Demasiadas Noches

Rumba Flamenca

2011-09-02T12:02:00.004-03:00

Algunos aficionados se resisten a considerar a la Rumba dentro del árbol de los géneros flamencos, aunque han sido mucho los intérpretes que han cultivado este género, que comparte con Bulerías y Tangos el trono de los cantes festeros. La Rumba Flamenca es heredera directa de la Guaracha cubana que se comenzó a realizar a finales del Siglo XIX en el teatro vernáculo habanero. Algunos cantaores flamencos viajaron a Cuba y trajeron consigo unas rumbitas que adaptaron a su forma de cantar, aflamencándolas e integrándolas a su repertorio. La Rumba Flamenca es cantada sólo por grupos que se acompañan con guitarras, palmas y percusiones. Dentro de su desarrollo hay una primera época en la que los elementos de la variante flamenca fueron cobrando personalidad en las interpretaciones de La Chelito, Rosario Soler, María la Cubana o Flory y Marta Oliver, entre otras. Su definitivo aflamencamiento comenzó en los cafés cantantes de Cádiz, Sevilla y Madrid al cultivarla cantaores como La Niña de los Peines, José Ortega, Bernardo de los Lobitos, Manuel Vallejo o Pepe de la Matrona. Una gran explosión de Rumbas Flamencas llegó con la entrada en cartelera de los creadores catalanes de finales de los 50 y durante los 60. Por ello se ha creído que la Rumba Flamenca tiene su origen en Cataluña. Se cultivó especialmente entre los gitanos del barrio de Somorrostro, en Barcelona, quienes hacia 1957 encontraron en este género el soporte musical idóneo para expresar sus flamenquerías. El Pecaílla, marido de Lola Flores, supo imprimir un acento especial a la Rumba Flamenca creando un estilo del que han bebido gran parte de los artistas rumberos que vinieron después, tanto en Cataluña como en el resto de España e incluso Francia. La versión alegre, y muy flamenca a la vez que creó el Pescaílla con peculiar estilo, se ha mantenido en el tiempo y dotó al género de una personalidad de la que antes carecía. Como contrapunto a ese estilo desenfadado apareció una figura de gran relevancia: Miguel Vargas Jiménez, Bambino, quien cultivó una singular forma de interpretar la Rumba flamenca, dotándola de un carácter dramático del que hasta su llegada carecía. Ya en la década de los 70, Los Amaya, Los Chichos, Dolores Vargas, Los Changuitos o Manzanita, se destacaron por sus Rumbas, con arreglos más cercanos del Pop internacional que de la guitarra, palmas y voz de la década anterior. La Rumba se renovó en los años 80 de la mano de Paco de Lucía y Camarón de la Isla, quienes aportaron formas más cercanas al Son cubano y a la vez más flamencas. Curiosamente, el grupo francés Gipsy Kings, popularizó mundialmente a la Rumba flamenca, con un estilo entre el de Peret y las nuevas generaciones salseras, movimiento que provocó la aparición en España de grupos como Los Manolos. Otras agrupaciones como Azúcar Moreno, Los del Río o Antonio Carbonell desarrollaron un estilo que podría llamarse Rumba erótica. Ya en los 90 el grupo Ketama compuso Rumbas con instrumentación salsera y acentos y melodías aflamencadas.

Math Rock

2011-05-27T21:54:00.006-03:00

Con el nombre genérico de Math Rock se conoce a un estilo surgido junto con el Post Rock a finales de la década del 80 en la misma escena underground norteamericana. Ambos géneros utilizan instrumentos propios del Rock, pero incorporando melodías, armonías, ritmos y progresiones armónicas que no se encuentran dentro de su tradición histórica. En sus inicios combinaron Rock pesado con muchas guitarras, con el poder rítmico de las bandas de Trash Metal, y patrones matizados y repetitivos de mediados de los 70 y el sonido de King Krimson de mediados de los 80. La principal característica del Math Rock se decanta en el uso extensivo de acordes asimétricos, con tiempos irregulares o fraccionados, con pausas inesperadas. Este estilo podía entonces considerarse “matemático” en cuanto a que prescinde de los ritmos uniformemente divididos de la mayoría del Rock. A pesar de ser un tipo de Rock guiado más por las guitarras, también se vale mucho de la habilidad de los bateristas, quienes son verdaderos acróbatas en las percusiones. La voz por lo general no es muy relevante, simplemente es utilizada como un sonido más en las mezclas, y muchas veces es grabada a menor volumen, escuchándose poco o casi nada. La mayoría de los grupos prescindieron de los tradicionales versos y coros, usando líricas compuestas aparentemente de metáforas al azar e imágenes carentes de algún impulso narrativo. Es común encontrar guitarristas que usan el tapping, lo que produce un sonido extraño, y pedales que crean efectos parecidos a máquinas, como en el caso de The Battles. Hay quienes atribuyen el nombre del género a Matt Sweeney, vocalista de la banda Chavez, quien afirma que un amigo suyo le puso así al tipo de música que tocaba en una banda anterior cuando sacó su calculadora y bromeó sobre estar calculando qué tan buena era la canción que tocaban en ese momento. La cuestión es que la etiqueta Math Rock perduró por tratarse de una forma de hacer Rock con métricas infrecuentes. La banda Punk canadiense Nomeansno es citada por la crítica como una de las primeras influencias del Math Rock. Nomeansno se adelantó una década en el desarrollo del género, combinando la energía del Punk con cambios drásticos del tempo y la estructura musical, convirtiendo a “Wrong” en un álbum de referencia. En los años 90, un estilo más pesado y rítmicamente complejo creció en la escena Noise Rock de Chicago y otras ciudades del Medio Oeste, con grupos influyentes llegados desde Japón y el sur de California. Estos grupos compartieron influencias cercanas a compositores del Siglo XX como Igor Stravinsky, John Cage y Steve Reich, así como un enfoque del Jazz libre caótico de Naked City, de Jhon Zorn, por lo que los críticos lo incluyeron dentro del Math. A mediados de la primera década del Siglo XXI muchas bandas de Math Rock han disfrutado de una popularidad renovada. Slint y Chavez emprendieron giras de reencuentro, mientras Shellack grabó un disco luego de siete años. Don Caballero se reunió con una nueva formación y grabaron un álbum en 2006, mientras algunos de sus miembros originales emprendieron nuevos proyectos.

Rock Peruano

2011-05-27T21:30:00.004-03:00

El Rock & Roll llegó a Perú el 15 de septiembre de 1955 con la presentación del film Blackboard Jungle en el cual se ejecutaba el tema "Rock around the clock" de Bill Haley y sus Cometas. El impacto del film en la juventud fue impresionante, ya que suscitó una identificación inmediata en los jóvenes. Los Millonarios del Jazz, considerados los primeros en el Rock peruano, lanzaron en 1957 el disco Rock and Roll, cantado en inglés, donde destaca el tema "Rock with us". Para fines de esta década aparición la figura de Jorge Botteri. A inicios de la decada de los 60 empezaría una movida muy fuerte y la aparición de muchas bandas, en Miraflores se surgieron bandas como Los Kreps, Los Sunset, Conjunto Astoria, Los Zodiac, Los Alfiles y Los Stars. En 1963 la banda proveniente del Callao llamada Los Incas Modernos editaron uno de los primeros álbumes de Rock peruano. En 1964, Los Saicos considerada una de las primeras bandas precursoras del Punk grabaron un disco con canciones propias y en español, ya que hasta ese momento sólo se utilizaba el inglés. Otras bandas importantes de la década fueron Los Shain's, formados en 1964, Los York's, quienes llegaron a grabar cuatro LPs, Los Texao con su tema "La pelea del gobernador" figuraron en el puesto 28 en la lista de los Billboards en EEUU en 1968. El movimiento siguió floreciendo hasta 1968 en que se instauró en Perú una dictadura militar encabezada por el General Juan Velasco Alvarado. Los argumentos centrales de su discurso remarcaban su carácter nacionalista y antiimperialista. Esto implicó una serie de medidas de rechazo a la penetración cultural yanqui en la que el rock se vio directamente afectado, ya que se consideraba un medio de alienación juvenil. En primer lugar se prohibieron los recitales, los medios de comunicación fueron confiscados y se dejó de transmitir Rock y la importación de equipos de sonido encareció con lo cual era casi imposible conseguir buenos equipos. La censura militar perduró hasta mediados de los 80. A pesar de todo algunas bandas lograron seguir adelante durante el periodo entre 1968 y 1972, como The St. Thomas Pepper Smelter y Pax, primera banda de Heavy Metal en Perú. El movimiento rockero tuvo un nuevo impulso al popularizarse el rock en español a partir de 1983 con Miguel Ríos y la incursión de Charly García y las bandas argentinas a partir de 1984. El fin del gobierno de Belaúnde y el comienzo del gobierno aprista marcaron el inicio de una nueva popularización del Rock peruano. Mediando la década, la crisis económica y el avance del terrorismo generó inestabilidad social por lo que las disqueras dejaron de producir Rock. Es ese contexto que se gesta el movimiento subterráneo, un grupo de jóvenes capitalinos que se sentían al margen del sistema y que querían experimentar cosas diferentes. Las bandas que aparecieron en ese momento como Narcosis, Guerrilla Urbana, Zcuela Cerrada, G-3, Leusemia, Autopsia, Éxodo, Kaoz, Eructo Maldonado, Voz Propia, Salón Dada, entre otras, no sólo manejaban criterios comunes, si no que además se conocían entre sí. Fueron los años en los cuales hubo mayor represión, muertes, encarcelamientos y locura que de alguna manera terminaron por acorralar también a los subterráneos. Ya en los 90 aparecieron muchas de las bandas que años mas tarde serian reconocidas a nivel nacional e internacional como Libido, Madre Matilda, Cementerio Club, Mar de Copas y La Liga del Sueño. Para inicios del nuevo milenio el Rock peruano llegó a todos los medios y es así como en 2000 los grupos más importantes empezaron a tener mucha difusión por cadenas internacionales como MTV o Ritmoson Latino. Las nuevas tendencias marcan la formación de bandas como Alerta Rocket (indie rock), Emergency Blanket (ganadora del People´s Music Awards en Londres), y Space Bee.

Alemanes del Volga

2011-05-27T19:08:00.005-03:00

A causa del gran desequilibrio sufrido en Europa en el Siglo XVIII, como consecuencia de las guerras, conflictos e invasiones, así como también la intolerancia religiosa entre católicos y protestantes, sumado a la mala situación económica, y a pesar de las prohibiciones del gobierno que intentaba retenerlos en el país, una parte considerable de la población de Alemania, que se dedicaban a la agricultura, sobre todo en las regiones de Hessen, Palatinado y Baviera, se vio obligada a emigrar a Rusia. En esa época gobernaba Catalina la Grande, que abrió las puertas para que los alemanes ocuparan la región del Volga que recientemente había conquistado. El primer contingente se instaló allí en 1764, y a pesar del entorno, conservaron su idiosincrasia. En 1874 el zar Alejandro II obligó a los campesinos alemanes a regirse por las leyes rusas, por lo que perderían su autonomía, sus costumbres y su lengua. También se veían obligados a adoptar el culto Ortodoxo ruso. Estas fueron las principales causas que impulsaron a los alemanes del Volga a realizar una segunda migración, pero esta vez hacia el continente americano, principalmente a EEUU, Canadá, Brasil y Argentina. La historia de la llegada de los alemanes del Volga a nuestro país comenzó en diciembre de 1877, con el arribo al puerto de Buenos Aires de ocho familias, que se instalaron en Azul (Buenos Aires). En Entre Ríos se radicaron principalmente en las fértiles tierras del departamento Diamante, pero luego se dispersaron por toda la provincia, dando orígenes a prósperas aldeas, pioneras en producciones agrícolas y ganaderas. En sus comunidades del Volga no tardaron en asomar la poesía y la música como natural y necesaria exteriorización de sus alegrías y de sus sentimientos. Los cantos, cuyas letras habían llevado desde Alemania, se fueron modificando a través de los años, de las aldeas y de las circunstancias. Al cantar, de pronto se olvidaban una parte del texto, entonces completaban la tonada con versos de otra canción que a veces no tenía nada que ver con la anterior. Pero en general, su música no sufrió por modas o por querer agregar algo nuevo. Quedó congelada del mismo modo que ellos las aprendieron y las cultivaron de generación en generación, porque en ella encontraron la forma de expresarse en medio de las dificultades por las que tuvieron que atravesar. Le cantan a la patria, al amor, a la amistad, a la naturaleza, al heroísmo, al lejano hogar ausente y las eternas despedidas. La gran alegría y el humor estaban presentes en las reuniones que se amenizaban con cantos, como tertulias, fiestas, casamientos y toda clase de encuentros ocasionales y reuniones. En sus creaciones había también textos picarescos y satíricos. Algo que aún hace un grupo de cantores en Crespo es juntarse el día de San Juan Bautista y visitan la casa de quienes se llaman Juan. Le cantan el Gloria con diversas estrofas de buenos deseos. Al final, el dueño de casa agradece con una botella de algún aperitivo o regalando chorizos. Los alemanes de la Alemania actual no entienden esta música porque nunca tuvieron las vivencias de sus compatriotas del Volga. Podemos decir que esta música es exclusiva de ellos, es como su sello de identidad.

Kaneka

2011-05-26T11:16:00.006-03:00

El archipiélago poco poblado de Nueva Caledonia es un territorio francés ubicado en el sudoeste del Océano Pacífico. En lengua local se la llama Kanaky y es apodada le Caillou (la piedra). Para los científicos es casi un milagro ambiental ya que la superficie de la isla principal está formada principalmente por hierro y níquel, una mezcla muy tóxica para la mayor parte de las plantas. Aún así, Nueva Caledonia tiene algunos de los bosques más exuberantes del Océano Pacífico. Los primeros pobladores se radicaron allí hace 3500 años y desde mediados del Siglo XIX en adelante, estos melanesios conocidos como Kanaks, fueron esclavizados viviendo bajo un sistema similar al Apartheid, marginados por los pobladores europeos. La cultura Kanak fue acallada, ignorada y oprimida. Sin embargo la juventud reclamó su música ancestral, un ritmo antiguo mezclado con la música moderna, formando una fusión del pasado y el presente para proyectar en el futuro su visión de Kanaky Libre. El Kaneka se desarrolló como un movimiento musical y artística en los años 80 luego de una investigación sostenida por músicos y artistas sobre su herencia ancestral. Este estilo alió ritmos tradicionales como el Aé Aé, el Chap y Bua, y cánticos de rituales locales, todo con una mixtura de instrumentos tradicionales y modernos. El ritmo del Kaneka recuerda mucho al Reggae. Entre los primeros grupos que se destacaron se encuentran Mexe, Mea Nebe, Waan y Vamaley. Estos grupos cantaban en lenguas autóctonas, un orgullo para las generaciones más jóvenes que pretendían defender su patrimonio musical.Basados en la investigación de musicólogos y consultando a los mayores de las aldeas, los grupos de Kaneka gradualmente introdujeron instrumentos tradicionales como el tambor de redoble, el Jepä o la flauta nasal que estaba a punto de desaparecer, y animados por los silbidos del Wesel o Newa, que era un silbato utilizado en los arbitrajes de cricket. Aunque estos instrumentos existían en todas las islas, su forma y uso variaban de una isla a otra. Las letras hablan generalmente de la lucha contra la delincuencia, la pérdida de la identidad, el alcoholismo y el SIDA. En 1989 se formó Vamaley, uno de los primeros grupos en tener éxito cantando en su propia lengua. Su primer disco, Ecos del Pasado, contenía un fuerte mensaje político. Junto con otros músicos como Bethela, Edou y Temala, fueron identificados con el movimiento independentista de los años 80. Durante los primeros dieciséis años el Kaneka se fue desarrollando con mucho entusiasmo aunque no fue más allá de las fronteras del archipiélago. Este aislamiento musical causó una depresión que sólo a finalizado en años recientes. En el corazón de este renacimiento se encuentra el trabajo concienzudo del Centro Cultural Tjibaou, la revista cultural Mwá Véé y la programación musical de la radio Djiido. Jóvenes artistas como Triban Klan, Joséphine, Jeanne Hué o Fedyz, intentan actualmente modernizar el Kaneka. Ahora se aprecian influencias del Jazz y el Blues debido a la apertura al mundo exterior y al paso de grupos australianos, norteamericanos y franceses que influyeron en las nuevas tendencias del Kaneka.

Pinoy Rock

2011-05-26T10:56:00.006-03:00

El Pinoy Rock, o Rock Filipino, es un subgénero del Rock producido por cantautores, músicos y compositores filipinos. Se ha hecho tan diverso como el Rock mismo, por lo que los grupos que adoptan el estilo son clasificados bajo géneros más específicos como Rock Alternativo, Post Grunge, New Wave, Punk, Funk, etc. Una de las primeras estrellas del Rock filipino es Bobby Gonzáles, cuyo gran éxito fue “Hahabul-Habol”. Eddy Mesa fue otro ídolo adolescente de las primeras épocas. Las bandas de Rock se conocían como “combos”. A principios de los años 60 las nuevas tecnologías permitieron que los filipinos conocieran grupos norteamericanos y británicos. Así The Shadows y The Ventures se hicieron muy populares. Los grupos Pinoy formados en esa época fueron The Deltas, The Celtics, RJ & The Riots, The Technicolors, The Downbeats y The Electromaniacs. Hacia 1963, durante el furor de la Invasión Británica con los Beatles a la cabeza, muchos grupos filipinos adoptaron estilos musicales similares. A principios de los 70 la música filipina se volvió más nacionalista y sociopolitizada. Sin embargo en esa década predominó la música Disco y el Funk, con grupos como Apo Hiking Society y Hotdogs, cuya canción “Ikaw ang Miss Universe ng Buhay Ko” (Eres la Miss Universo de mi vida), combinaba filipino e inglés en su letra. Esto ayudó a innovar el llamado “Sonido de Manila”. El mensaje político estuvo a cargo de músicos Folk como Asin, Florante y Freddy Aguilar, cuyo single debut “Anak”, fue la grabación filipina con más ventas en la historia. El grupo Juan de la Cruz Band, es considerado el abuelo del Pinoy Rock. Las bandas de los años 70 no fueron marginadas comercialmente como sus antecesores. La estación de radio DZRJ se encargaba de difundir a los principales artistas Pinoy. Desde principios y hasta mediados de los 80 el Rock Pinoy se convirtió en la música de protesta filipina. Gary Granada y el grupo Buklod tenían letras de alto contenido social. La canción de Aguilar “Bayan Ko” (Mi País), se convirtió en un himno durante la Revolución. La banda más popular de los 80 fue The Dawn, que tenía influencias New Wave y Post Punk. En 1986 su canción “Enveloped Ideas”, fue una de las más escuchadas en las radios. La principal emisora que difundía el Rock Pinoy, la DWXB-DE, fue sacada del aire en 1987 por el nuevo gobierno de Corazón Aquino, que comenzó a incautar propiedades de su precursor Ferdinand Marcos. A comienzos de los 90 los grupos más populares fueron The Hays, Introvoys y Alter Image. La música under comenzó a surgir en algunos clubes nocturnos de Manila. Sólo la radio DWLA difundía esos grupos under, dando lugar a que las canciones sean oídas por miles de seguidores. La revista Rock & Rhythm también apoyó esta escena. A principios de los 2000 el Hip-Hop, el Jazz-Pop y el R&B dominaron la escena musical, relegando al Pinoy Rock a un segundo plano. Desde entonces hasta ahora acompañó a las demás tendencias musicales con grupos que aún se destacan, pero sin volver a alcanzar el nivel de pasividad de décadas atrás.

