en 1954 por Nat
"King" Cole, en el fraseo de "Yesterday". En aquel momento,
los agentes de McCartney desmintieron cualquier tipo de semejanza. George
Harrison también estuvo acusado de plagio y hasta per dió una demanda. Fue por
"My Sweet Lord", su canción de 1971 que fue un éxito. La Justicia
determinó años después que la obra sonaba similar a "She's So Fine",
grabado por los "Chiffons" en 1964.
A finales de los años setenta, la banda se convirtió en una de las más
populares dentro de la música disco norteamericana, sus temas sonaron en todos
los boliches, bares, radios, películas, marchas del orgullo gay y aún hoy
perduran en la memoria de la gente. Conozca en que ocupan sus días los
integrantes de esta peculiar formación. Village People se formó a fines de la
década del setenta, cuando el compositor y productor Jacques Morali descubrió a
Felipe Rose, un bailarín que solía actuar disfrazado de indio en Greenwich
Village, Nueva York, a Victor Willis y a Alex Briley, a quienes había visto
cantando en el musical de Brodway titulado The wiz. A partir de ese momento se
realizó un casting del cual surgieron los otros tres integrantes que
compondrían el sexteto Village People: Glenn Hughes, David Hodo y Randy Jones. La
característica principal era sus particulares vestuarios que consistían en
disfraces que representaban a un soldado (Alex Briley), a un indio nativo de
Norteamérica (Felipe Rose), a un motociclista de tachas y cuero (Glenn Hughes),
a un obrero de la construcción (David Hobo), a un cowboy (Randy Jones) y a un
policía (Victor Willis). En 1977 editan su primer LP titulado Village People,
que incluía los temas San Francisco (You've got me), In Hollywood (Everybody is
a star), Fire Island y Village People. Un año más tarde llegó el disco Macho
man, cuyo homónimo single fue todo un éxito y les permitió alcanzar la fama
masiva. Pero la explosión multitudinaria que los pondría en el firmamento de
las estrellas musicales llegaría tan solo un año después cuando publican su
tercer trabajo Cruisin', que incluyó la súper conocida YMCA. En 1986 la banda
decide dar por finalizado un ciclo y tras separarse, cada uno de sus
integrantes inicia la carrera como solista. Pero después de tirar las plumas,
el cuero y las tachas? ¿Qué fue de la vida de los díscolos miembros de Village
People? Luego de fracasar con su música cada uno por separado, en 1988 deciden
juntarse nuevamente editando el álbum Greatest hits, y un año más tarde
continúan con Greatest Hits '89 Remixes. En 1990 aparecen como invitados en un
episodio cómico de la sitcom Married with children y actúan en varios programas
de televisión tales como: Tonight show with Jay Leno, The Rosie O'Donnell Show,
Oprah, Good morning América, The Caroline Rhea show y Dick Clark's 50th
Anniversary of American andstand. En 1994 mezclan otra recopilación de temas
llamada The very best of Village People y graban el himno de la selección
alemana de fútbol, Far away in América, para el mundial realizado en los
Estados Unidos. Además filman el documental Village People go north down under,
donde comparten la música y la cultura con los aborígenes de Australia. Un año
después sufren una nueva modificación ya que el actor Eric Anzazone ocupa el
lugar que deja Glenn Hughes, quien fallece el 4 de marzo de 2001 en Nueva York
a causa de un cáncer de garganta. En 1997 grabaron We want you para el mercado
alemán y posteriormente fue distribuido por varios países europeos. En el 2000
y en el 2001 lanzan dos álbumes más de grandes éxitos bautizados Greatest hits
with two millenium remixes y 20th Century masters the millenium collection,
respectivamente. En el 2003 son invitados especiales de Ozzy y Sharon Osbourne
en el reality show emitido por la señal MTV, The Osbournes. En la actualidad se
encuentran brindando una serie de conciertos por distintos países de Europa y
algunos de Centroamérica, además planean concluir su gira en Estados Unidos.
La comedia del poder es un filme sobre las diversas formas de la impunidad.
