Literatura y Música - Christina Rossetti en canciones

 

 

El 5 de diciembre de 1830, Christina Georgina Rossetti nació en Londres, hija de Gabriele Rossetti, un católico romano no practicante y estudioso de Dante exiliado de Italia, y la institutriz mitad italiana, mitad inglesa Frances Polidori Rossetti. Rossetti y sus hermanos mayores, Maria Francesca, William Michael y Gabriel Dante, fueron educados en casa por su madre; estaban inmersos en la Biblia y la literatura, así como en el idioma italiano.

Su hogar se convirtió en un refugio para los expatriados italianos, las guerras por la unificación los expulsaron de su tierra natal. Creció leyendo a los románticos, así como cuentos como “Las mil y una noches”. Más tarde también se familiarizaría con las “Confesiones” de San Agustín y la “Imitación de Cristo”, de Tomás de Kempis, y estudiaría a Platón, Dante, Aquino, George Herbert y William Blake, así como a los teólogos contemporáneos John Keble, John Henry Newman, Isaac Williams y Edward Pusey.

Mientras el pintor prerrafaelita William Holman Hunt trabajaba en “La luz del mundo” (1851-1854), su representación de Jesús llamando a una puerta cubierta de parras, encontró una modelo quizás improbable para el rostro de Cristo: Christina Rossetti, hermana de su colega prerrafaelita Dante Gabriel. Hunt admiraba su seriedad y dulzura de expresión, y por ello consideraba a esta joven perfecta para transmitir la dulce persistencia del Salvador en la puerta del corazón humano. De hecho, esta seriedad y dulzura marcarían la propia fe de Christina Rossetti, así como su poesía.

Los poemas de Rossetti cautivan por su vibrante imaginería, la profundidad de sus sentimientos y su fina factura. Sus sonetos son tan conmovedores en su amor melancólico como los de Elizabeth Barrett Browning en su amor extático y pleno. Era experta en verso dramático, interpretando a diferentes personajes, a la vez que escribía poemas personales, profundamente íntimos y espirituales: “Goblin Market”, “Up-hill”, “Song” (“When I am dead, my dearest”), “A Birthday”, “A Better Resurrection” y muchos sonetos entrañables como “Remember me when I am gone away”, “I lov'd you first: but after your love” y “Many in aftertimes will say of you”. Varios de sus villancicos han entrado en la himnodia inglesa, siendo el más famoso “In the Bleak Midwinter”, pero también “Love Came Down at Christmas”.

En 1891, Rossetti desarrolló cáncer, del cual murió en Londres el 29 de diciembre de 1894. William Michael editó sus obras completas en 1904.

La poesía de Rossetti nunca ha desaparecido de la vista. El interés crítico en la poesía de Rossetti creció en las décadas finales del siglo XX, un resurgimiento impulsado en gran medida por el surgimiento de la crítica feminista; gran parte de este comentario se centra en cuestiones de género en su poesía y en Rossetti como poeta mujer. En vida de Rossetti, la opinión estaba dividida sobre si ella o Elizabeth Barrett Browning era la poeta más grande de la época; en cualquier caso, después de la muerte de Browning en 1861, lectores y críticos vieron a Rossetti como la legítima sucesora de la poeta mayor.

Christina Rossetti fue la voz más pura y melancólica del movimiento prerrafaelista, marcando la literatura victoriana con una obsesión única por la muerte, el amor perdido y la devoción religiosa. Esa sensibilidad tan cargada de atmósfera y ritmo natural convirtió sus versos en un imán para músicos de todos los estilos, desde la Música de Cámara hasta el Pop más vanguardista. La transición de su métrica perfecta al mundo del sonido fue inmediata, permitiendo que poemas como “In the Bleak Midwinter” se transformaran en himnos eternos o piezas electrónicas oscuras. Hoy, esa herencia sigue viva en artistas que encuentran en su poética el refugio ideal para explorar la fragilidad humana a través de la música.