Tropipop

2011-05-25T20:40:00.005-03:00

El Tropipop, también conocido como Tropical Pop, Caribbean Pop o Chizga, es un género musical originado en Colombia a finales de los años 90 y principios de los 2000. Consiste en una mezcla de estilos musicales tradicionales de la región caribeña, principalmente el Vallenato, con influencias extranjeras como la Salsa, el Merengue, el Pop y el Rock. Desde la aparición del Rock colombiano en los años 60 y 70, bandas como Génesis (de Colombia), empezaron a experimentar fusionando música tradicional colombiana con Pop y Rock. En las décadas siguientes grupos como Aterciopelados continuaron involucrando elementos del folklore en su música. Los orígenes musicales del Tropipop pueden rastrearse hasta 1993, cuando Carlos Vives lanzó al mercado su álbum “Clásicos de la Provincia”. Este muy exitoso disco llamó la atención por el uso de instrumentos como guitarras y bajos eléctricos para cantar Vallenatos tradicionales. Vives y su banda La Provincia continuaron experimentando la fusión de Vallenato y cumbia con Pop, Rock y Funk en sus siguientes álbumes “La Tierra del Olvido” y “Tengo Fe”. Para su siguiente disco, “El Amor de mi Tierra”, contó con la producción de Emilio Estefan, quien estilizó la música de Carlos Vives, dándole un sonido más Pop, con menos secciones instrumentales, más importancia a las partes vocales y menos prominencia a los elementos del Vallenato y la cumbia. Vives continuó con ese sonido en sus siguientes discos teniendo gran éxito. Fue ese sonido fusión estilizado que adoptaron posteriormente los artistas del Tropipop. La influencia y éxitos de Carlos Vives fue tal, que los artistas que vinieron después tocando fusión de Vallenato y Pop, son imitadores o parte de la escuela que él formó. A comienzos de la década de los 2000, jóvenes inspirados por Vives empezaron a grabar Tropipop. Lo que una década antes hubiera sido considerado experimental era ahora la moda. Entre los pioneros se encuentran Bacilos y Gianmarco. Cada día se crean nuevos grupos que se amparan bajo este género. Entre los más destacados se encuentran Sin Ánimo de Lucro, Jerau, Lucas Arnau y Bonka. Algunos llegaron a ser exitosos internacionalmente. Mauricio & Palo de Agua fue nominado a un Grammy Latino en el 2004 mientras que Fonseca ganó uno en 2006. Debido a la naturaleza simple de la música y a la falta de prominencia de los elementos tradicionales en favor de una marcada estructura Pop, el Tropipop ha sido criticado por sectores del público y los medios por su supuesta superficialidad y falta de original. Los críticos generalmente coinciden en decir que los músicos del Tropipop no han investigado realmente el folklore colombiano para añadir genuinamente música tradicional a su fusión. Sin embargo, otros defienden la intención del Tropipop teniendo en cuenta que evidencia un interés por parte de la juventud en incluir elementos caribeños en su música. Si bien el Tropipop sigue basándose en el sonido de Carlos Vives, ha sido modificado por cada banda para darle un toque único y original.

Pub Rock

2011-05-24T20:38:00.006-03:00

El Pub Rock fue un movimiento musical de mediados de los 70 surgido en Londres y fue una reacción a la música que estaba de moda en ese entonces, el Rock Progresivo. Muchas de esas bandas vieron que esa música era inaccesible para el gran público mientras que la suya era más básicas y entendible, tocando música poco pretenciosa en los Pubs y clubes. Los líderes de esa escena, como Dr Feelgood, Kilburn & The High Roads y Ducks Deluxe, tocaban Rhythm’n Blues en la tradición británica de los Stones y Yardbirds. Otras bandas optaron por el Soul, el Funk o el Country Rock. El Pub Rock estaba en contraste con el Glam, el Hard Rock y el Rock Progresivo que dominaban los charts británicos en esa época. Por consiguiente, los grupos tenían problemas para encontrar sitios en donde tocar. Por eso crearon su propio circuito de bares en la perisferia de Londres. Ninguna de esas bandas se convirtió en estrellas o tuvieron éxitos comerciales, ya que la escena era un fenómeno principalmente en vivo. Entre 1972 y 1975 hubo una sola una sola canción en ingresar al Top 20 y fue “How Long?”, the Ace. Entre todos los grupos vendieron aproximadamente 150 mil álbumes. Muchas bandas sufrieron en la transición de los bares a los estudios de grabación y fueron incapaces de capturar su sonido. El Pub Rock estimuló de nuevo la escena roquera en los clubes, ya que había disminuido desde los años 60 porque los músicos prefirieron tocar en teatros y grande estadios. Los nuevos grupos pudieron encontrar locales donde presentarse sin tener una discográfica que los respalde. La mayor parte de los locales eran grandes bares victorianos. Uno de los principales era el Pub “Hope and Archor” que aún funciona. Otro bar importante fue “Tally Ho”, en donde arrancó todo el movimiento en mayo de 1971 con la presentación del grupo Country norteamericano Eggs Over Easy. Esto impresionó a varios músicos londinenses que pronto formaron sus propias bandas. Así surgieron Bees Make Honey, Max Merritt and The Meteors, Ducks Deluxe, The Amber Squad and Brinsley Schware. Aparte del “Tally Ho” y “Hope and Archor”, los bares más importantes que integraron el circuito fueron “Cock”, “The Brecknock”, “Lord Nelson”, “Red Lion”, “Nashville”, “Kesington”, etc. Esta red de locales años más tarde fue utilizada como plataforma de lanzamiento del Punk. Hacia 1974 el Pub Rock era la escena musical más movida de Londres, a tal punto que cada bar ofrecía música en vivo, además de la comida y strippers en ocasiones. Para 1977 el Pub Rock fue alcanzado por la explosión del Punk del Reino Unido. Al principio los límites entre ambos géneros se entremezclaron. Sex Pistols eran soporte de Blockheards y 101ers en el bar Nashville, Dr Feelgood tocó con los Ramones, Hot Rods y Sex Pistols eran consideradas bandas rivales, la palabra Punk se utilizó por primera vez en una remera de un miembro de Hot Rods, la revista Punk Sniffin’ Glue dijo que el disco “Stupidity”, de Dr Feelgood, era el camino que el Rock debía seguir. Muchos de los músicos del Pub se cambiaron al Punk, como Joe Strummer, que de 101ers se pasó a The Clash. El Pub Rock pudo haber sido reemplazado por el Punk, pero sin ellos probablemente nunca hubiera surgido el Punk en Inglaterra.

Música Andalusí

2011-05-23T21:30:00.003-03:00

La música Andalusí es un estilo de música árabe que se halla en Africa del norte aunque también se encontraba en Al-Andaluz entre los Siglos IX y XV. Se la asocia con Marruecos, en donde recibe el nombre de al-Âla. También está presente en la tradición de Argelia, Túnez y Libia. La cultura árabe entabló contacto con la cristiana a partir de las cruzadas, pero especialmente desde la ocupación de la Península Ibérica. Durante el Siglo XI, la España y el Portugal moros se convirtieron en un centro de manufactura de instrumentos. Estos productos se fueron introduciendo gradualmente en Francia y el resto de Europa. Se cree que un gran número de instrumentos utilizados en la música occidental derivan de instrumentos andalusíes: el laúd deriva del al’oud, el rabel del rebab, la guitarra de la qítara, las castañuelas del kasatan, la dulzaina de la al zurna entre otros. De acuerdo con una famosa teoría acerca del origen de los trovadores, éstos deben ser de origen árabe. Los trovadores heredaron su sensibilidad e incluso la temática de la poesía andalusí. En verdad un cuerpo de canciones de incomparable intensidad, profanidad y erotismo, existió en árabe desde la segunda mitad del Siglo IX. Otra teoría acerca del origen de las notas del solfeo también tiene una raíz árabe. Se ha dicho que las sílabas del solfeo (do, re, mi, fa, sol, la, si) habrían derivado de las sílabas del sistema árabe de notación Durr-i-Mufassal (dar, ra, mim, fa, sad, lam). Los temas favoritos de esta música son: el amor cortesano, alabanzas al Profeta, descripción del paisaje y la nostalgia de los árabes por Al-Andaluz luego de su expulsión. El origen de la música Andalusí se suele atribuir a una única persona, Ziryab. Este músico llegó a la corte cordobesa huyendo de Bagdad, donde su maestro, viendo peligrar su privilegiada situación en la Corte por la magnífica impresión que Ziryab le había causado al Califa, lo amenazó de muerte. Tal era el genio de este músico que, una vez situado en Córdoba, se convirtió en el hombre de confianza del Califa y revolucionó las costumbres sociales de la Corte, desarrolló un nuevo sistema de construcción de laúdes, creó nuevos instrumentos y más de diez mil nuevas canciones. Posteriormente, en el Siglo XII, el poeta, compositor y filósofo Ibn Baja, de Zaragoza, combinó el estilo de Ziryab con la música clásica occidental para producir un estilo totalmente nuevo que se expandió por la península Ibérica y el norte de Africa. Las orquestas clásicas de música Andalusí, que se encuentran esparcidas por el Maghreb, usan instrumentos como el laúd, el rabel, la darbuka, la pandereta, la cítara y el violín, aunque recientemente se han ido añadiendo otros instrumentos. La música Andalusí se basa principalmente en una composición llamada Nuba, conjunto de piezas vocales e instrumentales. La estructura de la Nuba es realmente compleja, pudiendo tener una duración aproximada de seis horas. Se dice que existían 24 Nubas, cada una relacionada con una hora del día. Cada Nuba está dividida en cinco partes llamadas Mizan, a cada una de las cuales le corresponde un ritmo. En la actualidad, no se suele tocar la Nuba al completo sino un único Mizan. Cada Mizan comienza con un preludio llamado Tusilla, seguido alrededor de veinte canciones.

Bikutsi

2011-05-23T19:44:00.006-03:00

El Bikutsi es un género musical de Camerún que se desarrolló en base a los estilos tradicionales del pueblo Beti. Es principalmente una música de baile que se hizo popular a mediados del Siglo XX. El pueblo Beti ha habitado históricamente la región forestal que rodea a Yaundé, la capital de Camerún, y parte de Guinea Ecuatorial. Más recientemente la tendencia es una migración hacia la capital en búsqueda de trabajo y oportunidad de educación. La palabra Bikutsi significa literalmente “golpear la tierra repetidamente”. Bi es un término que se utiliza para pluralizar la palabra que le sigue; Kut significa golpear de modo continuo una superficie sólida; y Si significa “tierra”. Es tocado en toda clase de eventos como fiestas, funerales y bodas. Las ceremonias tradicionales Beti están divididas en dos fases: la fase de Ekang, donde se habla de las cuestiones imaginarias, mitológicas o espirituales; y la fase de Bikutsi, donde se tratan todas las cuestiones del mundo real. Durante esas celebraciones, los cuentistas utilizan instrumentos de cuerda llamados Mvet, que es un arpa de doble cara y con una caja de resonancia hecha con una calabaza. Los cuentistas son vistos como un instrumento de Dios para educar a la gente. Durante el Ekang se utilizan aplausos, bailes y recitaciones. En varios momentos del repertorio sagrado del Ekang hay intervalos para interpretaciones en el balafon (especie de xilófono). Estos intervalos marcan el cambio a la fase de Bikutsi, que es mucho menos estructurada que el Ekang. En el Bikutsi cantan y bailan junto al balafon. Las letras se centran en las relaciones, la sexualidad y la vida de las personas famosas. Otros temas frecuentes son los problemas de la vida cotidiana, la sátira social y aspectos del amor. El Bikutsi popular apareció primero en la década del 40 con la grabación de Anne-Marie Nzie. Aproximadamente veinte años más tarde el estilo fue electrificado con la adición de teclados y guitarras eléctricas. El ejecutante más popular de esa época fue Messi Me Nkonda Martin, líder de los Camaroes. En un intento por traducir el sonido y el espíritu tradicional del Bikutsi, Messi incorporó el sonido del balafon en la guitarra eléctrica, uniendo las cuerdas de la guitarra eléctrica con cuerdas de algodón. De esa manera la guitarra sonaba similar al balafon. Las funciones del balafon y el mvet fueron sustituidas por las guitarras eléctricas, mientras que las palmas y la instrumentación sanza se cambiaron por el sintetizador y el ritmo tradicional fue marcado por la batería y otros instrumentos de percusión. El reconocimiento internacional del Bikutsi llegó en 1987 con la formación de Les Têtes Brûlées. El guitarrista de la banda descubrió que humedeciendo las cuerdas de la guitarra con una goma espuma, el sonido se asemejaba aún más al del balafon. El Bikutsi actual es realizado por artistas como Lady Ponce, K-Tino, Racine Sagath y Natasha Bizo. Ha sido criticado por el contenido sexual percibido en sus letras y por su forma de bailarlo. Las intérpretes femeninas lo utilizan como un medio de expresión en una sociedad tradicionalmente dominada por los hombres.

Cantos Gregorianos

2011-05-19T10:34:00.004-03:00

El canto Gregoriano ha recibido a menudo el nombre de Biblia cantada. El actual canto gregoriano es producto de un proceso casi tan antiguo como la misma Iglesia. Es desde hace por lo menos 14 siglos el canto oficial de la Iglesia Católica y es herencia de los himnos y cantos entonados durante los primeros siglos de nuestra era. Tales cantos a partir del siglo IV sufrieron un proceso de asimilación a la liturgia romana, cuando se comenzaron a cantar en lengua latina, y no en su original. Maestros anónimos reelaboraron las melodías en Roma cuyo resultado fue unas piezas musicales más refinadas, sobrias, construidas sobre los textos de la traducción latina de la Biblia y logrando con ello la síntesis de los cantos de los ritos judíos, griegos y bizantinos. En un primer momento se le llamó Canto Romano. Fue a fines del siglo VIII que por devoción a San Gregorio se le empezó a llamar Canto Gregoriano. Un poco mas adelante en el siglo IX se le conoció como Cantus Planus en oposición a la naciente técnica polifónica (a varias voces). La verdadera labor de Gregorio consistió en codificar, fijar textos y melodías y ordenarlas en el calendario litúrgico. El primer producto de este gran trabajo fue el "Antiphonarium cento", primera gran recopilación que sirvió de modelo para los sucesivos libros litúrgicos. Según documentos históricos, Gregorio Magno en 595 fundó la Escuela de Canto “Schola Cantorum”, donde a los futuros cantores y coristas se les inculcaba el amor por las bellas artes y el canto. El plan de estudios consistía en formar coros de cantores profesionales que merecieran el aprecio de vastos sectores de la sociedad. La difusión del Canto Gregoriano en todo el mundo cristiano se debió en gran parte a las estrategias de unificación de Carlomagno, "en detrimento de las otras liturgias existentes". La intención del Papa al aprobar esto fue la unificación ritual y la depuración de la liturgia celebrada en lengua vernácula. La época de mayor brillantez o de esplendor del Canto Gregoriano ocurrió hacia el siglo IX cuando se estableció la división de los cantos de la Misa en Cantos del Ordinario. Los estilos manejados en el Gregoriano son: Silábico, en los que a cada sílaba del texto les corresponde una nota; Neumático, en los que hay sílabas a las que le corresponden un grupo organizado de notas llamado Neuma; y Melismático, caracterizados porque a determinadas sílabas se les asigna un número importante de neumas siendo este el estilo más complicado. El sistema de notación más utilizado surgió hacia el siglo VIII con Guido D'Arezzo que le dio su estructura definitiva. Consistía en la relación de los neumas que se utilizaban sin referencias melódicas, atendiendo más a la expresividad del canto que a su exactitud melódica, la cual estaba confiada a la memoria del maestro de la abadía y a sus discípulos. Es Las nuevas sonoridades de la incipiente Polifonía así como el aparente agotamiento del uso de las escalas modales comenzaron a filtrarse en un repertorio tan cuidado y sólido como el del Canto Gregoriano, lo cual culminó hacia los siglos XIV y XV con su decadencia, que se dio en 2 sentidos: rítmico y melódico. El Renacimento le da el golpe final: las melodías son "coregidas" por los musicólogos oficiales y las largas vocalizaciones reducidas a unas cuantas notas. En 1833, un joven sacerdote de Le Mans, Dom Prosper Guéranger, se decide a restaurar la vida monástica benedictina en el priorato de Solesmes, después de cuarenta años de interrupción debido a la Revolución francesa. Entre sus proyectos está el abordar la restauración del canto gregoriano. Esto lo hace con entusiasmo. Empieza por la ejecución y pide a sus monjes que respeten en su canto, sobre todo el texto: pronunciación, acentuación, y atención. Todo esto para mejorar la inteligibilidad del canto, lo cual hace posible una verdadera oración.