Por un lado, la impunidad concreta de políticos y empresarios para manejar
dineros que no les son propios a discreción y destinarlos a favorecidos, que
pueden ser tanto amantes de turno como mandatarios de gobiernos extranjeros. Y
por otro, el filme de Claude Chabrol trata sobre otra impunidad —una
psicológica, si se quiere— que atraviesa a las personas que detentan algún tipo
de poder sobre otros. No tiene que ser político ni económico. Puede ser del
orden personal, familiar, de relaciones con otras personas (parientes, amigos,
esposos, colegas) sobre las que, por algún motivo u otro, se ejerce algún tipo
de poder. En ese doble juego participan todos los personajes del filme. Tanto los
empresarios de la compañía estatal que desvían fondos públicos como los
políticos que cobran su diezmo por hacer la vista gorda. Pero también los
jueces (en este caso, la jueza) encargados de investigarlos, quienes pueden
fácilmente embriagarse de poder (el título original refiere a eso) y encarar
caminos personales que los pueden hacer perder de vista su propio centro. Allí
está la gracia, el secreto y el gran interés que provoca la nueva película de
Chabrol. Con inteligencia, el veterano realizador francés va más allá del filme
de investigación en el cual se descubren turbios manejos empresarios (para eso
hay muy buenos filmes, especialmente documentales, sobre desfalcos
empresariales recientes como el de Enron y similares) e intenta explorar las
contradicciones que se generan a partir de este tipo de situaciones.
Y no lo
hace con el recurso facilista de transformar a la jueza en cuestión (Isabelle
Huppert, impecable en su ya acostumbrada frialdad, distanciamiento y dureza) en
un personaje moralmente ambiguo. Al contrario, Jeanne Charmant-Killmanpersonaje de ficción basado en la verdadera
jueza del Caso Elf, Eva Joly— es recta, dura y severa. Tiene todos los
elementos para apresar al sinuoso Michel Humeau (un gran trabajo de Fran»cois
Berléand), presidente de la compañía en cuestión, por groseras malversaciones
de fondos públicos. Y también a varios de sus secuaces. Y no teme ir de frente,
haciendo esposar a plena luz del día a Humeau, interrogando a sospechosos con
aplomo y dureza, hasta humillarlos. Y soporta las presiones del poder político
sin miedos, pese a algunos extraños acontecimientos que empiezan a suceder a su
alrededor.
La complejidad de la pintura de la jueza está en la forma en la que
Chabrol muestra cómo, de una manera diferente, pero igualmente
"peligrosa", el poder también actúa sobre ella, transformándola en un
personaje omnipotente, desconsiderado, hasta cruel. Alguien que ya no sabe
distinguir muy bien entre culpables o inocentes, entre lo público y lo privado.
Y que hasta pierde de vista el hecho de que el poder que cree manejar tiene sus
límites y contraindicaciones. Como en todas las películas de Chabrol, La
comedia del poder también se ocupa de ironizar acerca de las conductas de las
clases dominantes (un buen detalle son los bronceados de todos los empresarios
sospechados). Y, de la misma manera, aparece el tema de la batalla entre los
sexos: aquí las mujeres pueden ser tan o más tenaces y virulentas que los
hombres. Sin juzgar a su "heroína", Chabrol se pregunta y nos pregunta
acerca de las implicancias más profundas del poder Y de la impunidad, su
reverso, su posible consecuencia y lado más oscuro.
Título original:
L'Ivresse du pouvoir / Género: Drama / Intérpretes: Isabelle
Huppert - François Berleand – Patrick Bruel - Robin Renucci / Director:
Claude Chabrol / Guionistas: Claude Chabrol - Odile Barski / Origen:
Francia - Alemania / Año: 2005 / Estreno:
20 de julio.