• “In The Bleak Midwinter” - The Choirboys: La canción presenta un clima solemne y recogido que remite al invierno como símbolo de desolación y espera. La música enfatiza la quietud y el frío como marco espiritual del nacimiento de Cristo. Las voces corales crean una sensación de comunidad y reverencia. El tono es contenido, sin triunfalismo, centrado en la humildad del acontecimiento. La armonía transmite paz, pero también una melancolía suave. El contraste entre la pobreza del entorno y la grandeza del misterio es central. La interpretación resalta la sencillez como valor espiritual. El ritmo lento invita a la contemplación más que a la celebración. Se percibe una atmósfera de silencio, nieve y recogimiento interior. La pieza funciona como una meditación musical sobre fe, fragilidad y esperanza.

• “Promises Like Pie-Crust” - Carla Bruni: Es una adaptación fiel del poema homónimo de Christina Rossetti, donde la música subraya la fragilidad de los vínculos. Con un estilo Folk minimalista y una voz susurrada, Bruni logra transmitir la advertencia de la poeta sobre no hacer promesas que se rompen fácilmente. La canción destaca por su honestidad emocional, planteando que es preferible mantener una amistad libre que un amor basado en compromisos falsos. La instrumentación se centra en una guitarra acústica melancólica que respeta la métrica victoriana, dándole un aire de sofisticación y madurez. Es un himno a la autonomía femenina, donde la protagonista elige proteger su paz mental antes que entregarse a una relación llena de incertidumbre. La obra une dos épocas distintas bajo un mismo sentimiento: la idea de que la libertad personal es mucho más valiosa que cualquier palabra empeñada.

• “Song For Christina” - The Green Pajamas: Es un tributo directo a Rossetti, donde Jeff Kelly expresa su fascinación casi obsesiva por la figura y la obra de la poeta. La canción utiliza una atmósfera de Rock Psicodélico y barroco para evocar la estética visual de las pinturas prerrafaelitas que rodeaban a Rossetti. A través de la letra, se establece una conexión espiritual entre el músico moderno y la autora, retratándola como una musa eterna y misteriosa. La melodía melancólica y el uso de instrumentos acústicos refuerzan la sensación de nostalgia por una era de belleza trágica y devoción romántica. El tema logra capturar la esencia de la “reclusa de Londres”, celebrando su genio literario como una fuerza que sigue viva a pesar de los siglos.

• “In The Bleak Midwinter” - Daniel Thomas Freeman: Es una pieza instrumental de clima frío, lento y contemplativo. La música evoca un paisaje invernal despojado, con una sensación de quietud y recogimiento. Predomina una melancolía serena, casi sagrada, sin desarrollo dramático. El tempo pausado sugiere humildad, silencio y espera. La música subraya la fragilidad del mundo material frente a la grandeza del misterio divino. El tono es contemplativo y contenido, más cercano al silencio que al triunfo. La sencillez melódica refuerza la idea de humildad y entrega. La obra toma como referencia el poema homónimo de Rosetti y traduce su atmósfera espiritual al plano sonoro.

• “Who Has Seen the Wind?” - The Simon Sisters: Es una armonía vocal de dos voces femeninas (Lucy y Carly Simon), muy dulce y clara, que cantan el poema casi como si fuera una canción de cuna, acompañadas por una instrumentación suave y simple. No tiene percusión, no tiene sintetizadores; es música minimalista. La melodía es muy pegadiza y respeta la métrica corta de los versos de Rossetti, haciendo que el texto sea el protagonista total. Se nota mucho la influencia de la música Folk de la época, con ese sonido limpio y directo, sin efectos de estudio ni ecos raros. La canción es corta y termina de forma abrupta, igual que el poema, dejando esa sensación de que el viento pasó y se fue.

• “The Wind” · The Goblin Market: La canción es una pieza de folk oscuro que utiliza los versos originales del poema de Rossetti para narrar la tentación de las hermanas Laura y Lizzie. La música crea una atmósfera inquietante y repetitiva que imita el acoso de los duendes y el peligro de probar sus frutas prohibidas. La interpretación vocal resalta la urgencia y el misterio del texto, transformando el poema en una especie de cuento de hadas gótico y sonoro.