Tango Finlandés

2011-05-19T09:59:00.008-03:00

Ningún estilo musical ha significado para la historia musical folklórica contemporánea de Finlandia como el Tango. Cuando el Tango llegó a París en la década del 20 se desprendió de sus orígenes humildes de los barrios cercanos al puerto de Buenos Aires para convertirse en el baile de moda de la alta sociedad europea. Bailarines y músicos argentinos llevaron sus espectáculos por las capitales del viejo continente y los compositores europeos hicieron los primeros intentos por componer Tangos. A Finlandia el Tango llegó en 1912, cuando unos músicos de gitanos de San Petersburgo interpretaron “La Paloma”. El Tango como baile fue conocido un año después, cuando una pareja argentina actuó en el Hotel de la Bolsa de Helsinki. La aristocracia lo recibió con fascinación y lo adoptó en sus círculos restringidos. Pronto los músicos locales empezaron a componer sus primeros Tangos, que en un principio eran muy parecidos a los originales de Argentina, pero las influencias rusas y eslavas no tardaron en incorporarse a las melodías. Los primeros discos finlandeses de fines de los años 20 fueron grabados en Berlín, muchas veces con músicos alemanes. De allí el Tango finlandés heredó su marcado carácter marcial. La proyección en los cines de la película alemana “Tango Max” causó furor en las ciudades, impulsando a muchos jóvenes a aprender los pasos de aquel baile sensual y elegante. El Tango era un fenómeno urbano, en el campo se bailaba ritmos folklóricos como Vals, Polea o Chotis. Durante la Segunda Guerra Mundial las familias se dividían ya que padres e hijos marchaban al frente y muchos de ellos no volverían. De la misma manera que los primeros Tangos argentinos eran una expresión musical del deseo de los inmigrantes de regresar a sus tierras, creció una necesidad similar entre los finlandeses de utilizar la música para expresar su dolor, su tristeza y los cambios dramáticos que la guerra les había ocasionado. Los compositores finlandeses pasaron de copiar las letras y tonos rioplatenses, y de interpretarlo para la aristocracia de las ciudades, a crear un Tango propio, para su propia gente. Entre 1945 y 1960 fue la “Epoca de Oro” del Tango finlandés. Torvo Kärke, Olavi Virta, Tamara Luna y Arvo Koshimaa fueron algunos de los pioneros. El Tango más emblemático es “Satumaa”, escrito en 1962 por Unto Mononen. Pero ninguna época de Oro dura para siempre. Al cabo de veinte años de popularidad creciente, el Tango a sentir los embates de otros géneros musicales de los 60: Para los jóvenes de las ciudades el Tango se había convertido en algo aburrido y fuera de moda. En cambio en el campo, la gente seguía amándolo. En los años 90 el Tango tuvo un renacimiento gracias a un mayor interés por la historia contemporánea de los medios de difusión y la literatura. El Tango finlandés no es un Tango argentino mal tocado, sino que se trata de una especie musical distinta, aunque no del todo.

Tsifteteli

2011-03-05T18:17:00.003-03:00

El Tsifteteli es la danza del vientre griega. El nombre es de origen turco y viene de Chifteteli, que significa cuerdas dobles. El Tsifteteli típico no es realizado por una bailarina en solitario, sino por un gran número de bailarines que pueblan las pistas. Es bailado por hombres y mujeres por igual, individualmente, en parejas o en formaciones grupales. Es uno de los bailes más importantes y significativos en la música y la cultura griegas. Al Tsifteteli lo llevaron a Grecia principalmente los griegos del Asia Menor que tuvieron que dejar sus ciudades natales debido a un cambio demográfico entre Grecia y Turquía. Grecia fue ocupada por los turcos aproximadamente por 400 años, desde el Siglo XV hasta comienzos del XIX y formaba parte del Imperio Otomano. Hacia 1820 Grecia comenzó una guerra contra los turcos para lograr su independencia. A mediados del Siglo XIX Grecia obtuvo su libertad y se convirtió en un Estado independiente. En ese entonces había muchas personas de origen turco y fe musulmana que vivían en Grecia, así como muchas personas de origen griego y fe ortodoxa que vivían en Turquía. Las primeras colonias griegas en la costa occidental de Asia Menor fueron fundadas aproximadamente 1000 AC y se extendieron hasta las orillas del Mar Negro. Así, había ciudades griegas en aquellas áreas hasta 1922. En aquel año hubo una gran guerra entre Grecia y Turquía que terminó siendo una catástrofe para ambos países. Pero para los griegos la catástrofe fue más grande, porque muchas de las ciudades griegas del Asia Menor fueron destruidas por los turcos. Al final de la guerra Grecia y Turquía convinieron el intercambio de sus poblaciones. El cambio demográfico trajo muchos problemas al nuevo estado griego ya que los recién llegados habían perdido todo y como el país era muy pobre la situación de los inmigrantes era muy precaria. Esas personas tenían una tradición musical muy rica y la llevaron con ellos a su país. Su música era una mezcla de elementos griegos, turcos, armenios y árabes. Ellos siguieron desarrollando su música en Grecia, principalmente para recordar sus raíces y consolar sus almas. Esta tradición musical es llamada Rembetiko e incluye al Zeimbekiko, el Chassapiko y el Tsifteteli. Muchos arqueólogos sostienen que la Danza del vientre existía en la Grecia antigua y que las mujeres la usaban para adorar a Afrodita. También pudo haber existido en la Edad Media, ya que en el Imperio Bizantino los griegos tenían un fuerte intercambio cultural con los árabes y otros pueblos de Medio Oriente. Sin embargo el Tsifteteli que conocemos hoy en día se desarrolló en los últimos 90 años. Las letras originales eran muy tristes ya que hablaban de pobreza, inmigración, amores perdidos, etc., aunque las canciones modernas pueden ser muy alegres y graciosas. El Tsifteteli es principalmente un baile de parejas (hombre-mujer, mujer-mujer, hombre-hombre). Si el hombre y la mujer lo bailan juntos, ellos coquetean a través del baile. Este es uno de los motivos por el que el Tsifteteli es enormemente popular y probablemente nunca deje de serlo. Tsifteteli es la expresión del alma y el juego del amor expresado a través de movimientos sensuales de las caderas.

Hip Hop Francés

2011-03-05T09:53:00.004-03:00

El Hip-Hop tuvo su origen en EEUU a finales de los años 70. Esta música nació en los ghettos negros norteamericanos en la época del Black Panthers. En 1979, Rapper’s delight, de Sugarhill Gang, se convirtió en el primer éxito del Rap en el mundo, y en particular en Francia, donde el Hip-Hop afectó a la juventud en las grandes ciudades. A principios de los años 80 el movimiento tomó su despegue con grandes reuniones donde se enfrentaban bailarines, pintores de graffittis, DJs y MCs. En esa época el estilo musical era muy funky y electrónico con bajos bien pesados. El sampling y el scratching se hicieron muy frecuentes. En Francia fue con la aparición de las radios libres que el Rap comenzó a difundirse, además de las emisiones televisivas que en 1984 se difundía en TF1, tal el caso del programa Hip-Hop, conducido por el músico Sidney. Fue gracias a esta mediatización que el movimiento se volvió popular en Francia, lo que la convirtió en la segunda nación Rap. En esa época el Rap francés aún no existía y los jóvenes se volcaban más hacia la danza y las competencias que eran muy frecuentes. Hacia 1985 el grupo Public Enema le dio un segundo aire al Rap, olvidando su origen festivo, para denunciar las desigualdades sociales y raciales. En Francia el Rap comenzó a tomar mayor amplitud de la mano de compilados como Rappattitude 1 y 2, que permitió difundir a la primera generación de raperos franceses como NTM, Solaar, IAM o Assassin. A comienzos de los 90 los raperos franceses comenzaron a editar sus álbumes y MC Solaar con su canción Bouge de là, consiguió integrar el Rap al paisaje musical francés, con su estilo tranquilo y poético. En 1996 el Rap positivo, ligero y funky, invadió la música francesa con MC Solaar, Ethnik, Mélénik. Réciprok y Doc Gynéco, entre otros. Por su parte el Rap Hardcore se mantuvo vivo en el Ander, dando prueba de la dura realidad con textos muy crudos. En 1997-98 el movimiento Hip-Hop evolucionó hacia textos más reivindicativos que hablaban de la vida diaria. Los artistas de la vieja escuela volvieron con un estilo remozado, como IAN y MTN, que le dieron al Rap francés su propia identidad, dejando atrás el tiempo en que se copiaban de los norteamericanos. La radio Skyrock se convirtió en la estación más importante en la difusión de los nuevos músicos del Hip-Hop. El Rap francés se dividió en dos: el Rap comercial, que se escucha en todas partes y genera mucho dinero, y el Rap Ander que era (y es aún hoy en día), constantemente boicoteado por el gobierno y se les dificulta la grabación de su material. Fue así que a pesar de las ventas millonarias, se asistió a una gran crisis dentro del movimiento rapero francés. Fue entonces que surgieron las etiquetas independientes y los grupos Ander se unieron en contra de la mediatización y de las grandes disqueras que estaban matando al Rap. Compilados como Sad Hill y J'éclaire ma ville, reactivaron el estilo con rapperos famosos y desconocidos de toda Francia. Hacia el nuevo milenio se hizo más fácil hacer Rap, ya que las puertas estaban abiertas y los precursores del género crearon estudios para producir a los nuevos talentos. El Rap se afianzó definitivamente en el panorama musical francés a pesar del boicoteo drástico y de la censura, y de las prohibiciones cada vez más frecuente de los conciertos.

Keny Arkana - Victoria

Booba - Qui remet ça

Sniper - Brule

Junkanoo

2011-03-05T08:55:00.003-03:00

Para conocer el arte y cultura de Bahamas basta con ir al Festival de Junkanoo. Se trata de un desfile animado, colorido, de personas con disfraces girando y bailando al ritmo de tambores, pitos y maracas. Se celebra en el Boeing Day (26 de diciembre cuando se guardan las cajas de los regalos de Navidad) y en Año Nuevo. Empieza a primeras horas de la madrugada, tipo dos de la mañana, y termina al amanecer. El Junkanoo recuerda al Mardi Gras de Nueva Orleáns o al Carnaval de Río de Janeiro. Los participantes del desfile, distribuidos en grupos de hasta 1000 personas, se organizan en torno a un tema particular. Sus disfraces, baile y música reflejan ese tema. Al final del desfile los jueces conceden premios en dinero a la mejor música, mejor disfraz y mejor presentación en general. El origen de la palabra Junkanoo es desconocido. La creencia más popular es que deriva de John Canoe, un jefe africano que exigía el derecho a celebrar con su pueblo incluso después de que lo trajeran a las Indias Occidentales como esclavo. Otros creen que el nombre proviene del francés gens inconus (personas desconocidas), y se refieren al hecho de que la gente se viste con disfraces y conservan su anonimato. Las raíces del Junkanoo pueden ser rastreadas hasta el Este de Africa. De hecho otras áreas de la región que practicaban la esclavitud, como Bermudas y Jamaica, tenían sus propias versiones de los desfiles de John Canoe. El Junkanoo seguramente comenzó en el Siglo XVI o XVII. Cerca de la Navidad los esclavos bahameses tenían algunos días de descanso. Esto les permitía dejar las plantaciones para quedarse con sus familias y celebrar el feriado con música, danzas y disfraces. Los primeros años los participantes del Junkanoo se colocaban máscaras grotescas y se subían en zancos. Eran. Autorizados a circular y a desinhibirse. El Festival Junkanoo es un esfuerzo comunitario o familiar. Amigos y vecinos se reúnen en grupos, en general de 500 a 1000 miembros, y se presentan juntos en el desfile. La competencia entre los grupos es muy grande, de manera que los miembros eligen un tema y lo mantienen en secreto hasta el día del festival. Los integrantes de los grupos pasan meses preparando el evento. La música es la parte más importante del Junkanoo. Los sonidos rítmicos de los tambores de piel de oveja, maracas y pitos, acompañados por una sección de metales separada, crean un ritmo muy contagioso. Los esclavos, que originalmente hacían sus instrumentos musicales con elementos desechables, transformaban cajas de comida y ron en tambores y otros instrumentos hechos de chatarra. Los músicos actuales utilizan métodos semejantes. Como sus ancestros, estiran la piel de oveja y la afinan quemando una vela bajo la piel para tensarla hasta obtener la afinación correcta. Aunque el Junkanoo sea el reflejo de una tradición fuerte de tambores, la influencia de otros instrumentos occidentales es cada vez más evidente. Los sonidos del Junkanoo pueden ser oídos en las grabaciones de la mayoría de los músicos bahameses contemporáneos. En una grabación temprana titulada Religious Songs and Drums of Bahamas, de 1953, es muy evidente que la forma de interpretación de los tambores ha pasado por una serie de evoluciones durante los años. Esto se debió en parte al fracaso de pasar la tradición en forma oral y a la muerte de los grandes intérpretes. Entre los músicos que tratan de mantener viva la tradición de los tambores, se encuentran John “Chippie” Chipman, de Chippie & The Boys; Howard Bethel, coordinador de tambores de la Nacional Dance School of the Bahamas; y Quintin “Barabas” Woodside, líder de The Tribes Junkanoo Group.

Doo-Wop

2011-03-04T22:43:00.002-03:00

El Doo-Wop es un estilo vocal con origen en el Rhythm’n Blues y la música negra en general, que tuvo eclosión a mediados de los años 50 y mantuvo su popularidad hasta principio de los 60. Los grupos de Doo-Wop son grupos vocales, en los que cada miembro adopta con su voz una parte interconectada con las otras creando la música en la que se intercala la voz principal que canta la melodía. Muchas veces las voces que realizan la música utilizan palabras sin sentido para remarcar el ritmo de la canción, de ahí su nombre Doo-Wop, que en español se rebautizó Duduá. Principalmente los grupos de Doo-Wop provienen de las grandes ciudades de EEUU, por lo que es un estilo claramente urbano, en el que cuatro o cinco chicos de un barrio se juntaban para cantar canciones a cappella y entablaban duelos musicales con otros grupos para ver quién lo hacía mejor. A pesar que mayoritariamente eran grupos a cappella, la mayoría de los éxitos del género fueron grabados agregándoles instrumentación a las voces. Al principio, y durante su auge, el Doo-Wop no tenía un nombre específico, aún no se utilizaba ese término. En los años 50, este tipo de sonido armonizado de los grupos fue encuadrado dentro del Rock’n Roll y el Rhythm’n Blues. Entonces el mejor nombre y mas exacto utilizado fue “grupos de armonía vocal”, pero el estilo todavía no tenía un nombre oficial a pesar de que dominaba los ránkings a finales de los 50 y principios de los 60. Hay confusión respecto a cuál fue la primera grabación en incluir la frase Doo-Wop. El reconocimiento general es para la canción de 1955 “When You Dance”, de The Turbans. En cuanto al primero en utilizarlo hay varios candidatos, como la canción de 1954 “Never”, del grupo Carlyle Dundee & The Dundees; “Mary Lee”, del grupo The Rainbows; o “In the still the night”, de The Five Satins. Entre los ejemplos registrados más temprano por grupos de armonía vocal, se encuentra “My Prayer”, de The Ink Spots, de 1939, considerada como la primera canción del género. El Doo-Wop de los años 30 y 40 evolucionó de los grupos que cantaban Gospel en las iglesias en las áreas urbanas afroamericanas. Sin embargo la influencia del Blues también se agregó en esa época, dando a la música su propia identidad. A veces los miembros de los coros de Gospel de las iglesias se juntaban en las esquinas para crear y cantar sus propias canciones, que generalmente hablaban del amor y de relaciones de pareja. Los grupos consistían de 3 a 6 miembros y la música constaba de 4, 5 y hasta 6 melodías diferentes. El Doo-Wop en los comienzos no tenía coros y armonías que se repitieran. A principios de los 50, el Doo-Wop unificó su fórmula. Muchas canciones marcaron el camino como “Since You’ve been Hawai”, de The Smallows, en 1951, y “The Glory of Love”, de The Five Keys, también de 1951. Hacia 1953 el género se hizo más popular entre otros públicos, como el caso de Cleveland, donde el DJ Alan Freer comenzó a introducir la música de los grupos negros para su auditorio de blancos. Las bandas más destacadas de la época eran The Spaniels, The Coronets, The Moonglows y The Flamingos, cuya canción “Golden tear drops” se convirtió en un clásico. Gracias al éxito de estos grupos, otros comenzaron a entrar en los ránkings, como el caso de The Platters, Dion & Belmots, The Del-Kings o Frank Lymon & The Teenagers. El período principal del Doo-Wop es el que va de 1953 a 1961, aunque continuó siendo un género muy popular hasta la llegada de la Invasión Británica, después de lo cual desapareció casi completamente de las listas y paulatinamente de los estudios de grabación.

Volver al Futuro - Earth Angel

The Platters - The Great Pretender

The Silhouettes - Get A Job

Yodel

2011-03-04T22:02:00.002-03:00

Los componentes esenciales de la música folklórica son el Yodel y la trompa alpina. Se sospecha que los orígenes del Yodel estarían en Polonia. Según las leyendas suizas, el Yodel surgió como medio de comunicación a larga distancia, para que los pastores pudieran comunicarse entre sí. El Yodel, o Canto Tirolés, es un tipo de canto donde se alternan registros de voz muy agudos (en falsete), con otros graves, de un modo muy veloz, para crear un intervalo amplio. El falsete alto se escucha desde muy lejos por lo que es oído a grandes distancias. Los pastores y los trabajadores de los bosques ya se comunicaban así desde tiempos inmemoriales. Este canto carece de palabras, es meramente una gesticulación sonora. El nombre se puede decir que proviene de una onomatopeya debido que cuando se canta se suele mencionar palabras como “Hodaro”, “Iohodraeho”, “Holadaittijo” y algunas otras de invención de los cantantes. En los países alpinos (Suiza, Austria e Italia), es muy tradicional hacer música Yodel, siendo algunos de los grupos más reconocidos Appenzeller y los Bravourjodles, que según los gustos de la gente de la zona, lo hacen siguiendo los estándares tradicionales. Se suele cantar al aire libre, y los mejores lugares para hacer Yodel al estilo alpino son aquellos donde se produce eco, como lagos, paredes rocosas, etc. Verdaderamente en cada montaña existe un estilo diferente dependiendo de la acústica. Incluso tiene diferentes denominaciones dependiendo del lugar. Por ejemplo en Alemania se lo denomina como Almschrei o Almschroa (grito de los Alpes), y también Juchetzer, y se lo emplea para la conducción del ganado. En Austria se lo denomina como Wullaoza, Almer o Dudler. En Suiza el Yodel original generalmente se oye como parte de una canción folklórica. Las canciones con Yodel aparecieron hace unos 150 años cuando las ciudades crecieron y cada vez más chimeneas de fábricas ensombrecían el cielo. En aquel entonces mucha gente extrañaba la vida rural y encontraba consuelo en la música y los bailes folklóricos. A muchos suizos y suizas, especialmente los más jóvenes, no les gusta para nada esta música y muy pocos saben cantarla. A lo sumo les gustan las frescas canciones de Christine Lauterburg. Aunque parece no estar perdido del todo porque cada año aparecen nuevos talentos. El más reconocido cantante de éste género es el intérprete bávaro Franzl Lang, conocido como el Rey del Yodel. Fuera del entorno de los Alpes es posible oír Yodel en Alemania, en la Sierra de Harz y en Erzgebirge. También en EEUU surgió un tipo de Country muy similar a las canciones tirolesas, como los Yodeling Cowboys. En 1924 el guitarrista Riley Pucket, con su más puro estilo Hillibilly, mostraba ya cómo hacer Yodel. El cantante de Country Jimmie Rodgers así como el de Jazz Leon Thomas también se valen de ésta técnica de canto. El cantante de Soul Aaron Neville fue inspirado por Gene Autry haciendo Yodel con un estilo vibrato muy inusual. Además las cantantes Jewel, Shania Twain y las Dixie Childs también han demostrado sus habilidades con el Yodel, así como Sinead O’Connor, Dolores O’Riordan, Alanis Morisette, Sheryl Crow, Dido y Chris Martin (Coldplay), quienes hacen uso del Yodel en algunas de sus canciones. En Suiza se celebra la Fiesta Federal del Yodel cada tres años, la última edición fue el año pasado en Lucerna, y volverá a realizarse en la ciudad de Interlaken en el año 2011, atrayendo a miles de suizos y turistas a esta tradicional fiesta cultural y musical.