Su verdadero nombre es Mario Rubén González y nació en Cruz del Eje,
Córdoba. Rápidamente adoptó el nombre de Jairo, nombre bíblico que en arameo
significa "el fiel inspirado". En 1970 grabó su primer disco en
España llamado "Emociones". Con un repertorio muy original comenzó su
prometedora carrera. Fue en Málaga que vivió su verdadera consagración cuando
un jurado le otorgó el primer premio del "Festival Internacional de Costa
del Sol". Desde ese instante se convirtió en un artista respetado en los
países hispano parlantes. En 1976 grabó la que seguramente sea su mejor
realización "Jairo canta Borges". En 1977 interpretó algunas
canciones en París en el Olimpia. Fue felicitado por Julio Cortázar mientras
que Charles Aznavour, Nana Mouskori, Charles Trenes, Gilbert Bécaud y otras
estrellas francesas lo adoptaron inmediatamente como uno más de ellos, Jairo
sedujo a Francia con canciones como "Liberté", "Duerme
negrito" o "Les jardins du ciel". Europa sucumbió con su gira y
Jairo grabó discos en italiano, portugués y alemán y obtuvo muchos discos de
oro y platino. Jairo compuso canciones con María Elena Walsh, Horacio Ferrer,
Paul Eluard, Charles Aznavour, Eladia Blázquez, Jorge Luis Borges, y Facundo
Cabral. Fue apadrinado y aconsejado por Atahualpa Yupanqui. Con Jacqueline
Levasseur y Daniel Salzano creó el espectáculo "Re-volver", obra de
tango-canción que gira en torno al personaje de Gardel y que presentó en
Toulouse, París, Madrid, Córdoba, Buenos Aires y otras grandes ciudades. En el
Teatro General San Martín presentó "Crimen Pasional" de Astor
Piazzolla y Pierre Philippe. En setiembre del 96 puso en escena un homenaje a
Atahualpa Yupanqui en el Teatro Avenida, llamado "Argentina mía". Su
último disco es "Jairo canta Piazzolla", de 2003. Discografia en
francés: "Symphonie" de 1980 "Vivre libre" de 1981,
"Jairo à 1'01ympia" de 1981, "L'amor an présent" de 1982,
"Jairo serie or" de 1983, "Le diable" de 1984, ''La trace
de mespas" de 1986, "Au batacaln" de 1988 y "Jairo, les
plus grands succés" de 1992.
Posá tu mejilla en mi hombro
Que un poco de eternidad nos roce
Cerrá los ojos
Seamos felices los dos
Expulsa tus preocupaciones, tus problemas
Alrededor nuestro el mundo está loco
Vení a sumergirte en mis "te amo'
Que te da todo
Vení hacia mí e imagina
Esos caminos divinos
Que se abren para ti
Esos paraísos de flores extrañas
En donde el único ángel serás vos
Lejos de la gente y de todas las cosas
Cortinas corridas y puertas cerradas
Posá tu mejilla en mi hombro
Quiero amarte
Poné tu mejilla en mi hombro
Que la ternura juegue su rol
Con dulzura
Llená tu corazón y mi corazón
Cuando la felicidad te ofrece una oportunidad
Poné tu destino entre mis manos
Yo floreceré tu existencia
Tus mañanas
Vení hacia mí e imaginá
Esos caminos divinos se abrirán para vos
Esos paraísos de flores extrañas
Donde el único ángel serás vos
Lejos de la gente y de todas las cosas
Cortinas corridas y puertas cerradas
Posá tu mejilla en mi hombro
Quiero amarte.
Fue hijo de inmigrante africano llegado a la Argentina como polizón en un
barco de carga, había escapado de la isla de Barbados donde vivía en la
esclavitud. El apellido originario era Miller, pero al llegar a Buenos Aires
pronunció mal o no se dio a entender bien y le pusieron Mela. Nació en Dock
Sud, Partido de Avellaneda. De niño se radicó con su madre en Montevideo, ya
que su padre había fallecido cuando él tenía cinco años y recién regresó a
Buenos Aires, para cumplir con el servicio militar. Se dedicó al boxeo para
mantenerse. Para aquel entonces, le gustaba mucho recitar campero. Se presentó
con éxito, en un concurso realizado por La Voz del Aire, emisora que estaba en
frente a Radio El Mundo en Maipú al 500 y fue contratado como recitador en el
primer conjunto del bailarín y coreógrafo, Santiago Ayala, El Chúcaro. Con el
tiempo se alejó del ambiente de la danza y comenzó a trabajar como presentador
y glosador de tango con la orquesta de Alberto Coral, suplantando por un tiempo
al que estaba de titular, en el Centro Asturiano Campo Covadonga. Tuvo mucho
éxito, pero cuando retornó el presentador oficial, tuvo que retirarse. Entonces,
fue contratado en el famoso Tango Bar de la calle Corrientes, para ser el
presentador de las orquestas y artistas de la casa. Así lo hizo con: Julio
Sosa, Enzo Valentino y obtuvo un sorprendente suceso con la Orquesta Muzzi (o
Mussi, desconocemos de quien se trata), con una glosa que la llamó “La
cacerola”. Cuando Mario Soto, el autor de “Pasional”, se fue de la orquesta de
Osvaldo Pugliese, el director inició la búsqueda de un presentador sin
lograrlo. Entonces, Osvaldo Ruggiero le dijo a don Osvaldo que el presentador
de la orquesta está en el Tango Bar, y este exclamó: «¡El Negro Mela! ¡Vayan a
buscarlo!». Su primera presentación fue, en junio de 1953, en el Club
Defensores de Santos Lugares, allí le informaron que tenía un mes de prueba.