• “No Thank You, John” - Ace: La versión de Ace es puro Pop electrónico con sintetizadores y un beat constante. La canción convierte el rechazo de Rossetti en una pieza bailable y sintética que busca un sonido moderno, artificial y totalmente comercial. Es una interpretación que usa bases programadas y teclados para darle a los versos victorianos una energía de club nocturno muy marcada. La voz suena sobre una producción digital que prioriza el ritmo popero por encima de la solemnidad literaria que suele tener la autora. El tono es claro, decidido y sin sentimentalismo, afirmando su derecho a decir no. La música acompaña con sobriedad esa actitud de dignidad y autonomía. No hay drama ni súplica, solo una negativa lúcida y respetuosa. La letra reproduce su poema y su defensa temprana de la independencia femenina.

• “When I Am Dead” - Bear McCreary: Es una pieza de tono fúnebre y contemplativo que reflexiona sobre la muerte sin miedo ni grandilocuencia. La música transmite calma, aceptación y una serenidad casi estoica ante el final. Predomina una sensación de desapego del mundo y de reposo definitivo. La canción es una pieza orquestal y dramática donde McCreary despliega toda su potencia como compositor de bandas sonoras. La música empieza con un piano lúgubre y va sumando cuerdas que generan una atmósfera de funeral épico, capturando la esencia de la despedida final que escribió Rossetti. La interpretación vocal es solemne y cargada de una angustia contenida que explota a medida que la instrumentación se vuelve más densa y cinematográfica. La obra se basa en el poema de Rosetti “When I am Dead, My Dearest”, del que toma el espíritu de renuncia y paz ante la muerte.

• “Birthday Boy” - Pet Shop Boys: Es un cruce sombrío entre el Pop electrónico y la música sacra que utiliza como columna vertebral el himno “In the Bleak Midwinter”. La canción se construye sobre un sample real del coro del Clare College de Cambridge, fusionando la lírica religiosa de Rossetti con una historia urbana de violencia y soledad escrita por Neil Tennant. Johnny Marr aporta una guitarra eléctrica rítmica y melancólica que se aleja del sonido sintético habitual del grupo para darle una textura más orgánica y cruda. La estructura no sigue el patrón típico de un hit de radio, sino que se desarrolla como una pieza atmosférica densa de más de seis minutos de duración. El contraste final es brutal: las voces angelicales del coro se funden con una base electrónica pesada, creando un clima de angustia gótica y modernidad. Es la versión más ambiciosa de este poema, donde el frío invierno de Rossetti se traslada a la frialdad de un callejón moderno en un cumpleaños trágico.

• “Clouds” - Stark Reality: Esta versión de 1970 es una mezcla increíble de Jazz-Funk psicodélico y Rock experimental que rompe cualquier molde clásico de la poesía victoriana. La banda utiliza un vibráfono distorsionado y una base de batería súper pesada que le da al poema de Rossetti una onda urbana, sucia y llena de groove. La voz de Monty Stark suena casi arrastrada y misteriosa, transformando la observación de las nubes en un viaje ácido y lisérgico que parece salido de un dibujo animado deforme. Es parte del proyecto donde musicalizaron poemas para un programa de televisión infantil, pero el resultado terminó siendo una obra de culto para los coleccionistas de rarezas. A diferencia de las versiones solemnes, aquí se siente una energía caótica donde la improvisación del Jazz se apodera de la métrica original de los versos. Logran que el texto de Christina se sienta como una pieza de vanguardia adelantada a su tiempo, donde la distorsión y el ritmo Funk mandan por sobre la melodía.