Taylor Ware - Crazy yodeling

Franzl Lang - Einen Jodler hör i gern

Tiffany Jo's - Mind Blowing Yodeling

Afrobeat

2011-03-04T21:55:00.002-03:00

El Afrobeat es una combinación de música Yoruba, Jazz, Highlife y Funk, popularizado en África en los años 70. El creador del Afrobeat y artista más reconocido del género es el multiinstrumentista nigeriano Fela Kuti, quien acuñó el término y formó la estructura musical y el contexto político del género. Él lanzó el Afrobeat a principios de los años 60. Kuti antes había tocado una fusión de Jazz y Highlife con su Koola Lobitos Band. Las características más destacables del afrobeat son: *Grandes Bandas: Un grupo grande de músicos que tocan varios instrumentos (la banda de Fela Kuti Egypt 80 se destacó por tener 80 músicos). *Ritmo enérgico y percusión polirítmica. *Los mismos beats son repetidos muchas veces. *El uso de la improvisación. *Combinación de géneros: Una mezcla de varias influencias musicales. *Suele ser cantado en inglés ya que Kuti la consideró como la mejor lengua para ser entendida a través de las fronteras de toda África. La política es esencial en el género de afrobeat, ya que el fundador Kuti estuvo profundamente preocupado y usó la crítica para pavimentar el camino hacia el cambio social. Su mensaje puede ser descrito como contencioso y polémico, que puede ser relacionado con el clima político de la mayor parte de los países africanos en los años 60, muchos de los cuales trataban con la injusticia política y la corrupción militar reponiéndose de la transición de gobiernos coloniales a la autodeterminación. El afrobeat provino de la parte del sur de Nigeria en los años 60 donde Kuti experimentó con muchas formas diferentes de música contemporánea de la época. Frecuentemente emplea en su música la armonía y los ritmos tradicionales de África, tomando elementos diferentes y combinándolos e improvisando sobre ellos. El mensaje del Afrobeat puede ser descrito como contencioso y polémico, influenciado por el clima político de la mayor parte de los países africanos, muchos de los cuales tratan a la población con injusticia política apoyándose en regímenes militares corruptos. Fela Kuti nació en el seno de una familia de clase media nigeriana. Su madre, ferviente activista de los derechos de género, le inculcó desde pequeño un espíritu transgresor y vehemente. Como muchos africanos en ese entonces, hablamos de la década de los 60, decidió probar suerte en Inglaterra, estudiando medicina. Poco después dejó todo para dedicarse a la música y entró a una escuela en el mismo Londres. Luego de un breve paso por Nigeria, en el que formó una banda con algunos compatriotas, decidió probar suerte en Estados Unidos, donde se hizo parte del movimiento negro que en ese entonces presidía el grupo político Panteras Negras. Fue precisamente en Estados Unidos donde su música rescató la vertiente del jazz. Influenciado por genios de la escena neoyorquina: un debutante, pero ya reconocido, Miles Davis y los afamados John Coltrane y Thelonius Monk. Incorporando instrumentos de viento del Jazz y juegos vocales que rememoraban las tribus o cantos tradicionales africanos, Fela desarrolla con su grupo neoyorkino Koola Lobitos Band lo que se conocería como el Afrobeat. Hoy en día existen bandas de Afrobeat en todo el mundo. Así la lista incluiría a Femi Kuti y la Positive Force; Seun Kuti; Ayetoro; Franck Biyong & Massak; Afrobeat Down, Akoya Afrobeat Ensemble, Antibalas (Brooklyn, Nueva York); Chicago Afrobeat Project; Rameses Revolution de Suecia, y finalmente, Tony Allen, el hombre que tocaba en Africa '70 y cuyo ritmo fue, según la autobiografía de James Brown, la influencia detrás de su descubrimiento del Funk.

Fela Kuti in Concert

Sunny Okosun - Revolution

Tony Allen's - Secret Agent

Neue Deutsche Welle

2011-03-04T20:26:00.004-03:00

La Neue Deutsche Welle (Nueva Ola Alemana), habitualmente abreviada NDW, es el nombre de un movimiento musical surgido en Alemania entre 1976 y mediados de los años 80. Musicalmente derivaba del Punk y la New Wabe. La totalidad de sus letras estaban cantadas en alemán, algo novedoso para la época, pues en Alemania, incluso los cantantes de música ligera escribían en inglés. Como la mayor parte del Post Punk, los grupos NDW estaban más identificados con una estética en común que con un sonido particular. El nombre fue acuñado por el periodista Alfred Hilsberg en un artículo sobre el movimiento que fue publicado por la revista Sounds en 1979. La NDW se basó en el movimiento dadaísta de los años 20 y en el sentimiento anticonformista y el look de The Cabinet of Dr Caligari. Los grupos también dirigieron su mirada hacia la Guerra Fría, cuyos símbolos como los uniformes militares al estilo de Mussolini, tenían un sentido kistch. La NDW tenía letras intencionadamente simplistas, en las que se destacaban las abundantes consonantes alemanas y el hiperminimalismo. A todo esto se le sumaba la proximidad del Muro de Berlín, lo que le daba a la música una fuerza extra. Musicalmente el movimiento underground primitivo de la NDW, de 1976 a 1981 aproximadamente, fue influenciado por el arte y la proto-electrónica con Abwärts, Malaria, Geisterfährer y D.A.F. como sus principales exponentes. Pyrolators se enfocó en la electrónica análoga mientras que los pioneros del Sonido Industrial Einstürzende Neubauten, también le dieron forma a la NDW original. Los centros principales del movimiento NDW fueron Dusseldorf, Berlín, Hamburgo, Hannover y Hagen, y en menor medida, la región de Frankfurt Rheim-Main y Viena (Austria). En sus orígenes el movimiento fue apoyado principalmente por dos sellos indies de Dusseldorf, Ata Tak y Zick Zack. La gente por lo general utiliza dos subdivisiones de la NDW: Noise/Physical Music, con grupos como DAF, Die Krupps y Einstürzende Neubauten; y grupos Wit-Pop, que usaban mucho el humor y con músicos como Andreas Dorau, EAV y DOF. Se podría agregar una tercer categoría que consiste en Música Pop de exportación, con artistas de ventas masivas muy conocidos en EEUU, como lo fueron Nena, Falco y Peter Schilling. La NDW que comenzó como under cambió hacia 1981 cuando las principales discográficas vieron su lado comercial. Sin embargo en vez de promover a los grupos ya existentes, prefirieron descubrir nuevos talentos que sean más maleables. De un día para el otro la NDW se volvió popular en las radios, los grupos eran invitados a programas de televisión, los diarios y revistas estaban llenos de fotos, historias y entrevistas. A partir de 1981 surgieron nuevas estrellas como Kah, DOF, UKF, Fr Menke, Paso Doble y muchas más. Los grupos efímeros aparecieron y fueron olvidados uno tras otro, sin embargo la mayor parte de ellos tuvieron al menos un éxito. La amplitud en la aplicación de la etiqueta NDW a estos grupos así como a casi cualquier músico alemán que no cantara en inglés, rápidamente llevó al decaimiento del género cuando muchos de los músicos originales le dieron la espalda. Alrededor de 1983/1984 la era de la Neue Deutsche Welle vio un final temprano después de la sobresaturación del mercado por lo que se percibió como éxitos prefabricados.

Nena - 99 Luftballons

Falco - Der Kommissar

UKW - Sommersprossen

College Rock

2011-03-04T20:14:00.003-03:00

El término College Rock se usa en EEUU para describir al Rock Alternativo de los 80, antes de que la denominación de “alternativo” entrara en el uso común. El uso de la palabra College se refiere a las emisoras de radio localizadas en los recintos universitarios de EEUU y Canadá, donde se considera a college como sinónimo de Universidad. Los estudiantes universitarios preferían el Rock underground, por lo que creaban las listas musicales en base a sus gustos. El College Rock no es un género bien definido pero sí existía alguna estética en común entre las bandas. Musicalmente abarcó una variedad de estilos, pero la mayoría de los grupos estuvo inspirado de alguna manera en el Punk, la New Wave y el Post Punk de finales de los 70 y principios de los 80, con un estilo más Pop melódico y una sensibilidad underground. Así como el Punk puede remontar sus raíces hasta finales de los años 60, el College Rock tomó elementos de grupos como Talking Heads y Devo. A finales de los años 70, ejecutivos de las grandes discográficas pulieron el Punk creando la New Wave con bastante éxito. Pero los artistas realmente independientes a menudo no cayeron en la tentación comercial y buscaron un camino diferente. Podría decirse que mientras la corriente comercial de la música abarcó a artistas simplistas como Bryan Adams o Huey Luwis & The News, el movimiento under continuaba expandiéndose y afianzándose en pequeños clubes con una actitud distinta a la convencional. Artistas como REM, 10000 Maniacs, The Feelis, The Smiths, The Cure, Violent Femmes, XTC y The Replacements fueron algunos de los grupos más destacados de mediados de los 80. Poco a poco las ventas del género comenzaron a crecer por lo que aumentaron los admirados a través de todo EEUU. Las pequeñas discográficas promovían a los grupos y mantuvo vivo al género. Las presentaciones en clubes pequeños les permitían llegar directamente a los seguidores, mientras que las radios universitarias ayudaban promoviendo los espectáculos. Hacia 1988, algunos artistas de College Rock comenzaron a tener el reconocimiento masivo, con varios singles que ingresaron en el Top 40 de la Billboard. Entre ellos estaba The Church, cuyo single “Under the Milk Way” alcanzó en su punto máximo el puesto 26; Midnight Oil cuyo “Beds Are Burning” llegó al puesto 17; y Love & Rockets, que con su canción “So Alive” llegó al Nº 3 en 1989. También en 1988 REM se hizo popular en las radios Pop debido al éxito de sus singles “The One I Love” y “Stand”. Ese mismo año la Billboard introdujo el Ranking de Rock Moderno, en el cual figuraron varios artistas de College Rock en los primeros años de existencia. Hacia finales de los 80 las radios comerciales de a poco comenzaron a incluir al género, denominándolo desde ese mismo momento como “Rock Alternativo”. Por esa misma época, muchas de las leyendas provenientes del College Rock como Husker Du, The Replacementes, y por supuesto REM, fueron contratados por las grandes discográficas, lo que provocó el descontento de sus fans. Ya entrados los 90 se dejó de utilizar la etiqueta College Rock, sobre todo con la aparición de Nirvana y el Grunge.

Violent Femmes - Please Do Not Go

Midnight Oil - Beds Are Burning

R.E.M. - The One I Love

Twist

2011-03-04T18:44:00.002-03:00

El Twist es un baile basado en el Rock and Roll muy popular a comienzos de la década del 60, llamado así a partir de una canción que lo originó: The Twist. Fue el primer estilo internacional de baile en el que las parejas no se tocaban mientras bailaban. La palabra Twist significa girar y define claramente la forma del baile, el cual se hacía precisamente girando el cuerpo, utilizando todas las articulaciones: pies, rodillas, cintura, brazos, etc. La historia del Twist comienza en Detroit, en donde un joven llamado Hank Ballard compuso un tema de relleno que se incluyó en el lado B de uno de sus singles en el año 1960 para su grupo Midnighters. Ellos tenían en su repertorio canciones de éxito, pero querían realizar algo diferente, innovador, y en ese intento nació un tema que cambiaría el estilo musical que en esos momentos se imponía en EEUU, la canción era The Twist. Desde el principio el tema fue un éxito, a pesar que en las listas nacionales sólo alcanzó el puesto 87. El grupo tocaba en un lugar nocturno que se llamaba Peppermint Lounge, el cual se llenaba de gente cada noche para probar el curioso baile. Unos meses después el grupo creó otro Twist en homenaje al local. La canción se llamó Peppermint Twist y su éxito fue tal que cada noche el público tenía que hacer turnos para poder entrar a la discoteca. Se cuenta que cuando se llenaba, se tocaba The Twist, y cuando la canción se acababa, toda la gente salía por la puerta trasera y dejaba paso al siguiente grupo de personas. El tiempo de estancia era de turnos de 15 minutos, para dar a todo el mundo la oportunidad de disfrutar del Twist. En ese local se dio la locura del Twist en figuras tan codiciadas por la prensa como Greta Garbo, Noel Coward, Elsa Maxwell, Judy Garland o Tennessee Williams, así como figuras de la aristocracia tales como Jackie Kennedy, Margot Fontaine o Jean Cocteau. En octubre de 1961 el Twist se estrenó a nivel nacional en “El Show de Ed Sullivan”, de la mano de Chubby Checker, siendo el nuevo fenómeno musical del momento. Chubby Checker, cuyo verdadero nombre es Ernest Evans nació en Filadelfia en 1941. Trabajaba como ayudante en una pollería, en donde permanentemente cantaba canciones de Fats Domino, por lo que sus compañeros lo bautizaron Chubby (regordete). Fue el propio dueño de la pollería quien lo puso en contacto con la discográfica Parkway Records. El sello Parkway se había quedado con la canción original de Hank Ballard y buscaban una nueva voz que la interprete. No se usaron arreglos para la grabación ya que se utilizó el tema original casi nota por nota. La versión que daría fama mundial al Twist vendió tres millones de copias en tan sólo un año. Ningún artista del nuevo y del viejo continente dejó de echar mano al nuevo ritmo. El meloso francés Richard Anthony, la italiana Mina, el español Mike Ríos, entre varios. No se salvó nadie. Grabaron Twists desde la Orquesta Afrocubana de Machito y Mario Bauzá, a la Big Band de Count Basie; el Twist se enseñoreó en fiestas callejeras y en los salones elegantes, y llegó incluso a escenarios teatrales dedicados a la comedia musical. El Twist pasó de moda a industria. Comenzaron a proliferar encendedores, muñecos, corbatas, camisetas, jeans, con la marca de Chubby Checker. Inundó el mercado una procesión de polleras Twist, gabardinas Twist, trajes de noche Twist… era la locura. La música de baile siempre había sido núcleo sustancial del mercado de consumidores negros. Sin embargo nunca había logrado trascender a la sociedad blanca de forma masiva, y menos aún con el furor que desató el Twist. Hombros y caderas avanzando y retrocediendo en alternancia, apretón y huida complementarios, ejercicio un poco gimnástico y un algo erótico, hubo Twist en todos los rincones, pero no por mucho tiempo.

Chubby Checker - Let's Twist Again

Joey Dee & The Starliters - Peppermint Twist

Bill Black's Combo - Twist Her

Skiffle

2011-03-04T11:35:00.004-03:00

La Música Skiffle es un tipo de música Folk influenciado por géneros como el Blues, el Jazz y el Country. Utiliza instrumentos como guitarra acústica y banjo, pero también otros improvisados o caseros como el bajo hecho con una caja de té y un mango de escoba y que consta de una sola cuerda. También usaban peines de pelo con un papel de seda, y si podían permitírselo, un kazoo o un arpa judía, instrumentos de metal creados para caber entre las mandíbulas y que se tocan con un alfiler. La percusión se hacía con tablas de lavar tocadas con dedales. El origen del Skiffle es desconocido pero generalmente se cree que tiene sus raíces en la cultura musical afro americana de principios de Siglo XX. A menudo se cree que se ha desarrollado del Jazz de Nueva Orleáns, aunque otros piensan que surgió de las Jug Bands que tocaban Jazz y Blues a través del Sur norteamericano en las primeras décadas del Siglo pasado. El diccionario inglés de Oxford señala el término “rent-party” como sinónimo de Skiffle haciendo alusión a las fiestas en las que se contrataba un grupo y luego se pasaba la gorra para pagarle al grupo. Al principio, las bandas de Skiffle eran llamadas Spasm Bands. La primera vez que se usó el nombre en una grabación fue en 1925 por Jimmy O’Bryant and His Chicago Skifflers. Esta música llegó a Chicago en los años 20 y pudo haber sido llevada allí como parte de la migración afroamericana a las ciudades industriales del norte. El término Skiffle desapareció de la música norteamericana a finales de los años 40 y podría haber sido en gran parte olvidado sino fuera por su renacimiento en el Reino Unido en los años 50. El Skiffle británico creció en la escena del Jazz de la posguerra y se convirtió en un movimiento lejos del Swing y del Jazz tradicional. Lonnie Donegan, que tocaba el banjo en el Ken Coyler Jazzmen, fue de los primeros en incursionar en el Skiffle en Gran Bretaña. Formó un grupo acompañado por otros dos músicos, uno con un bajo hecho con una caja de té, otro con una tabla de lavar, y el propio Donegan en guitarra y voz. Ellos tocaban una variedad de Folk y Blues, en particular sacados de las grabaciones de Leadbelly, en un estilo animado, emulando las Jug Bands norteamericanas. El Skiffle se convirtió en un movimiento de aficionados muy popular en los jóvenes de la clase obrera, quienes podían comprar barato, construir o improvisas sus instrumentos. La fiebre por el Skiffle probablemente alcanzó su pico con la difusión del programa de TV de la BBC Six-Five Special, a partir de 1957, que usaba una canción Skiffle en su presentación y en varios segmentos del programa. Se ha considerado que a finales de los años 50 existían entre 20 mil y 50 mil grupos de Skiffle en Gran Bretaña. Estos músicos tocaban en bares, pasillos de iglesias o cafés, sin necesidad de aspirar a la perfección musical. Muchos músicos británicos comenzaron tocando Skiffle en este período, como el irlandés Van Morrison; el pionero del Blues británico Alexis Korner; así como Mick Jagger, Ron Wood, Jimy Page, David Gilmore entre muchos. John Lennon formó en marzo de 1957 el grupo The Quarry Men. Unos meses después se les unió Paul Mc Cartney, y al año siguiente, George Harrison. El grupo tuvo varios nombres como Johnny and The Mooddogs, Long John and The Beetles, hasta adoptar su nombre definitivo, The Beatles. El resultado de todo este movimiento Skiffle fue lo que años más tarde se conocería como Invasión Británica.