Pasó el mes y permaneció con Pugliese durante veinte años, hasta 1973. En 1959,
viajó en una gira, de casi cinco meses, a Rusia, China, Pakistán, Afganistán,
Mongolia, París, Lisboa. Habían partido de Buenos Aires en agosto y volvieron
el 30 de diciembre. Luego fue presentador en el Boliche de Rotundo, propiedad
de Francisco Rotundo, en el barrio de Villa Luro, también de Donato Racciatti y
en otras casas de tango. Finalmente, se jubiló y fue gestor de trámites de automotores.
Además de presentador en la orquesta de Pugliese, fue también su representante.
La enciclopedia digital Encarta cumple 13 años de presencia en el mercado y
vuelve a renovar sus contenidos con la edición 2007 que ofrecerá a finales del
mes de agosto, informaron fuentes de Microsoft. Se trata de una de las
enciclopedias digitales más populares del mundo y que cuenta con una versión en
Internet tanto gratuita como de pago. Encarta ofrece 42.000 artículos sobre
cualquier tema con vínculos de información relacionada y actualizaciones
automáticas. La edición 2007 cuenta con una nueva función interactiva de audio
y vídeo para dinamizar las consultas a través de 230 vídeos, 2.700 archivos de
sonido y 21.600 imágenes. También aporta una nueva barra de búsqueda por
categorías y visitas virtuales, desde el Everest a las ruinas de Pompeya. Los
niños entre 7 y 12 años pueden acceder a una enciclopedia especial para ellos
con un lenguaje sencillo y numerosas imágenes e iconos para estimular la
exploración. Un diccionario de la real academia española y un diccionario
biling~e, así como un asistente para Internet y mapas geopolíticos, climáticos
y topográficos, completan la oferta 2007.
Samsung ha lanzado hoy el SGH-P200, el primer móvil UMA (Unlicensed Mobile
Access) del mundo. La tecnología UMA permite además de la conexión a las redes
móviles tradicionales, la conexión a redes IP. Gracias a ello, este Samsung puede
conectarse a redes GSM, GPRS, EDGE y redes WiFi. Hasta ahora, los móviles WiFi
sólo eran útiles gracias a los puntos de acceso que nos pudieramos ir
encontrando. Pero con el SGH-P200, allí donde no haya Internet, el móvil
seguirá siendo útil cómo un móvil tradicional. En cuanto a sus características,
dispone de cámara con flash de 1.3 megapíxeles, pantalla de 176 x 220 pulgadas,
MP3, MPEG4, USB, 80 MB de memoria interna y 95 g de peso.De momento, el primer mercado en el que se ha
puesto a la venta es el italiano. Se espera que en breve llegue al resto de
Europa.
Un grupo de programadores se reúne regularmente para uscar la manera de
promover el uso masivo del software libre en Nicaragua, utilizar parte de su
código, modificarlo según sus necesidades y reducir costos de inversión La idea
de utilizar otros software que no fueron desarrollados por empresas como la
Microsoft no surgió de los programadores nicaragüenses. Pero eso es lo que
menos importa si se toma en cuenta que de implementarse esta idea en el país,
podrían obtenerse muchos beneficios no sólo en lo económico sino también en lo
tecnológico. Desde hace algunos meses, un grupo de programadores se reúne
regularmente para buscar la manera de promover el uso masivo del software libre
en el país, que consiste, según Ramón Flores, administrador de servidor de la
Asociación Internet Nicaragua (AIN), en “abrir un software y utilizar parte de
su código para modificarlo según tus necesidades”. Esta alternativa, que a
muchos les parecerá reciente, tiene años de estar implementándose en algunos
países de la Unión Europea. También se
conoce que otros países como Brasil y Venezuela comenzaron a hacerlo. En el
caso de Nicaragua, ciertos organismos no gubernamentales y particulares están
utilizándolo, pero se desconoce cuántos lo hacen. Pero los programadores nicas
que son parte de asociaciones como el Comité Nicaragüense en pro de una
Sociedad de la Información para Todos (Coniprosit) están analizando la
posibilidad de hacer un estudio para obtener esta información. La información
que sí conocen, según ellos, es que es necesario que se prolifere la práctica
del software libre en Nicaragua, porque con la ratificación del Tratado de
Libre Comercio con Centroamérica, República Dominicana y Estados Unidos