• “In the Bleak Midwinter” - Silkworm: Presenta el himno tradicional con un enfoque austero y sobrio. La música mantiene un clima frío, contenido y casi minimalista. La interpretación evita el sentimentalismo y privilegia una emoción seca y directa. El tempo lento refuerza la sensación de quietud invernal. Se percibe una melancolía serena, sin grandilocuencia. El canto sugiere humildad y despojo. La estructura simple deja que el clima pese más que el ornamento. La emoción surge de la contención, no del dramatismo. El texto original proviene del poema “In the Bleak Midwinter”, que Silkworm traduce a un lenguaje sonoro sobrio y moderno.

• “A Wish” - Hexperos: La canción es una pieza de Dark Wave neoclásico donde la voz de Alessandra Santovito se funde con un arpa y un violonchelo para crear un clima de ensueño. Esta versión captura la esencia del poema sobre el deseo de paz y retiro espiritual, dándole una sonoridad que parece salida de un bosque antiguo y neblinoso. La instrumentación es delicada y minimalista, permitiendo que cada palabra del texto original de Christina se escuche con una claridad casi religiosa y muy pura. A diferencia de otras adaptaciones más modernas, Hexperos busca una estética prerrafaelita que visualmente y musicalmente encaja perfecto con la época de la autora. La atmósfera es de una quietud absoluta, logrando que el “deseo” del título se sienta como un suspiro largo y cargado de una tristeza muy elegante y contenida. Es una de las interpretaciones más fieles al espíritu romántico de la poeta, transformando el papel en una experiencia auditiva etérea, mística y profundamente femenina.

• “Colour” - The Long Lost: Es un tema de electrónica/indie con una atmósfera tranquila y repetitiva, parte del álbum homónimo publicado en 2009. La canción juega con sonidos ambientales y vocales suaves que se mezclan con elementos electrónicos orgánicos. La letra (en partes) explora los colores básicos y sus asociaciones –rosa, rojo, azul, blanco, amarillo, verde– de forma casi didáctica o contemplativa. La música tiene un pulso relajado, generando un flujo calmado y reflexivo. Su textura sonora puede sentirse como un collage de sonidos electrónicos ligeros y voces tratadas. El tono general de la pieza es contemplativo y evocador más que dramático. Esta canción invita a una experiencia sensorial centrada en la percepción del color y sonido, más que en una historia narrativa concreta.

• “When I am dead, my dearest” - John Ireland: Es una “art song” o canción de cámara británica compuesta originalmente para piano y voz, con una estructura puramente clásica y académica. El piano no hace un rasgueo ni un beat, sino que toca acordes pausados y melancólicos que subrayan el peso emocional de cada verso del poema. La voz es de estilo lírico, con un vibrato marcado y una técnica de conservatorio que busca la perfección técnica. A diferencia de las versiones modernas, acá no hay estribillos pegadizos ni ritmos bailables; es una obra seria que se toma el tiempo para dejar silencios dramáticos. John Ireland logra capturar esa tristeza sobria de Rossetti, haciendo que el pedido de “no plantar rosas ni cipreses” suene como una voluntad final muy solemne. Es una interpretación desnuda y elegante que pertenece al mundo de la música culta inglesa, enfocada en la armonía del piano y la expresión vocal pura.

• “My heart is like a singing bird” - Hubert Parry: Es una pieza clásica de 1887 donde el piano y la voz se unen para celebrar el poema titulado “A Birthday”. El acompañamiento del piano es rápido y ágil, buscando imitar el movimiento de un pájaro y la alegría de un corazón enamorado. A diferencia de la melancolía de otros temas, acá la música es brillante, enérgica y tiene un tono de celebración absoluta. La melodía vocal sube y baja con mucha fluidez, capturando esa sensación de abundancia y color que describe la letra de Rossetti. Es una obra puramente victoriana que evita cualquier rastro de tristeza, enfocándose en la luz y en el estallido emocional del encuentro. Toda la composición está diseñada para sonar como un himno de felicidad, usando un ritmo constante que no se detiene ni un segundo.