Lonnie Donegan. King of Skiffle

Jimmy Page 1957

Freight Train - Nancy Whiskey and Chas. McDevitt Skiffle Group

Movida Madrileña

2011-03-04T11:02:00.005-03:00

La Movida Madrileña fue un movimiento contracultural surgido durante los primeros años de la transición post franquista en España, que se generalizó y se convirtió en la Movida Española, prolongándose hasta finales de los 80. Se reconoce como punto de partida de la Movida al llamado “Concierto Homenaje a Canito”, en memoria de José Antonio Cano Leal. Baterista de Tos (futuro Los Secretos), que había muerto a causa de un accidente de tránsito en diciembre del 79. En dicho concierto, celebrado el 9 de febrero de 1980 en la Escuela de Caminos de Madrid. Actuaron Tos, Mermelada, Nacha Pop, Paraíso, Alaska y los Pegamoides, Trastos, Mario Tenia y Los Solitarios. El momento cumbre de la Movida fue el 23 de mayo de 1981 cuando se organizó el “Concierto de Primavera”. Más de 15000 personas se dieron cita en el festival que duró más de ocho horas y en el que participó Fahrenheit 451, Alaska y los Pegamoides, Flash Strato, Los Modelos, Tótem, Rubi y los Casinos, Mamá, Los Secretos y Nacha Pop. El apoyo político a esta cultura alternativa pretendía mostrar un punto de inflexión entre la sociedad franquista y la nueva sociedad de la democracia. Esta imagen de una España “moderna” sería utilizada internacionalmente para combatir la imagen negativa que el país había adquirido a lo largo de cuatro décadas de dictadura. Desde las cadenas musicales de Radio Nacional de España, Radio 3 y Radio España FM se transmitía lo que sucedía y se convirtieron en portavoz de la Movida. Por su parte, la aparición de discográficas independientes permitió la creación de una música distinta a la patrocinada por los grandes sellos. La Movida Madrileña no se limitó a un estilo de música particular o concreto, sea Glam Rock, Punk, New Age o Tecno, pues los jóvenes que participaron en esa época, se distinguieron por adoptar una gran variedad y libertad de gustos y subculturas musicales alternativas a los anteriormente presentados oficialmente como populares. La música fue el disparador, y la nueva forma de entender la cultura se extendió rápidamente a otros ámbitos como cine, comic, televisión, diseño, prensa, radio y sobre todo, una nueva forma de entender la vida, especialmente la vida nocturna. El primer grupo de la Movida fue Kaka de Luxe, formado en 1978 y del que surgieron Alaska y los Pegamoides, Radio Futura y Paraíso. Luego reaparecieron cantantes como Joaquín Sabina y Miguel Ríos; llegaron músicos argentinos que aportaron su Rock en español (Moris, Rubi, Tekila); aparecieron poperos clásicos (Natasha Pop, Los Secretos); futuristas (Zombies, Aviador Dro); góticos (Décima Víctima, Parálisis Permanente); Punkies (Toreros Muertos, Los Nikis); Pop divertido (Hombres G, Modestia Aparte); etc. No sólo se siguió la estética inglesa o norteamericana. El Pop comenzó a “aflamencarse” (Veneno, Pata Negra); utilizar la estética castiza (Gabinete Caligari) y se vieron los primeros intentos de mestizaje entre la música latina y el Pop, con Radio Futura a la cabeza. No está de más recordar la incursión musical de Almodóvar, que con sus Fashion Victims fue uno de los mayores promotores de la movida.

Alaska y los Pegamoides - Horror en el hipermercado

Nacha Pop - Relojes En La Oscuridad

Almodóvar y Mcnamara - Voy a ser mamá

Visual Kei

2011-03-04T10:28:00.001-03:00

Visual Kei es un término con el cual a finales de los 70 y principio de los 80 se comenzó a llamar a las bandas musicales en Japón que formaban parte de la llamada Livehouse Scene. La palabra Kei traducida del japonés significa “estilo” por lo que se refiere a un estilo visual. Este movimiento musical nació a partir de ciertas influencias occidentales que llamaban la atención de los exigentes japoneses: el Metal, el Glam, y bandas excéntricas como Kiss, Poison y Twisted Sister. Visual Scandal, un quinteto estrafalario que utilizaba un concepto andrógino y delicado se proclamaban como la bandera del “Visual Shock" o “Visual Violence”. Dominaron el panorama melódico a finales de los 70 y principios de los 80 influenciados por la estética del “Camaleón del Rock” David Bowie. Ellos juntos con Murbas, Saber Tiger y 44Magnum cimentaron la tendencia Visual. Tiempo después se formó Seikima II, que mezclaron el Kabuki y el Metal, logrando así una estética bastante subversiva, preferencia que siempre se ligaría a esta excesiva libertad, independencia y reclamo por parte de los grupos y fans de esta ideología. Con el grupo Color se conceptualizó la moda del Visual, pues se impusieron los peinados estrafalarios adicionados con tintes de diversos colores. El apogeo comenzaba, varios grupos irrumpieron en los años 80 como fueron Buck Tick, Dead End, D’elanger, Kamaitachi, Aion y un largo etcétera. La verdadera revolución del movimiento llegaría con X-Japan, que acabarían siendo extremadamente famosos, con estilos Metal y Punk, pero su apariencia no dejaba dudas: eran partidarios de la lúcida belleza brutal y la locura de los grupos Visual. Tiempo después, el encanto del grupo Keroyume sería la musa para las nuevas expresiones. Nacieron grupos como L’arc en Ciel, y el movimiento rompió récords de ventas. Los inicios de los 90 estuvieron llenos de fortuna, premiaciones y triunfos que proyectaron al Visual Kei hacia Europa y EEUU. Dicen que lo bueno dura poco y este movimiento no fue la excepción, pues toda la vorágine de sucesos llamó la atención de las grandes disqueras. La era indie se fracturó y fulminó la identidad de miles de jóvenes nipones. Era claro que la escena necesitaba reinventarse y la diferencia llegó con Malice Mizer, un grupo que selló la nueva era enfocándose en crear toda una cultura alrededor del movimiento musical; cambió el Metal, el Punk, el Hardcore y el Glam por los mejores acordes del Romanticismo francés. Sus ritmos eran barrocos y gótico, el glamour, la femineidad y el performance eran sus estandartes. Aproximadamente en 1992 el término Visual Kei fue acuñado. Emergieron bandas como Dir en Grey, Penicillin, Kagra, Lareine, Due’le Quartz, etc. Las diferentes subculturas Visual están asociadas a un estilo musical. El Kote-Kote Kei es el estilo más típico del Visual, estilo andrógino y oscuro en el que los hombres usan corset, zapatos de plataforma alta, ligueros y un maquillaje exagerado. Sus bandas principales son Ghost y Phantasmagoria. El Elegant Gothic Kei se parece mucho al Goth clásico, la música tiene toques de música clásica (pianos y violines), las chicas se visten como lolitas con maquillaje oscuro, los chicos al estilo aristocrático. Es más un estilo de moda que musical pero pueden incluirse a Malice Mizer y Moi dix Mois. El Eroguro Kei, cuyo maquillaje sirve para hacer más feo al artista, incluye bandas como Kagerou y The Piass. El Oshare Kei tiene una estética alegre y colorida. El White Kei es el subgénero más popero del Visual. El interés hacia el Visual Kei en Norteamérica fue motivado por el animé, especialmente los openings y endings, que presentan un sin fin de grupos Visual.

Seija No Koushin - Deadman

Megamasso - White, White

Snow Scene - An Cafe

Psychobilly

2011-03-04T09:45:00.001-03:00

Psychobilly es una mezcla del Punk rock, Rockabilly y otros géneros. Es uno de los varios subgéneros de rockabilly, que a veces también incluyen trashabilly, punkabilly, surfabilly, y gothabilly. El psychobilly se caracteriza por unas letras que acostumbran a tratar sobre ciencia ficción, el horror y las películas, especialmente de terror, la violencia, el sexo, especialmente el más espeluznante y bizarro, y otros temas considerados tabú, aunque normalmente con un tono desenfadado, como en una comedia, así como temas terroríficos representados en las películas de horror de entonces (Halloween, las andanzas sangrientas de Freddie Kruger, zombies, calaveras, entre otras), y el llamado cine clase B americano, de muy bajo presupuesto. A menudo el contrabajo ocupa el lugar del bajo eléctrico. El Psychobilly adquirió cierta popularidad en Europa a partir de los años ochenta, pero en Estados Unidos esto no aconteció hasta finales de 1990. Desde entonces, el éxito de varias bandas ha llegado a su máxima popularidad, y atrajo la atención internacional para el género. A finales de los 70, el Punk se hizo popular, y varios rockabillies y bandas de Rock Garaje influyeron en el desarrollo del Psychobilly. El término Psychobilly fue utilizado en la letra de la canción country "One Piece at a time", de Johnny Cash, que describe la construcción de un "Cadillac Psychobilly". La banda The Cramps, que se formó en California en 1972, se apropió del término de la canción y describió su música como "Psychobilly" y "Vudú Rockabilly" en la publicidad de sus conciertos. The Cramps, junto con artistas como Screamin 'Jay Hawkins, son considerados como importantes precursores del género. The Meteors, formada en el sur de Londres en 1980, se consideran la primera banda de Psychobilly verificable. Cabe mencionar también la corta vida de The Sharks. Otra banda británica significativa fue Guana Batz. La discoteca Klub Foot, inaugurada en el Hotel Clarendon, de Hammersmith, en 1982, fue el centro del movimiento Psychobilly británico Sellos discográficos como Nervous estaban allí, firmando contratos con muchas bandas. En la Segunda Ola el género se extendió rápidamente por toda Europa con grupos como los alemanes Mad Sin, y los daneses Nekromantix, formados a mediados de los 80, lo que amplió la base de seguidores. Sellos discográficos, como Nervious y Crazy Love, también ayudaron, aunque el género todavía seguía siendo un gran desconocido en los Estados Unidos, con una escena de lo más modesta. Sin embargo, el grupo Reverend Horton Heat, formado en Dallas en 1985, con su single "Psychobilly Freakout", ayudó a introducir el género entre el público norteamericano. La tercera oleada de psychobilly comenzó a mediados de la década del 90, con muchos grupos que incorporan influencias de Hardcore Punk, Indie Rock, Heavy Metal, New Wave, Rock Gótico, Surf, Country y Ska. El Psychobilly se hizo bastante popular en los EEUU. Tiger Army, formado en San Francisco en 1995, se convirtió en la banda dominante del Psychobilly estadounidense a partir de su disco debut, en 1999. El género siguió su progreso en Europa, donde nuevas bandas continuaron apareciendo en los años 90; como Asmodeus, de Ámsterdam, los franceses Kryptonix, los daneses Godless Wicked Creeps, los nipones Battle of Ninjamanz, o los brasileños Os Catalepticos.

The Cramps - Tear It Up

Horrorpops - Miss Take

Peter Pan Speedrock - Resurrection

Isicathamiya

2011-03-04T08:26:00.003-03:00

El Isicathamiya es un tipo de canto coral a capella que se desarrolló en Sudáfrica por las comunidades zulúes migratorias. Es una síntesis de tradiciones diversas, desde músicas locales hasta canto coral cristiano y Blackfire Minstrely, una forma de entretenimiento que prosperó en EEUU e Inglaterra a finales del Siglo XIX. El término Isicathamiya no tiene una traducción literal, es sacado del verbo zulú cathama, que significa andar ligero pero furtivamente, de un modo felino. Los coros varían entre 4 y 20 miembros, tradicionalmente formado solo por hombres y sin acompañamiento instrumental, aunque actualmente muchos coros incluyen mujeres y utilizan instrumentos. Nació bajo los auspicios de la segregación a principios de Siglo XX entre mineros y obreros zulúes que fueron arrancados de sus comunas de origen para trabajar en las minas de oro o en las fábricas de las grandes ciudades. Las letras tratan sobre temas religiosos o canciones de amor, y también temas actuales como Sida, criminalidad, desempleo, drogas, etc. Antes del final del Apartheid en 1992, las letras no tenían ninguna dimensión política. Esta prudencia le valió los favores del régimen existente que intentó difundir esta música financiando algunas competencias, y en los años 60, difundiéndola en las radios segregacionistas dedicadas a los zulúes. El objetivo era utilizar las nuevas tecnologías para volver los Homeland lugares más aceptables (territorio asignado a cada etnia negra). Era una manera suave de acompañar una política brutal. Las letras del Isicathamiya predicaban la vuelta a casa, la vuelta a la familia. La idea era hacer admitir que el verdadero hogar de los negros era el Homeland y no la ciudad. A finales de los años 30 surgió un estilo coral que expuso las cualidades sonoras y visuales que más tarde caracterizaron al Isicathamiya. Este estilo se llamó Mbube y surgió en 1939 cuando Solomon Linda compuso la canción que dio nombre al género. La canción Mbumbe se hizo internacionalmente famosa con el nombre de Wimoweh y más tarde se la llamó The Lion Sleeps Tonight. A finales de los 60 los Kings Star Brothers fue el grupo más popular en Sudáfrica. En 1986 el artista norteamericano Paul Simon grabó el disco Graceland, que contó con la participación del grupo Ladysmith Black Mazambo. Gracias a ello el grupo accedió a un renombre mundial a pesar del boicoteo económico y cultural contra el Apartheid. El Isicathamiya se ha propagado principalmente gracias a los concursos de fin de semana, en los cuales los concursantes son evaluados no solo por la precisión de sus cantos sino también por la pulcritud y la integridad de su aspecto. A los ganadores se les concede una cabra por su esfuerzo. Todos visten de igual manera, guantes blancos inmaculados, zapatos lustrados, trajes de tres piezas y gemelos brillantes. Estos concursos se llevan a cabo en salones de actos y salones de iglesias de toda Sudáfrica. Los cantantes se reúnen bajo la autoridad de un líder, a menudo el más anciano, quien escribe las canciones y los dirige. El líder es quien elige a los miembros del grupo y si es necesario los atrae hasta la ciudad garantizándoles un lugar en el centro de alojamiento. Todos cantan por un mismo sueño: que el Isicathamiya sea algún día su sustento, y a su vez, para no terminar en prisión o caer en el alcoholismo

Solomon Linda & The Evening - Mbube

Ladysmith Black Mambazo - Hello My Baby

Amazing Zulu Song

Cape Breton Fiddle Music

2011-03-03T21:20:00.002-03:00

La isla de Cape Breton es un mundo mágico lleno de música tradicional. El número asombroso y la calidad de músicos se combina con el entusiasmo de un público muy conocedor. La isla se encuentra situada en el extremo oriental de la península de Nueva Escocia, en Canadá, y se ha unido al continente por medio de un terraplén construido en 1955.Escasamente poblada por los aborígenes Mi’kmaq, la isla se convirtió en un puesto de avanzada de pobladores franceses implicados en la producción de bacalao y el comercio hacia principios del Siglo XIX. Durante la primera mitad de ese siglo llegaron grandes contingentes de escoceses, provenientes principalmente de regiones de habla gaélica (Tierras Altas e Islas Occidentales). Llegaron en busca de tierras arables y desplazaron a la escasa población acadia que vivía en la isla. De una población de 3000 habitantes en 1801, la isla creció a 55 mil en 1851 y a 75 mil hacia 1871. Esos inmigrantes escoceses llevaron sus tradiciones y su música a la nueva tierra. Si bien la música cambió bastante desde esa época en Escocia, no sucedió lo mismo en Cape Breton donde se mantuvo mejor conservada. Al poco tiempo los músicos se conocían simplemente como Fiddlers. Sería engañoso creer que esta música tradicional es frecuente en toda la isla. Su bastión es sobre todo el condado de Inverness que corre a lo largo del lado occidental de la isla. Allí se encuentran Mabou, Judique y otras comunidades pintorescas. Hace un siglo el violín y el órgano eran los instrumentos más comunes, aunque luego el órgano fue sustituido por el piano. Muchas de las melodías son interpretadas en otros instrumentos, sobre todo guitarras y gaitas, y en raras ocasiones, en mandolinas, armónicas o banjos. Los músicos actuales de Cape Breton utilizan un gran número de canciones tradicionales así como composiciones propias de la isla. La música de Cape Breton, a menudo llamada Cape Breton Scottish Violin Music o Fiddle Music, está orientada principalmente para la danza, para la que se utiliza un intrincado paso de baile llamado Low-to-the-floor, un estilo que desapareció de Escocia hace varias décadas. Los músicos generalmente tocan melodías organizadas alrededor de un mismo tono. Típicamente un violinista es acompañado por un pianista, y en algunas ocasiones, por una guitarra rítmica. La mayor parte del repertorio puede ser encontrado en libros del Siglo XIX publicados en Escocia. Otras melodías consideradas tradicionales fueron compuestas en la isla o traídas desde Escocia y transmitidas de forma oral de generación en generación. Varios Mi’kmaqs nativos se han distinguido como músicos de este estilo. Si bien el gaélico fue sustituido por el inglés, las grabaciones y colecciones tempranas, documentan su presencia en la isla. Las grabaciones comerciales comenzaron a finales de los años 30. The Inverness Serenaders fue uno de los primeros grupos de Cape Breton en grabar discos, aunque estaban radicados en Boston. La primera colección moderna de Fiddle Music, compilada y arreglada por el violinista Gordon Mac Quarrie, se publicó en Medford, Massachussets, en 1940. Los Rankins, los MacNeils y los MacLellans son algunas de las familias de músicos más prominentes en haber dejado su marca a través de los años. Ashley MacIsaac se convirtió en violinista de alto nivel a una edad muy temprana. Su prima Natalie MacMaster es la mejor embajadora de la música de Cape Breton. Sus extraordinarios shows en vivo convierten las audiencias enteras en fans de esta música. La familia Rankin a cautivado a un público creciente fuera de Canadá. Mientras que hay muchos estilos regionales en Norteamérica, muchos de ellos están en franca disminución. En cambio, la música de Cape Breton sigue siendo una forma vital de expresión musical arraigada en las mismas tradiciones de los antepasados distantes de los músicos.