(DR-Cafta), el Estado y el sector privado tendrán que gastar más sólo en
licencias para utilizar los software desarrollados por empresas como la
Microsoft. Unos 20 a 20 millones de dólares por el pago de licencias, según los
expertos, podría disminuirse considerablemente si se recurre a la práctica del
software libre, ya que muchos programas pueden obtenerse sin necesidad de
gastar grandes sumas de dinero, pero esto todavía no se ha logrado debido a que
a muchos no les interesa el tema, por la sencilla razón que utilizan software
piratas. “Hay muchas entidades, inclusive, hasta del Gobierno, no tienen
licencias para utilizarlos, pero si se aplica la ley de derecho de autor y
hacen que todas las instituciones tengan que pagar para utilizarlo, se van a
dar cuenta de lo que esto significa”, afirmó Flores. Bayardo Rivas, uno de los
promotores del uso del software libre, explicó que este tema debe verse más
allá de los licenciamientos de los programas como una filosofía que permitirá
compartir el conocimiento. “Los programas deben ser de uso público, tiene que
ver con la necesidad de que pueblos como los nuestros aprendan esas
herramientas y las utilicen para desarrollarse”, afirmó Rivas. Al respecto,
Jean Michael Maes, de la Alianza Francesa, de León, dijo que este tema podría
verse desde una manera más pragmática. “Si una empresa privada desarrolla un
programa, por lo general lo hace para ganar dinero y para que ese programa no
se pueda abrir o cambiar sus códigos. Si el mercado lo demanda, hacen otra
variante del mismo programa e igual lo venden, mientras que con el (software)
libre la diferencia está en que si una universidad lo produce, el interés de ésta,
más que venderlo es darlo a conocer, entonces está la posibilidad de utilizarlo
sin necesidad de comprarlo”, expresó Maes. Agregó que con esta iniciativa se
corre el riesgo de que los programas elaborados bajo esta modalidad sean
tomados por “alguien que decide agregarle algo y venderlos como propio”, pero a
pesar de este riesgo vale la pena intentar
Antonio Tarragó Ros
El Chamamé es una música típica de nuestro país, con epicentro en
Corrientes, su influencia llega a Chaco, Santa Fe, Entre Ríos, Misiones y
Formosa. De todas las provincias adyacentes a Corrientes, Chaco es la que le
sigue en importancia en la dispersión del Chámame. El éxodo de correntinos a
los algodonales chaqueños en busca de trabajo provocó un desplazamiento hacia
el oeste del área del Chámame. Su historia trasciende el tiempo y el espacio.
En su origen se integran los rasgos culturales del aborigen guaraní y del
descubridor español, conformando una síntesis acrisolada que dio nacimiento a
una forma musical nueva. El Chámame vive junto al hombre y la mujer amada, pues
le canta al amor y a la esperanza, a la virgen de Itatí y a los recuerdos
nostálgicos del ayer vivido. Hay documentación que demuestra que esta música ya
existía cuando llegaron las misiones jesuíticas a Yapeyú. Podemos remontarnos
al siglo XVII en el nordeste correntino a orillas del río Uruguay.
Chango Spasiuk
Allí
tuvieron su asentamiento las raíces étnicas de la raza guaraní fuertemente
influenciadas por las corrientes jesuíticas del año 1600, fundando las primeras
reducciones. Los aborígenes poseían música propia y además fabricaban
instrumentos rudimentarios para acompañar sus danzas rituales. Algunos de sus
instrumentos se perdieron a través del tiempo, tal como la Congoera (flauta
grande hecha con hueso), Tumrú (trompeta fabricada con caña),
Mburé
(trompeta de tacuara), Mbaracá (especie de guitarra cuya
caja era de calabaza y tenía cinco cuerdas), Guatapú (bocina para
atraer a los peces), Mimby (flauta de caña similar a la
quena). También contaban con otro instrumento que se trataba de una caja de
madera con agujeros a la que se le insuflaba viento por un sistema de fuelle
manual similar al usado en la fragua, elemento este introducido por los
jesuitas. Los sonidos de dicho instrumento se lograban tapando y destapando con
los dedos los agujeros de la caja, similar a la digitación que actualmente se
realiza con los botones del acordeón. Por supuesto que en sus orígenes no habrá
sonado como hoy en día que ha recibido tantos aportes, pero si en su esencia.