• “In The Bleak Midwinter” - Cyndi Lauper: Es una interpretación íntima y contenida del Villancico basado en el poema de Christina Rossetti. Su voz frágil y ligeramente quebrada acentúa la vulnerabilidad y la tristeza suave del texto. El arreglo es minimalista, casi etéreo, con un clima de recogimiento más que de celebración. La atmósfera transmite frío, silencio y una espiritualidad melancólica. No hay grandilocuencia coral, sino una cercanía casi confesional. La interpretación pone el foco en la humildad del nacimiento y no en el júbilo. La emoción surge desde la delicadeza y no desde la potencia vocal. El tempo lento refuerza la sensación de tiempo suspendido. La canción se vuelve más contemplativa que litúrgica. La letra, tomada directamente del poema de Christina Rossetti, conserva su tono de devoción serena y resignación luminosa.

• “The Legacy” - Impressions Of Winter: Es una pieza de Neofolk marcial que se apoya en un ritmo de tambores militares constantes y solemnes. La instrumentación principal es un piano melancólico que repite una melodía triste sobre el golpe de la percusión. Se escuchan arreglos de cuerdas, como violonchelos, que le dan ese aire de banda sonora de época o de funeral antiguo. La voz masculina cantando los versos con una sobriedad absoluta, casi como si estuviera recitando un discurso. A diferencia de otras versiones, acá hay un ambiente de guerra y frío que encaja perfecto con el nombre de la banda y el tono del poema. No hay guitarras eléctricas ni ruidos modernos, es un sonido acústico oscuro que busca sonar histórico y grandioso al mismo tiempo.

• “She Sat and Sang Always” - Samuel Coleridge-Taylor: La composición es una pieza para voz y piano que se destaca por una melodía vocal muy fluida y cargada de una nostalgia elegante. El piano acompaña con un arpegio constante y delicado que imita el fluir del agua o el murmullo de alguien que canta para sí mismo. A diferencia de otras versiones más dramáticas, Coleridge-Taylor busca una belleza melancólica que no llega a ser oscura, sino más bien contemplativa. La voz debe ser expresiva y suave, capturando la imagen de la mujer que canta mientras la vida y el tiempo pasan a su alrededor. Es una obra que respeta profundamente la métrica de Christina Rossetti, haciendo que la música parezca nacer naturalmente de las palabras del poema. Logra una atmósfera de ensueño victoriano donde la simplicidad de la estructura resalta la pureza del sentimiento de soledad y paz que describe el texto.

• “Where the Lilies Fade” - Gothica: Es una canción de tono evocador y oscuro que combina elementos góticos con melodías melancólicas. La letra explora temas de pérdida, memoria y belleza efímera, usando algunas imágenes florales como símbolos de lo transitorio. La música crea una atmósfera introspectiva, con un pulso sostenido que refuerza la tristeza contenida del discurso lírico. El uso de flores –especialmente lirios– sugiere una mirada hacia la fugacidad de la vida y la muerte. Se logró transformar el poema de Rossetti en una elegía gótica donde la belleza de los lirios se funde con una sensación de muerte y olvido. Es una de las adaptaciones más lúgubres que existen, alejándose de cualquier rastro de dulzura para enfocarse en la parte más trágica del texto. La música se mueve de forma lenta y envolvente, creando una experiencia auditiva que es puramente ambiental y profundamente triste.

• “In The Bleak Midwinter” - Bert Jansch: Esta versión de Bert Jansch presenta una interpretación acústica íntima del himno navideño clásico. El arreglo es sobrio, centrado en la guitarra de Jansch, con una línea vocal suave y meditativa. Su forma musical transmite quietud, introspección y una sensación de recogimiento invernal. El tempo lento y la armonía mínima refuerzan una contemplación tranquila más que un júbilo festivo. La pieza parece evocar la soledad y la simplicidad del paisaje descrito en el texto. Hay un uso delicado de resonancias abiertas en la guitarra, dando sensación de espacio y silencio. Jansch no busca dramatizar la escena, sino encapsularla en un momento suspendido. La letra promueve humildad, paz y reverencia.

 

 

Fuentes:

 

• Acton.org

• Poetryfoundation.org