Kinnon and Betty Beaton at the Doryman

Jennifer Roland

Kimberley Fraser

El Rock y el Fútbol

2011-03-03T19:30:00.002-03:00

Por más que las canciones de moda del Rock mochas veces terminen convirtiéndose en himnos de tribuna. El Rock y el fútbol nunca fueron una dupla que se haya caracterizado por tener una gran relación. La tendencia está cambiando. El mundo de los jugadores de fútbol de ninguna manera estuvo emparentado con los grandes del Rock and Roll, esta tendencia comenzó a crecer en los últimos años. De hecho es difícil imaginar 16 jugadores preparándose para un partido al son de Ratones Paranoicos, Almafuerte o Los piojos. Como todo en este mundo, existen excepciones a la regla. Tal vez uno de los primeros en protagonizar ese tipo de unión entre dos elementos no tan proclives a ser mezclados haya sido el enorme George Best quien supo sembrar una importante amistad con los Beatles. Incluso llegó a ser señalado como el quinto de los Fab Four por la prensa inglesa. Si bien los futbolistas no suelen destacarse por ser unos estudiosos del rock pasa todo lo contrario con los músicos, entre los que sí se pueden contar casos paradigmáticos de enfermedad futbolera. Paul Weller, líder de The Jam, fan del Chelsea, la leyenda del Pub Rock Doctor Feelgood no pararon hasta poder conocer a Maradona. Y hasta el refinado Ray Davies, genio y figura al frente de los Kinks, se encargó de dejar en claro que el fútbol era una de sus pasiones ante todo aquel que se lo preguntara. Todo esto sin contar el caso de Rod Stewart, que se fue hasta Argentina para apreciar a su selección escocesa en el Mundial del 78. En nuestro fútbol podemos destacar a Karamelo Santo con clara simpatía por Godoy Cruz por gran parte de sus músicos, Ataque 77, Iván Noble y Ratones Paranoicos con Boca, Cordera de La Bersuit con Lanus, Kapanga con Quilmes, Fito Páez y Baglietto con Rosario Central, Adrián Otero de Menphis la Blusera con Vélez y La 25 con Racing, y Robert Plant que es socio vitalicio del Wolves, entre otros. 'or el lado de los jugadores transformados al Rock aparecen varios casos. El primer ejemplo es el Mono Germán Burgos, el ex arquero de la Selección es actual líder de The Garb. Otro exponente de esta especie es el Rifle Fernando Pandolfi, aquel talentoso delantero de Vélez y Boca, que dejo el fútbol para dedicarse al Rock y tras participar en algunas bandas acaba de sacar el segundo disco con su propia formación Mil Hormigas. José Antonio García Calvo, ex futbolista del Real Valladolid, debutó como cantante del grupo Happening en enero de este año. Alvaro Benito, ex jugador del Real Madrid, tras una lesión que acabó con su carrera, formó el grupo Pignoise. Otros que comenzaron como jugadores y tuvieron que dejarlo, bien por su manifiesta incapacidad o por tener mayor fortuna en el mundo del Pop. Tal es el caso de Rod Stewart (ligado en su infancia y juventud al Brentford inglés), Elton John (en su juventud jugó en las divisiones inferiores del Watford), Gaz (Happy Mondays, jugador del Manchester City), Mick Hucknall (Simply Red, jugador del Manchester Uniíed), David Essex (jugador en el Colchester United) o Steve Harris (Iron Maiden, jugador en el Halifax Town. La fútbolización del rock no es sólo producto del secuestro de canciones por parte de las hinchadas, sino que los rockeros también dedican canciones a los jugadores -Los Piojos, Ratones Paranoicos y Calamaro a Maradona, por caso- y a los colores que aman -Attaque 77 a Boca, Die Toten Hosen al Bayem Munich-. Como postre y dato final apareció en México una banda que propone la futbolización del Rock. Fanáticos Club Band es la primera banda temática del mundo, inventores de un nuevo género: el fut-rock. Uno de sus ternas lo canta la hinchada de San Lorenzo y hace rato que son cortina de un programa de TyC Sports.

Burgos y Simpatía - Será un Rolling Stone

Mil Hormigas - Revolviendo

Ruud Gullit - Revelation time

Dabke

2011-03-03T19:02:00.003-03:00

Cuando hablamos del folklore libanés, tanto en lo referente a la música como a la danza, es inevitable hacerlo empezando por el Dabke, la danza y música típica libanesa por autonomancia. El Dabke, que significa zapateo, es bailado en todo el país, especialmente en las zonas montañosas, desde cuales desde épocas inmemoriales, extrajo de sus habitantes la fuerza y la potencia que le es característica. Es un baile grupal, en el cual los bailarines forman una ronda tomados de las manos y acompañan el alegre y marcado ritmo musical con distintos pasos y saltos. La música se ejecuta con una simple flauta, llamada meshues, en las fiestas familiares, o hasta con orquestas sinfónicas, utilizadas en los espectáculos brindados por los grandes músicos. Se lo baila principalmente en la primavera, época lluviosa, en las bodas y las cosechas. El Dabke se originó como consecuencia de una necesidad. En la antigüedad las casas eran de piedra y barro, con sus techos de madera, paja y barro de unos 50 centímetros de espesor. Como consecuencia del clima, el techo se resquebrajaba y cuando llovía se filtraba agua dentro de las casas. La forma de repararlo era humedeciendo y pisoteándolo para tapar las grietas. Para este trabajo se requería de bastante gente y de mucho tiempo. Por eso generalmente se hacía en grupos de vecinos que se ayudaban entre sí. Para que el plegado de la tierra sea uniforme en todos los lugares, se alineaban, y agarrados de las manos, daban un paso adelante y un pisotón, luego un paso hacia atrás y otro pisotón. Luego, y para que esto no sea tan aburrido y cansador, algunos cantaban una poesía e iban bailando al ritmo de ella. Con el correr del tiempo se fueron agregando instrumentos de música a esas poesías, con lo que se originó la música y el baile del Dabke. El Dabke es una danza que requiere energía y fuerza, se realiza en forma de semicírculo, usualmente entre 6 y 15 bailarines. A veces entre ellos existe entre ellos un líder denominado “Al-lawah”. El baile comienza con una melodía, la cual el kawil comienza a cantar, entonces los bailarines comienzan a mover sus piernas en una forma similar a la de un paso de orden militar. Una vez que el kawil ha terminado de cantar, el líder del grupo empieza a bailar solo, y todos los bailarines realizan simples movimientos hasta que el líder observa que ellos se están moviendo de exactamente la misma manera. Una vez que ha sucedido esto, él da la señal para que todos comiencen a bailar. El tema central de la música es el amor, este amor tanto a la mujer amada como a su tierra, su mar, sus montañas y su gente y costumbres, el amor al Líbano, una constante en todas las expresiones artísticas libanesas. Los instrumentos típicos utilizados son el Derbake, que es un instrumento de percusión, Cítara, Laúd, Kanun, Daff, Zurma, Nay, etc. Muchos de los músicos árabes de fama mundial son de origen libanés, entre ellos Fairuz, Sabah, Nasri, Shams Ed-Din, Wady Es-Safi o Tonny Hanna. Entre los nuevos talentos se destacan Ragueb Alami y Pascal Sakr. La tradición se manifiesta también en las discotecas donde los jóvenes bailan alternadamente música árabe y los últimos éxitos del Pop y el Rock occidental. El mayor festival del Líbano es el festival de Baalbeck, un espectáculo o una serie de espectáculos que se realiza todos los años desde 1955, en el conjunto monumental de los templos de Júpiter, Venus y Baco, los más importantes y mejor conservados del imperio romano. Allí acuden anualmente un número importante de artistas y grupos teatrales, compañías de ópera y grandes orquestas, todos ellos de fama mundial, matizados también de espectáculos típicos y folklóricos.

Ballet Al Arab - Mendoza Argentina

Palestinian Dabkeh by Al-Juthoor

Sabah - Zaafe Ya Shabab

Semba

2011-03-03T10:57:00.003-03:00

El Semba es un tipo de música tradicional de Angola y es el precursor de una variedad de estilos originarios de África, cuyos tres derivados más conocidos son el Samba de Brasil, el Kizomba (ritmo angoleño con influencias del Zouk y otros ritmos del Caribe), y el Kuduro (o Kuduru, que es un estilo de Tecno/House africano). El vocablo Semba proviene de Massemba, que es una danza angoleña del interior, y cuyo significado sería “roce de vientres”. El Massemba se caracterizaba por los movimientos que implicaban la unión del cuerpo del hombre con el de su pareja de baile, la mujer se aferraba al hombre por la cintura y lo jalaba hacia ella, provocando un roce de los vientres. La temática de las letras del Semba es a menudo un cuento o una historia de la vida cotidiana y de los acontecimientos y actividades sociales, cantados generalmente en una retórica ingeniosa. Con la música del Semba el artista puede transmitir un espectro amplio de emociones. Es esta característica que lo hizo el estilo musical preferido para una gran variedad de acontecimientos. Así se volvió inevitable su presencia en los funerales, y por otro lado, en muchas bodas angoleñas. Tradicionalmente se toca con percusiones (dikanzas); un arco musical (undu); y una guitarra (kokoa), aunque también se incorporan instrumentos occidentales. El Semba da ritmo a varias danzas como el Kelombelombe (danza del pájaro); el Kisselenghena (danza de la virilidad); el Iemanjá (danza de ofrendas al mar que se halla en la región de Salvador de Bahía, Brasil); y sobre todo, el Batuke (que se encuentra también en Brasil y Cabo Verde), una danza vudú en donde el cantante solista es acompañado por palmas. El Semba se enriquece de otras músicas como la Rumba congoleña, muy popular al norte del país. En la época en que Angola era colonia portuguesa, muy pocos colonos se interesaron por la música autóctona, y las instituciones culturales de Lisboa no hicieron mucho para estudiarla y archivarla. En los años 40 comenzaron a soplar vientos independentistas. La voluntad de muchos jóvenes era redefinirse como angoleños ya que los colonizadores imponían su cultura en detrimento de la autóctona. Estaba mal visto hablar Kimbundu, quien lo hiciera era considerado un tonto, una persona no civilizada. Los fundadores del grupo N’gola Ritmos, quienes definieron el sonido del Semba actual, pensaron que debían hacer algo para mantener vivas su lengua y su identidad. En su repertorio incluyeron canciones en Kimbundu a modo de una rebelión pacífica, intentando despertar conciencias adormecidas tras 500 años de ocupación portuguesa. En ese tiempo no existía la televisión y como no encontraban espacio en las radios ya establecidas, difundieron su música en Radio Esperanza, que funcionaba en la clandestinidad. El grupo fue disuelto por el gobierno en 1959. Dos de sus miembros fueron enviados a cárceles en Cabo Verde por formar parte activa de la lucha política. Los demás fueron reubicados en otras ciudades. Esto no fue suficiente para impedir que su mensaje se esparciera entre la población. En los años 60 apareció la segunda generación de músicos Semba como Rui Mingas, Lili Txiumba, o Elias Dia Kimuezo. Barceló de Carvalho, conocido popularmente como Bonga, lo internacionalizó y le dio un lugar dentro de la World Music hacia los años 80. El Semba se hizo mucho más popular en Angola de la Independencia el 11 de noviembre de 1975. Muchos nuevos artistas emergen cada año y muchos de los veteranos del Semba siguen en actividad. Actualmente se lo fusionó con ritmos caribeños como el Zouk, el Kompa, el Merengue y otros estilos, aunque la mayoría aún utiliza la instrumentación tradicional.

N'Gola Ritmos - Manazinha

Elias Dia Kimuezo - Kalumba

As Gingas - Filhas De Africa

C86

2011-03-03T10:45:00.003-03:00

C86 es el nombre de una recopilación en casete publicada por la revista musical británica NME en 1986, y posteriormente se convirtió en el nombre de un subgénero musical. La cinta fue una tardía continuación a C81, una diversa colección de nuevas bandas, publicada por New Musical Express (NME) en 1981 junto con el sello Rough Trade. C86 fue diseñada de manera similar para reflejar la nueva escena musical del momento y recopilada por los editores de NME. Los lectores debían pagar por la cinta vía correo postal aunque se publicó posteriormente un LP por Rough Trade en 1987. La cinta C86, a pesar de su posterior asociación con un género del mismo nombre, tenía un sonido mucho más duro y punk por parte de las primeras canciones de hasta. Su elevada excentricidad fue completamente diferente a las guitarras a lo The Byrds y misteriosas melodías que fueron las llamadas bandas 'C86'. NME promovió junto con el Instituto de Londres de Arte Contemporáneo, que hicieron una semana de conciertos en julio de 1986 con la mayoría de grupos que aparecen en el cassette. C86 tomó influencias de las bandas post-punk escocesas de principios de los años 1980 en el sello independiente Postcard: Orange Juice, Aztec Camera, The Fire Engines y Josef K. Otras influencias fueron la ética Hazlo tú mismo del punk representada por los fanzines de ese período como The Legend!, Are you Scared to get Happy? y Hungry Beat! que presentaban un abanico de bandas que luego se asociarían con C86. El movimiento continuó teniendo poder de influencia en los años 90 con muchas bandas Riot Grrrl citando a C86 como una influencia y finalmente alcanzó su máximo éxito comercial con el grupo Belle and Sebastian. En su libro Time Travel, el historiador pop Jon Savage traza los orígenes del C86 y del Twee pop en el tercer álbum homónimo de la Velvet Underground. A lo largo del tiempo C86 se convirtió en un apelativo para un movimiento dentro de la escena indie británica, normalmente mofada por ser cursi, guitarras metálicas y cortes de pelo con forma de cacerola de sus cantantes y fans masculinos. Muchas de las bandas de las que ahora se refieren como 'C86' quedaron fuera de la recopilación, tales como The June Brides y Biff Bang Pow!. Más tarde se asoció con el sonido pero todavía tenía que emerger tales como Talulah Gosh, Razorcuts o The BMX Bandits quienes en 1990 publicaron el álbum llamado C86. Todo el plantel de Sarah Records fue determinado con asociaciones con C86 aunque a primera publicación del sello no fuese hasta 1988. El enlace entre el género y la cinta C86 se cuestiona ampliamente. Para remarcar el 20 aniversario de la cinta, un recopilación está disponible sólo para descarga, C06, de bandas contemporáneas inspiradas en aquellas que aparecían en el cassette original, esta fue dispuesta por un sitio indie en julio de 2006. Además una retrospectiva inspirada en C86 (aunque más unida a los elementos indiepop), llamada CD86, se publicó en octubre de 2006 por Sanctuary Records. El Instituto de Londres de Arte Contemporáneo rememoró el aniversario albergando "C86 - Still Doing It For Fun”, una exhibición y dos noches de conciertos celebrando el ascenso de la música independiente británica. Sellos independientes continúan siendo influenciados por el sonido C86. Además de publicando o dando a conocer canciones de nuevas bandas, han redistribuido y recapitulado la mayoría del material producido en ese tiempo. Clubes británicos como How Does it Feel to be Loved continúan pasando canciones de la cinta. Sin embargo, es en Suecia donde el sonido ha tenido una mayor repercusión donde una serie de sellos y nuevas bandas citan a C86 y el sello Sarah Records como su inspiración.

Primal Scream - Velocity Girl

The Mighty Lemon Drops - Happy Head

Mighty Mighty - Law

Appalachians

2011-03-03T08:22:00.003-03:00

La mayor parte de la gente considera a los Apalaches como unas montañas del sudeste de los EEUU, pero en verdad abarca dieciocho estados que alcanzan desde Maine a Georgia e incluyen otros sistemas montañosos como las Berkshires de Connecticut, las Green Mountains de New Hampshire, las Catskills de New York, las Blue Ridge de Virginia, y las Smoky Mountains de Tennessee. Appalachia del sur incluye trescientos condados que cubren la mayor parte de Virginia Occidental, y partes de Alabama, Georgia, Kentucky, Tennessee, Maryland, Carolina del Norte y del Sur, y un área de Virginia llamada Southern Highlands o Upland South, y en la época colonial conocida como el Back Country. Cuando los etnomusicologos hablan de música Appalachian la dividen en dos períodos: la música tradiciones, que incluye baladas y melodías de baile, sobre todos traídas por inmigrantes anglo celtas y que tuvo vigencia en los siglos XVII hasta finales del XIX; y la Old-Time music, muy popular entre 1900 y 1930. Hubo varios motivos que retrasaron el establecimiento de gente en la región de los Apalaches ya que estaba poblada por aborígenes hostiles a los europeos. También había mucha rivalidad entre ingleses y franceses por el comercio de pieles en la zona. Hacia el Siglo XVII colonos ingleses, galeses, irlandeses y escoceses se instalaron en la región oriental, mientras que los franceses lo hicieron sobre el río Misisipi. Por el tratado de 1763 Francia cedió sus territorios a los ingleses. La vida fronteriza era muy rigurosa y una lucha constante ya que las comunidades se hallaban aisladas unas de otras por lo difícil que era transitar entre las montañas. La gente debía confiar en los demás miembros de la comuna, y los acontecimientos sociales, incluyendo la religión, eran sumamente importantes, dando origen a una población profundamente religiosa. La tradición musical era transmitida de generación en generación. La música tradicional Apalachian se basa principalmente en baladas de los pueblos anglo celtas y melodías de baile instrumentales. Las canciones eran cantadas por solistas, generalmente mujeres, lo que les permitía alejarse por un rato de sus labores rutinarias para interpretar canciones que hablaban de luchas sexuales desde el punto de vista femenino o fantasías de fuga. Luego los temas fueron cambiados para americanizarlos ya que las canciones antiguas hablaban de lores y castillos. La iglesia también tuvo un papel importante en la evolución de la música por lo que la lírica explícita fue sustituida o directamente eliminada. Una de las mayores influencias de la música Apalachian provino de las canciones de trabajo de los esclavos africanos. La percusión africana comenzó a cambiar el ritmo Apalachian de canto y baile. La introducción del banjo en 1860 al finalizar la Guerra Civil, aceleró este proceso de asimilación de la música negra. El banjo llegó con los esclavos y en principio fue denigrado como un instrumento de los negros. El violín en un comienzo fue el instrumento principal. Hacia principios del siglo XX con el advenimiento de las grabaciones de discos, llevó la música popular a las montañas. La venta por correo y la fabricación en serie abarataron los instrumentos musicales. Las emisoras de radio organizaban y transmitían los bailes de graneros con bandas locales tocando en vivo. La música ahora conocida como Old-Time. En la década del 20 se hicieron muy populares las bandas de cuerdas, integradas por uno o varios violinistas, banjo, contrabajo, guitarra y en ocasiones piano. La Gran Depresión de los años 30 acabó con la viabilidad comercial de la música Old-Time pero la música antigua tradicional de los Apalaches nunca desapareció.