Ya después, en la época de la colonia las damas de la sociedad aprendían a
bailar Chámame con maestros indios, solo que como era imposible hacer saber que
los indios fueran capaces de enseñar algo a los conquistadores, en los
documentos de la época les cambiaron los nombres. Su formación musical actual
hay que ubicarla hacia 1870, cuando el acordeón de dos hileras de cantos y ocho
bajos, conocido popularmente como verdulera, llegó a Corrientes de la
mano de los inmigrantes europeos. Y así, en combinación con la voz, el
bandoneón, el contrabajo y las guitarras, terminaron por definir el sonido de
esta música argentina.
Los Alonsitos
Algunos sostienen que Chámame es un vocablo de origen paraguayo que
significa “cualquier cosa" o "cosa hecha como quiera que venga".
Hay otras acepciones como estas: che aimé ámame (yo estoy en la
lluvia), che memé (siempre yo), che ámame (a mi amada), che
amó ámeme (doy reparo a menudo). La primera pieza inscripta como
chámame en SADAIC data de 1930, Sus autores eran Diego Novillo Quiroga y
Francisco Pracánico, se trata del tema Corrientes Poty (Flor de
Corrientes), aparecido en un disco del cantante Samuel Aguayo. La
creación del nuevo rótulo obedecía al deseo de RCA Víctor de congraciarse con
el público correntino, principal comprador de sus discos. Varios intérpretes
del género correntino iniciaron hacia 1942 un movimiento para cambiarle el
nombre, sin lograr un consenso. En 1944 Osvaldo Sosa Cordero y sus correntinos
lo denominaron Música campera. Pedro Sánchez, del trío Taraguí
lo bautizó Letanía. Otros lo han denominado Litoraleña o Música
del litoral Existen varios tipos de Chámame: el Chámame Maceta, de ritmo
vivo para bailar, Chámame Caté (elegante, en lengua guaraní), Chámame
Orillero, en el que se notan las influencias del Tango, Chámame
Canción, de tónica sentimental conocido como Chámame Ganci o Chámame
Triste;
Tránsito Cocomarola
Chámame Kireí, de ritmo vibrante; Chámame Changüí, de ritmo
lento ideal para la conquista amorosa; el Rasguido Doble, es una danza de
melodía cadenciosa y el Valseado, que es una danza de pareja
enlazada. Hasta los 70 en la periferia capitalina se bailaba Chámame en bailantas
populares pero poco a poco fueron reemplazados por los ritmos cumbieros
locales. No hay que olvidar cierta sacralización del Chámame por parte de
autores, periodistas y músicos que incorporaron cierta solemnidad que provocó
la huída de los sectores populares aunque en peñas, clubes folclóricos,
teatros, fiestas patrias, programas radiales y disquerías el Chámame nunca dejó
de estar. No necesariamente debe cantarse en guaraní o en castellano, también
se lo hace, y muy bien, en portugués. No es preciso limitarse a los
instrumentos clásicos, también se escuchan versiones excelentes con percusión,
saxo o trombón. La música, como el idioma y la literatura, es una cosa viva y
dinámica, en constante movimiento y evolución. Y el chámame no escapa a esa
regla de oro.
Un hombre llamado Donald Eugene Miller, de Ohio, EE.UU., fue declarado
muerto por un juez del condado, cuando se presentó en el tribunal, vivito y
coleando, a que le revocaran la condición de ¨legalmente muerto¨ que pesa sobre
él desde el año 94. Es que en Ohio, existe un límite de tres años para
denunciar un falso acta de defunción. Y, según consideró el juez, Miller se
excedió 16 años en presentar su reclamo. No es que el juez está loco, la
historia es un poco más complicada: Según indica su ex mujer, Miller
desapareció en el 86 debiendo plata de manutención, y ella sólo podía acceder a
los beneficios sociales necesarios para mantener a sus hijos si su marido era
considerado muerto a los ojos de la ley. Después de ocho años, un juez le dio
la razón. El problema es que, ahora que Miller apareció, tampoco puede recibir
ayuda del estado mientras la ley lo considere difunto. Así que, al parecer,
deberá ponerse a buscar trabajo.
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