The Bings on Krack

Big Foot

Orpheus Supertones

Rock Mexicano

2011-03-02T23:36:00.005-03:00

El Rock Mexicano surge con el nacimiento del movimiento rockanrolero en los Estados Unidos. La cultura estadounidense siempre ha sido una influencia de movimientos en boga para los mexicanos tanto por su cercanía con el país. . El nacimiento de los grupos de Rock and Roll en estados unidos, sirve de inspiración para que jóvenes que tenían acceso a esa cultura tomen el estandarte del Rock Mexicano y salgan a demostrar su música. El inicio del Rock Mexicano se da con la formación de bandas que tocaban los covers en inglés de los grupos norteamericanos. En ese entonces (1959), surge un grupo conocido como los Locos Del Ritmo que interpretaban la canción "Yo no soy un Rebelde" que sirvió de estandarte de una época. Junto a ellos nacieron los Teen Tops, los Rebeldes del Rock, entre otros que solían tocar los covers de grupos estadounidenses pero ya las canciones traducidas al español, esto ya implicaba una parte de la creatividad mexicana en la traducción de las canciones y su adaptación. Hubo una época en que el rock sufre un estancamiento porque la mayoría de los vocalistas de los grupos rocaknroleros querían ser solistas y comenzaban a cantar baladas y se perdió por un momento el concepto del rock. El mundo se encontraba dominado por la influencia de los Rolling Stone y los Beatles. Es entonces cuando surge la Segunda Generación de rockeros a mediados de los 60´s, es donde Javier Batiz sale a la luz tocando aún rolas en inglés pero llega con nuevos acordes, nuevos ritmos, nuevas expresiones musicales. Aparece Tree Souls in my Mind y el grupo de Javier Bátiz, pero aún existe una escasa producción de letras de rock en español. En los rockeros de todo el país surgió la idea de crear un festival análogo al de "Woodstock". Este festival mexicano se llamó festival de Rock y Ruedas de Avándaro. Originalmente era un evento que incluiría tocadas masivas y una carrera de autos, convocó a unas 300 mil personas pero fue reprimido por las autoridades. El apoyo al rock se vio obligado a refugiarse en los denominados "Hoyos Funkies", que eran lugares donde cualquiera que quisiera podía tocar. Con estas tocadas subterráneas se mantuvo viva la flama del rock mexicano. Para los principios de 1980 surgen nuevos valores como Jaime López, Cecilia Tussaint, Dangerus Rhythm, un grupo con influencias Punk y Kenny and The Electrics. Durante finales de la década de los 70 y principios de los 80 no existía una infraestructura discográfica para este género musical. Para 1982 surgen bandas como Sombrero Verde y Las Insólitas Imágenes de Aurora, años después conocidos como: Maná y Caifanes. Botellita de Jerez abrió paso para retomar la cultura mexicana y un concepto propio en la composición e interpretación de las canciones. Para 1985 surgen bandas que cantaban en español sobre la vida cotidiana en la calle. Algunos grupos caían en el humor y la satirización de temas urbanos, pero definitivamente mostraban sonidos más mestizos y comenzaba el distanciamiento a los géneros anglosajones. Alrededor de 1988, la industria disquera mexicana comenzó a interesarse por el rock en español, ya que algunas bandas argentinas como Enanitos Verdes y Soda Etéreo con gran éxito en México con un lleno donde se presentaran. Las demandas hechas por el público obligaba a la industria del disco a buscar exponentes mexicanos para dar satisfactores a la sociedad. El empuje a la cultura subterránea se refuerza cuando un subsello Culebra, de la BMG, abrió sus espacios para la escena del rock mexicano, allí grabaron grupos como La Lupita, Santa Sabina y Romántico Desliz. La generación creada después del terremoto que encabezan Los Caifanes y Maldita Vecindad y la siguiente generación es liderada por Café Tacuba, Santa Sabina, Tijuana No, La Cuca, La Barranca, Jaguares, etc. Para los inicios de la década de 2000, aparece un numeroso grupo de bandas que tienen un nutrido público apoyados por una emisora de radio de música alternativa, llamada Reactor105 y del programa InD.

Los Teen Tops - Popotitos

Botellita De Jerez - Guacarrock de la malinche

La Maldita Vecindad - Pachuco

Opera

2011-03-02T23:28:00.003-03:00

La voz Opera en italiano significa Obra Musical y designa, desde aproximadamente el año 1350, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada y cantada con acompañamiento instrumental, donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de Opera. El origen de la Opera tiene lugar en Florencia, donde se reunían un círculo de artistas llamados la Camerata Florentina, entre las décadas de 1570 y 1580. Este grupo trataba de dar vida nuevamente al olvidado arte dramático de la antigua Grecia, la Tragedia Griega. Entre ellos se encontraba Vincencio Galilei, padre de Galileo y quien publicó por primera vez algunos fragmentos conservados de la música griega antigua. Las investigaciones de la camerata no influyeron mucho en la sociedad de su época, pero sí influenciaron en la estética de la Opera que vendría posteriormente. La unión de Jacopo Corsi, Otavio Rinuccini y Jacopo Peri, generó la representación de Dafne, generalmente considerada como la primera Opera. Este primer trabajo se perdió, sólo queda el texto. El mundo mágico de dioses y semidioses griegos siguió siendo un tema importante durante la historia temprana de la Opera. A partir de principios de Sigle XVII, la estructura continuó evolucionando gracias al compositor Claudio Monteverdi. L’Orfeo, favola in musica, fue la primera Opera en alcanzar un lugar importante en el repertorio operístico. Las Operas primitivas tendían a sustituir los finales trágicos por finales felices. Nacen a partir de ese momento, reglas en la estructura dramática: el lieto fine (final feliz), alternancia de escenarios (idilio, mundo interior, paraíso), la combinación de recitativos y números independientes, coros, danzas y canciones a varias voces. La orquesta toma mayor importancia, utilizando instrumentos simbólicos para cada escena. La Opera era un espectáculo reservado a las clases altas pero eso fue cambiando y se convirtió en un espectáculo para el público en general. El Rococó fue un estilo surgido aproximadamente entre 1725 y 1770, y se caracterizó por el refinamiento y la elegancia. Uno de los personajes más importantes de esa época fueron los Castrati. En ese tiempo la Iglesia no permitía que las mujeres cantaran, por lo que eran sustituidas por hombres castrados, hasta 1870 en que fuera prohibida la castración en Italia. El castrato más famoso fue Carlos Broshi, más conocido como Farinello. Durante el período del Romanticismo, la música reflejaba la realidad que se vivía. En ella se retrataba los horrores de las prisiones y de cómo se rescataba a los prisioneros, las desdichas, las guerras y las privaciones. Los años entre el estallido de la Bastilla y la caída de Napoleón, inmersos en guerras, hizo que el héroe y la heroína se convirtieran en los personajes predilectos, especialmente en la Opera de París. Cuando la gente empezó a cansarse de los temas dramáticos de la guerra, y luego de que Napoleón dejara Europa, se inició la búsqueda y necesidad por relajarse, con música más animada. Fue un excelente momento para la aparición del gran compositor Giacomo Rossini. La excepcional Opera Carmen de Bizet, fue la encargada del cambio hacia el arte veraz en 1875, donde el realismo se fue transformando en naturalismo. En el Siglo XIX surgieron ópera de características nacionalistas en los países de los márgenes de Europa. La Opera busco nuevos idiomas, reflejándose este movimiento con danzas, canciones y vestidos en obras de compositores de Bohemia. En el Siglo XX hubo una gran contribución a la Opera por parte de productores y escenógrafos como Luchino Visconti, Franco Zefirelli, Giorgio Strehler y Luca Ronconi.

Gabriela Maldonado

Mario Lanza - La donna è mobile

Kimera - The Lost Opera

Schlager

2011-03-02T20:36:00.005-03:00

Se conoce como Schlager a un tipo de música popular procedente de Alemania y que se esparció por varios países de Europa. Schlager procede del verbo “einschlagen”, que significa algo así como “imponerse de inmediato”, “llegar para vencer”. La raíz de éste término es otro verbo, “schlagen”, es decir, Golpe, análogo al Hit anglosajón. El Schlager requiere de una melodía fácil, contagiosas, y de letras que hablan por lo general del amor, de las relaciones o de las penas que éstas acarrean. Como la llamada Easy Listening Music estadounidense, la tendencia al sentimentalismo convierte al Schlager digerible para el gran público. Por otro lado, el secreto de su supervivencia reside en saber adaptarse rápidamente a los gustos de la época, asimilando influencias del Country, el Folklore nacional e incluso de elementos del Jazz Light. El Schlager refleja las transformaciones de la sociedad y reacciona a las corrientes políticas y sociales. Los primeros Schlagers proceden de Viena: son las melodías extraídas de las operetas que dieron el salto al resto de Europa en el Siglo XIX. La repercusión de éste fenómeno de masas dependió del desarrollo de los medios de difusión, la radio, el cine y los discos. El régimen Nazi, con su infalible ojo para la manipulación de las masas, reconoció pronto el potencial del Schlager e hizo uso de él en pro de la estabilidad y la glorificación del sistema. Al mismo tiempo los protagonistas judíos del género como Werner Heymann y Robert Gilbert, y varios integrantes del grupo Comedian tuvieron que abandonar el país. Años más tarde, el régimen comunista de la República “Democrática” Alemana utilizó el Schlager para poner freno a la influencia de la música occidental en su zona. El objetivo era crear un “Schlager Socialista”. El fenómeno ocupó a los intelectuales liberales en la década del 60.

Semino Rossi - Aber Dich gibt's nur einmal für mich

Kikki Danielsson - Tennessee Waltz

Lotta Engberg with Triple & Touch - 100%

Chamarrita

2011-03-02T18:38:00.005-03:00

La Chamarrita, llamada también Chimarrita, China Rita o Simarrita, la música más representativa de Entre Ríos, tuvo vigencia en nuestra provincia desde 1850 hasta 1930 aproximadamente en los ámbitos rurales, en las ciudades perduró poco tiempo. Luego de la publicación del libro “La Chamarrita y el Caranguiyo”, del investigador uruguayo Fernando Assunçao, prácticamente se unificó el criterio respecto al origen de esta danza. El autor sostiene que este baile es originario de las islas Azores y Madeiras, pertenecientes al archipiélago de Sargos (Portugal), que llegó a nuestra provincia previo paso por el sur de Brasil donde recibió influencias del Fandango, y posteriormente (ya en el litoral argentino), de la Polca. Finalmente se afincó en Uruguay, Corrientes y Entre Ríos, en donde se llevó a cabo un proceso de folklorización que la transformó en una de las expresiones más genuinas entrerrianas. En Uruguay tomó características propias, con un ritmo mucho más rápido y se la denomina Chamarra. En Corrientes se perdió y es creencia de algunos folklorólogos, que se transformó en el actual Rasguito Doble, también llamado Sobrepaso. En Entre Ríos también desapareció y fue gracias al esfuerzo de don Linares Cardozo, que después de muchos rastreos constantes y tesoneros, la rescató y comenzó a difundir con las características que actualmente la identifican. Pareciera ser que su ingreso a la Mesopotamia argentina se produjo recién durante la Guerra de la Triple Alianza. Hay evidencias que se bailó esporádicamente en salones entrerrianos y santafesinos desde 1855, aunque su popularización se habría producido diez años después durante la guerra, por el paso de soldados brasileños que dejaron las coplas y las melodías en la campiña entrerriana. Un gran ejército se reunió en Concordia, formado por soldados de tres países y estuvieron allí por tres meses, entre colosales bailes e intercambios musicales, y así fue como la Chamarrita quedó en el norte de la provincia. Hay disidencias en el significado del vocablo Chamarrita. Para Assunçao, basándose en coplas populares, Chamarrita se le llamaba a una mujer de “vida ligera”; mientras que para Linares Cardozo es todo lo contrario, según decía, cuando el paisano entrerriano se refería a una mujer en términos de “es una chamarrita”, significaba que era una patricia, hospitalaria y trabajadora. Existen otras hipótesis que refutan el origen lusitano de la Chamarrita. Julio Viggiano Esain dice que se trata de una danza criolla originada por otras formas procedentes de la llanura pampeana y muy popularizada en todo el Litoral argentino. Es danza picaresca de pareja enlazada y en ningún momento se acompaña por el canto. Su nombre parece ser una deformación del vocablo castellano Zamarra. Joaquín López Flores en “Danzas Tradicionales Argentinas” dice que en ciertas regiones del Litoral, en la época del predominio español, se diseminó por allí una danza española llamada Zamarra, de ritmo muy allegado a la Milonga. Dicha danza se bailaba enlazada y por defectos de la pronunciación cambió su nombre se Zamarra por el de Chamarra. El profesor Evaristo Mosqueda recibió de labios de su abuela, datos de que ella había bailado la Chamarrita durante el gobierno del General Urquiza, en la casa de la familia Mosqueda en Paraná, y que dicha danza figuraba al lado de la Mazurca, la Polca o la Cuadrilla. Se bailaba como danza de enlace común, sin mayor coreografía. Con el renacer de la Chamarrita, el contenido de sus coplas se ha ido regionalizando, dejando atrás las letras que se centraban en la personificación de una mujer, enriqueciéndose a medida que los llamados poetas cultos han incursionado en este terreno, incluyendo otras temáticas como costumbres y personajes locales, el lenguaje de nuestra provincia, etc. Cuando se habla de Entre Ríos es imposible dejar de mencionar, por ejemplo, las bellas composiciones de Linares Cardozo, cuya merecida popularidad ha sido punta de lanza en la difusión del cancionero entrerriano por el resto del país.

Los Musiqueros Entrerrianos - Devolveme la Canoa

Tarrago Ros - A bailar chamarrita

Canción para Don Pedro - Pocho Gaitán

Paisley Underground

2011-03-01T18:02:00.004-03:00

El Movimiento Paisley Underground es un género temprano del Rock Alternativo, con base principal en Los Angeles y que tuvo su momento de mayor popularidad a mediados de los 80. El nombre fue creado por Michael Quercio de The Three O’Clock, una noche con un amigo que usaba una remera con mangas de paisley (un tipo de tela). Fue creado como una reacción en contra del Movimiento Punk de Los Angeles, que se había tornado muy violento en ese entonces, y era una referencia a la “Paz y Amor” que inspiró el Rock de los años 60. Los grupos que formaron este Movimiento intentaron forjarse un lugar en la fértil escena musical de Los Angeles de la época, mirando una generación hacia atrás a la Psicodelia y grupos de culto como The Doors y Velvet Underground. Como los sonidos del Punk y el Rock Garage era desde muchos puntos de vista una tentación para forjar el nuevo sonido, los grupos no quisieron solamente copiar a sus antecesores sino que intentaban jugar inventivamente con los fundamentos de su sonido como un método de emulación. Las bandas incorporaron armonías vocales e interacción de guitarras en un estilo Pop-Rock inspirados por The Byrds y en toda la variedad de música Pop de la Costa Oeste de los años 60. Aunque no hubiera ningún sonido específico que identifique al Paisley Underground, todos tenían muchas cosas en común. Muchos de los miembros de las bandas vivían en el mismo barrio y se cambiaban de una banda a otra, reivindicaban el empleo de la por entonces obsoleta instrumentación del Rock tradicional, algo de los virulentos impulsos y filosofía del Punk de “Hazlo tú mismo”, un profundo gusto por la Psicodelia de los años 60, y por último, la veneración de algún nombre concreto del amplio espectro del Rock clásico, que contribuyó finalmente a crear el perfil propio de cada banda. Los músicos basaron su música en sus precursores. Así por ejemplo The Dream Syndicate tuvo como referentes a Crazy Horse y Creedence; The Bangs, más tarde llamadas Bangles, se basaron en The Mammas & The Papas; Green On Red en los Doors; The Long Ryders en Buffalo Springfiels y Gram Parsons; The Three O'Clock en Bee Gees y The Monkys, etc. La banda de culto de Memphis de los 70 Big Star, cuyo "September Gurl" fue versionado por The Bangles, también fueron muy influyentes, así como los británicos Soft Boys. Los grupos Paisley con frecuencia compartían escenarios y colaboraciones. Miembros de Rain Parade, The Bangles, The Dream Syndicate y The Three O'Clock se unieron para hacer "Rainy Day", un álbum de covers de Velvet Ünderground, Jimi Hendrix, Bob Dylan, Buffalo Springfield, Beach Boys y The Who. El dúo Dany and Dusty, formado por Steve Gin, de The Dream Syndicate, y Dan Stuart, de Green On Red, grabaron el disco "The Lost Weekend", apoyados por los miembros de cada grupo. Por mucho la banda más importante que surgió de este movimiento fue The Bangles, quienes alcanzaron el éxito masivo a mediados de los 80. Muchos de los otros grupos editaron al menos un álbum en las grandes discográficas pero sin obtener mayor repercusión. El Paisley tuvo gran influencia en Prince, no sólo en su álbum de 1985 "Around the World in a Day", mucho más psicodélico que cualquiera de sus trabajos anteriores o futuros, sino que también llamó a su sello discográfico Paisley Park Records, escribió "Manic Mondays" para las Bangles, y contrató a The Three O'Clock para su sello. El Paisley Underground fue un movimiento difuso en sus parámetros pero que convendría revisar para descubrir en él una colección de excelentes discos, principalmente los refrescantes y sólidos álbumes debut de lo que primero se celebró como la salvación del Rock para después rechazarlo como un retroceso lamentable. Es decir, la historia de siempre.

The Bangles - The Real World

Green On Red - Two Lovers/Change

Rain Parade - My Secret Country

Noise Pop

2011-03-01T17:45:00.003-03:00

El Noise Pop es un género musical enmarcado dentro del Indie Rock o Rock alternativo nacido alrededor de los años 80 y desarrollado fundamentalmente en EEUU, aunque con ramificaciones en Gran Bretaña y otros países. Se distingue por la utilización que dan los grupos vinculados a éste género a la guitarra eléctrica, incorporando elementos de determinados estilos experimentales del Rock, como el Post Punk, la New Wave o la música Noise. Esto incluye la utilización de distorsiones, acoples, feedback y otros efectos sonoros generados con guitarras eléctricas. También se caracteriza por utilizar una contundente base rítmica heredada del Punk y del Hardcore Punk, y por el uso de melodías frecuentemente inspiradas en el Pop clásico y la New Wave. Sus principales precursores fueron grupos como Band of Susans, Mission of Bhurma o Swans. Otros grupos adscriptos al Hardcore Punk también se pueden citar como precursores directos del Noise Pop, como es el caso de Hüsker Dü. La banda más influyente y la que dio origen al género como tal fue Sonic Youth, quienes ya a principios de los 80 comenzaron a utilizar afinaciones en sus guitarras que hasta entonces nadie había empleado en el Rock. Su enfoque revolucionario ejerció una influencia decisiva no sólo en la escena Noise Pop, sino en toda la música alternativa. Otro grupo imprescindible en el género fueron los bostonianos Pixies, cuyo cantante Black Francis exhibía una poderosa y versátil voz capaz de pasar de los gritos histriónicos a la imitación de voces infantiles. Fue el primer grupo en construir sus canciones utilizando crescendos basados en estrofas con melodía Pop y aparentemente tranquilas, a la que seguía una explosión de ruidos furiosos en el estribillo, para volver otra vez a la calma inicial en la siguiente estrofa. Esta fórmula posteriormente la utilizaría Nirvana en la estructura de sus canciones, quienes la popularizaron masivamente. Por su parte Dinosaur Jr se distinguía por la voz perezosa y nasal de su cantante, así el único grupo del género en incorporar solos de guitarra en sus canciones. A mediados de los 80 también surgieron otros grupos estadounidenses como Flaming Lip o Yo La Tengo. Así mismo, en Glasgow (Escocia), The Jesus and Mary Chain también fueron relacionados con el Noise Pop. La popularidad de los grupos Noise fue creciendo durante la segunda mitad de los años 80 dentro de los círculos alternativos gracias al apoyo de las emisoras de radio universitarias norteamericanas y de la prensa especializada europea. Pero no fue sino hasta comienzo de los 90 cuando el género mostró su verdadera importancia al influir sustancialmente a otros estilos alternativos que estaban naciendo por entonces, y a infinidad de grupos que estaban dando sus primeros pasos. Una de las bandas Noise más importante nacida en los 90 fueron los californianos de Pavement. Sus ritmos desacompasados, sus letras sarcásticas y su actitud despreocupada los convirtieron en los herederos naturales del trono del Noise de los 90. Otro grupo ilustre fue The Breeders, cuya cantante Kim Deal, era la bajista de los Pixies. El Noise influyó en varios géneros del Indie Rock. En el Grunge, grupos como Nirvana, Mudhoney, Hole o Screaming Trees, utilizaron las estructuras de las canciones Noise, así como la forma de tocar la guitarra. En el Shoegazing, las canciones de los grupos se basaban en melodías etéreas y tempos lentos combinados con espirales de distorsión. Las huellas del Noise Pop son evidentes en el grupo insigne del género, My Bloody Valentine y en otros como Ride o Swervedriver. Cuando bandas del Post Hardcore como Fugazi, Jawbox o Girls Againts Boys decidieron ampliar las influencias de su música, incorporaron hallazgos sonoros de las guitarras Noise.

The Jesus And Mary Chain - Just Like Honey

Teenage Fanclub - The Concept

Dinosaur Jr. - Feel The Pain

Canzone Napoletana

2011-03-01T12:28:00.004-03:00

La Canción Napolitana (en italiano, Canzone Napoletana) es una clase de composición vocal generalmente en idioma napolitano para voz masculina solista y acompañamiento instrumental. Es característica de la ciudad de Nápoles y su región. Sus letras son variadas, pero suelen hacer referencia a asuntos amorosos o al paisaje del Sur de Italia. Es imposible definir con exactitud cómo nació la canzone napoletana. Algunas fechas pueden ayudar a recordar su historia, pero no podrán explicar por qué los temas escritos y compuestos en este rincón del Mediterráneo tuvieron un éxito universal y un destino tal que hasta Elvis Presley grabó algunos de ellos. Algunas de las canciones más famosas son 'O sole mio, Torna a Surriento, Funiculì, funiculà o Santa Lucia. Hay que remontarse hasta 1825 para ver aparecer el concepto de canciones napolitanas, cuando un editor local publica I Passatempi musicali, una compilación de canciones populares de la ciudad y su región. Años más tarde, Te voglio bene assaie tiene tanto éxito que su texto vende más de 180.000 copias. Con este tema, se inauguraba el certamen de Piedigrotta canora, una especie de concurso de poesía que se convirtió con el tiempo en certamen de canciones, e hizo mucho por la creación de una corriente musical propia en Nápoles. La Festa de Piedigrotta estaba dedicada a la Virgen de Piedigrotta, una imagen muy popular en el barrio napolitano de Mergellina. Este festival perduró hasta 1950, cuando se creó el Festival de Nápoles, que tuvo gran éxito durante toda la década hasta que, finalmente, también desapareció en 1971. La popularidad internacional de las canciones napolitanas se debió, en parte, a la emigración italiana al resto de Europa y a América entre 1880 y 1920. También contribuyó el interés de intérpretes de ópera como Enrico Caruso, quien recurría a estas canciones de su ciudad natal para interpretarlas. Los orígenes remotos de la canción napolitana se pueden fechar hacia el siglo XIII, en los cantos populares. En ellos se alababa la belleza de la naturaleza pero también se aludía a las dificultades de la vida cotidiana. Estos cantos se desarrollaron en el siglo XV, cuando el napolitano se convirtió en la lengua oficial del reino y numerosos músicos, inspirándose en los coros populares, comenzaron a componer frottolas, ballatas y otras obras de carácter festivo que popularizaron los aires napolitanos, especialmente a partir de finales del siglo XVI, cuando la villanella alla napoletana se extendió por toda Europa y se cantó hasta finales del siglo XVIII. En el siglo XVII aparecen los primeros ritmos de tarantela. El nacimiento de editoriales musicales a principios del siglo XIX fue determinante para la difusión de la música napolitana. Otro foco de difusión importante fueron los llamados posteggiatori, músicos ambulantes que cantaban canciones y vendían los textos (a veces, modificados por ellos). Los primeros decenios del Siglo XIX se consideran un momento dorado en la historia de la canción napolitana. La segunda época de esplendor fue tras la Segunda Guerra Mundial. La guerra y sus consecuencias dieron lugar a canciones amargas, desesperanzadas y de tono existencialista aunque en otras canciones se mantuvo el humor y el optimismo. En la década del 60 el Festival de Nápoles alcanzó una gran popularidad y difundió este género en toda Italia. Llegando el final de esa década la Canzone entró en crisis, debido principalmente a la falta de artistas serios que quieran abordar el idioma napolitano y también la música en Nápoles acogió generosamente todo lo que nacía en Estados Unidos: Jazz, Blues y Rock. Pasados los 70 renace nuevamente la clásica Canzone Napolitana con el nacimiento del café concert con Roberto Murolo como abanderado.

Luciano Pavarotti & The Chieftains - Funiculi Funicula

Andrea Bocelli - Santa Lucia Luntana

Mario Merola - O'Zappatore

Gospel

2011-03-01T10:49:00.005-03:00

La música Gospel, música espiritual o música evangélica, en su definición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de 1930. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de su raza. La música Gospel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter ligero en cuanto a música. La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como «llamada de Dios». A esta forma de cantar se le denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana. La fuerte división entre blancos y negros en EEUU., especialmente entre iglesias de blancos y las de negros, ha mantenido separadas ambas ramas del gospel, aunque esta separación nunca fue absoluta (ambas parten de los himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a veces canciones de la otra), y dicha separación ha disminuido ligeramente en el último medio siglo. Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía. Hoy en día hay infinidades de subgéneros, en realidad a cualquier ritmo se le junta la palabra Gospel para que sea aceptado por iglesias evangélicas con un carácter moderno. En ambas tradiciones, algunos intérpretes, como Mahalia Jackson, se han limitado a actuar sólo en contextos religiosos, mientras que otros, como el Golden Gate Quartet, Reverend Timothy Wright y Clara Ward, lo han hecho en otros lugares, incluyendo clubes nocturnos. Muchos hacen música tanto religiosa como secular, como Al Green, Solomon Burke o Aretha Franklin; es habitual que introduzcan canciones religiosas en actuaciones seculares. La cantante, guitarrista y compositora Rosetta Tharpe fue la primera gran estrella en los años 30 y permaneciendo en la fama durante los años 40. El gospel reconoce un gran antecedente: El Negro Spiritual, que refleja el ritmo de trabajo en las plantaciones, donde los esclavos eran obligados a cantar mientras trabajaban, para que no hablasen ni se complotaran. Los Spirituals tienen cadencias lentas o rápidas pero siempre intensas y melancólicas. En las letras, basadas en el Antiguo Testamento, mezclan su fe, su pensar, su estado de ánimo, y también mensajes cifrados de escapes y motines de su agobiante estado de esclavos. Los Negro Spirituals (inspiraciones negras) son producto de las primeras generaciones de esclavos. Estas canciones creadas colectiva o individualmente, eran un recurso valioso para mantener y recuperar la memoria de su cultura, del continente perdido y sus sueños vivos. Para quienes toda posesión era básicamente negada, una tradición musical se convierte en el modo privilegiado, casi único de transcurrir y conservar contenidos. Durante muchos años algunas iglesias blancas reclutaban a aquellos afroamericanos que por distintos motivos lograban la libertad de la esclavitud. Algunos negros que habían logrado aprender a leer, descubren como su historia era similar a la del Antiguo Testamento y hacen suya la interpretación y adoración del sacro libro. Dan cuenta de que los esclavos hebreos, su salvación, el anhelo de una tierra prometida (Israel), es exactamente lo que a ellos les ocurría. El primer esclavo autorizado a predicar en una iglesia fue George Leile (1774). En 1780 se autorizó por primera vez la existencia de parroquias africanas autónomas. Más de 20 años después, los africanos consiguieron su primer obispo negro (Richard Allen, 1816). En el transcurso de las ceremonias religiosas ya más espontáneas y más de acuerdo a su fusión cultural, aparecieron los “cantos inspirados”. La mayoría de las letras se basan en personajes del Antiguo Testamento y en la esperanza de consolidación de los avatares presentes en la otra vida.

The Harlem Gospel Choir

Golden Gate Quartet - Saints go marching in

Edwin Hawkins - Oh happy day

Mandingue

2011-03-01T08:52:00.004-03:00

Varios de los grandes músicos del Africa Occidental son Griots que perpetúan la tradición de sus antepasados, cantando de generación en generación las genealogías y alabanzas de las clases reales y familias nobles del antiguo Imperio Mandingue o Imperio de Mali, cuna de grandes familias de Griots como son Kouyaté o Diabaté. Los Griots o Djélis representaban a la sabiduría, la razón, las normas y valores de la sociedad, representaban también un papel de portavoz entre el pueblo y los gobernantes, utilizando el encanto de su música y su verba para hacer saber lo que es difícil de decir. Esta música existía desde el Siglo XIII pero no era popular. No fue sino hasta la llegada del rey Soumangourou Kanté, con su balafón místico, que la música comenzó a ser popular. La leyenda cuenta que un día Soundjata Kéita envió a un Griot para entregarla en matrimonio al rey Soumangourou Kanté. A su llegada el rey estaba ausente de su residencia, pero tenía poderes especiales que le permitía ver lo que sucedía en su casa durante su ausencia. El Griot, al entrar vio el balafon del rey y le dieron ganas de tocarlo, pero el supervisor del instrumento se lo impidió amenazándolo con que el rey lo mataría. En ese momento el rey entró y vio al Griot dispuesto a tocar su instrumento. Muerto de miedo el Griot se puso a cantar alabanzas a Soumangourou Kanté. El rey quedó maravillado por las palabras que evocaban su bravura y poder, por lo que decidió regalarle su balafon. Y le dio un nombre: Balla Fasséké Kouyaté. Fue con ese balafon que la música del Mande o Mali comenzó a difundirse. Como consecuencia el balafon comenzó a atraer a la gente. Otros Griots comenzaron a imitar a Kouyaté , dando así un carácter popular a la música. Cuando la guitarra y otros instrumentos llegaron para modernizar esta música, los Griots conservaron el poder de las palabras y la fuerza de los textos, generalmente hechos en lengua del país Mandingue (bambara, soussou, wolof, shongai, etc.). Los textos constituyen los fundamentos de esta música, mientras que los sonidos del balafon y del kora le otorgan su inimitable originalidad. Los instrumentos tradicionales utilizados además del balafon son el kora, de 21 cuerdas, el n’goni de 4 cuerdas, el mandékan, el violín tradicional, el bolon, el gnanori, etc. Entre los primeros músicos mandingues en ser reconocidos fuera de Africa se encuentran Ali Farka Touré, Mory Kanté, Salif Kéita, Sekouba Bambino, Oumou Sangaré, etc. Sus sonidos entre jazzeros y bluseros le facilitaron la fusión con otras músicas del mundo. Esta ascensión fue gracias a los pioneros así como a las radios africanas de la época, Radio Dakkar y Radio Mali, que transmitían en toda Africa Occidental. Ba Soumana Cissoko, llamado afectuosamente el León del Desierto en Mali, cantaba para pasar mensajes importantes. Tocaba el N’goni (pequeña guitarra de 4 cuerdas) y hablaba a la vez. Durante 30 años animó en Radio Mali. A su lado estaban músicos como Kouyaté Sery Kandja, L’Essemble Instrumental du Mali, les Ballets Guineéns, de Kéita Fodé; Bembeya Jazz; Mongotafé Sacko (Griot de Mali de la época de la independencia del país); Kanté; Manfila; etc. Luego de esta generación vino la de Kandja Kouyaté, Amy Koita, Salif Keita, Mory Kanté, Ali Farka Touré, Babani Koné, etc. Todos ellos le dieron nuevo impulso a la Música Mandingue. La nueva generación cuenta con cuatro cabezas visibles: Mamani Keita, Habib Koité, Rokia Taoré y Tom Diakité que se presentan en escenario de todo el mundo.

Bembeya Jazz - N'gnamakoro

Tom Diakité - Fala

Mamani Keita

Neue Deutsche Härte

2011-03-01T08:27:00.006-03:00

La Neue Deutsche Härte, abreviado NDH, es un subgénero de la música Hard-Rock Metal que se originó en el mundo de habla germana en los años 90. Las letras suelen ser escritas en dicho idioma y la voz solista con registro grave haciendo énfasis en las R. Las bandas de la NDH se caracterizan por un sonido basado en guitarras eléctricas altamente distorsionadas, los habituales bajo y batería, teclados, sintetizadores, samplers e incluso cajas de ritmo. La NDH no está asociada a ningún movimiento cultural juvenil concreto, como en el caso de la música Punk y Gótica. El nombre es un guiño a otro movimiento surgido en Alemania a finales de los 70, la Neue Deutsche Walle. Muchas bandas fueron importantes para esta corriente empezando por Oomph!, que generalmente es considerada la banda NDH original, sobre todo a partir de su segundo álbum, Sperm. Otro de los grupos importantes de los comienzos fue Fleischmann. Las ventas de NDH fueron aumentando en Alemania y en EEUU. Rammstein ha vendido más de doce millones de discos, Joachim Witt más de un millón y otros artistas alemanes están vendiendo cada vez más. Comentar que Tanzwut e In Extremo también se las incluye dentro de la NDH, aunque practican Metal con instrumentos típicos de la música Medieval (como arpa, gaita o mandolina). Estas dos bandas no son el único ejemplo pero son las más destacadas, así como también Subway To Sally y Letze Instanz entre otras. Joachim Witt comenzó a formar parte de la NDH en su segunda etapa como músico, luego de su reaparición tras doce años, en los que su sonido giró hacia la dureza de la NDH. Con los años este estilo ha influenciado a otros tipos de bandas, incluso fuera de Alemania, como el caso de Ruoska o Türmion Kälitöt, que son originarios de Finlandia y cantan en finlandés. Ninguno de los grupos de la Neue Deutsche Härte se identifica explícitamente con la extrema derecha. Sin embargo con la presentación de algunos videos clips comenzó una polémica por el uso que hacen estos grupos de la estética de extrema derecha en un nivel simbólico. Stripped, un video de Rammstein es un montaje de secuencias de la película propagandística sobre los Juegos Olímpicos de Berlín de la directora Leni Riefenstahl. El video para Die Flut, de Joachim Witt, muestra a un miembro de la raza maestra, vestido de blanco, avanzando en un barco por encima de masas de criaturas infrahumanas, moviéndose lentamente en medio del barro, mientras canta sobre una gran inundación que lavará y quitará todo el barro. Las imágenes se asocian a los lemas de los partidos populistas y a la propaganda nazi antisemita, con la representación de los judíos como una plaga de ratas. No tiene mucho sentido querer leer las letras de grupos como Rammstein para buscar un contenido explícito de derecha, lo que sí podría interpretarse en los videos donde la virilidad y los cuerpos atléticos son idealizados como valores, en el sentido de la “supervivencia del más apto”. Las mujeres aparecen representadas en un ambiente opresivo y de obediencia. La Neue Deutsche Härte juega con fuego desde muchos puntos de vista y al mismo tiempo trata de esquivar cualquier responsabilidad política. Es esa descontextualización que utiliza la estética nazi, lo que le da su encanto y la despoja de cualquier vinculación política. Su fascinación con esas imágenes es inocua, hasta casi apolítica.

Rammstein - Stripped

Joachim Witt - Die flut

Oomph! - Beim ersten Mal tut's immer

Luk Thung

2011-03-01T08:10:00.005-03:00

El Luk Thung es el género musical más popular en Tailandia. El nombre significa “niños de los campos” y es la abreviatura de Pleng Luk Thung. Esto se debe a que la mayor parte de la población tailandesa viven en comunidades rurales y semi rurales. Las letras y melodías de las canciones reflejan las privaciones de la vida cotidiana de la empobrecida población rural, historias de amor, la vida en los arrozales y en el ambiente rural en general. Los ritmos tienden a ser lentos y los cantantes utilizan una forma de interpretación con mucho vibrato que se asemeja al Country norteamericano. En la antigüedad la música tailandesa se tocaba sólo con sus propios instrumentos, de hecho, todavía se utilizan instrumentos que datan del Siglo XIII. El más importante para toda orquesta es un tambor de dos caras llamado Tapon. Este instrumento marca el tiempo, es por eso que todos los artistas le rinden homenaje con inciensos y flores. Otro de los instrumentos es el Wong Yai, una especie de xilófono hecho de bambú. El Luk Thung realmente surgió cuando los músicos mezclaron sus instrumentos tradicionales con los occidentales modernos como la guitarra, bajo, batería e instrumentos de viento. Se desarrolló en la primera mitad del Siglo XX aunque el nombre Luk Thung fue utilizado por primera vez en la década del 60. Ponsri Woranut y Suraphol Sombatcharoen fueron las primeras súper estrellas del género que incorporaron influencias de América Latina, Japón, Indonesia, Malasia, Country, Yodel, y sobre todo, bandas sonoras del cine. El Luk Thung evolucionó en parte por su interacción con la industria cinematográfica. Cuando a las películas con bandas sonoras fueron introducidas en Tailandia a finales de los 60, el Luk Thung se encargó del acompañamiento musical. Si la película tenía éxito, las canciones que incluía se convertían en hits. Mientras las historias seguían presentando a muchachas jóvenes y muchachas de áreas rurales, la influencia de las películas disminuyó debido a los cambios acontecidos en los años 70, cuando la gente más joven emigró de sus casas de las provincias, para trabajar en las fábricas localizadas en el área de Bangkok. Las letras reflejaban la añoranza por el estilo de vida simple, rural, o reflejaban la soledad producida por el traslado a la gran ciudad. Otras veces contaban sobre la obligación de los jóvenes de enviar dinero a sus hogares. A principios de los años 80 marcó una nueva era para el Luk Thung con el surgimiento del video clip como un instrumento promocional. Poompuang Duangjun comenzó su exitosa carrera en ese período, llegando a convertirse en la principal estrella, añadiéndole un sentido más amplio al género, presentando canciones divertidas con letras valientes y desafiantes sobre temas nunca antes hablados tan abiertamente. Durante la década del 90 el Luk Thung entró en un período de decadencia, ya que la cultura Pop occidental comenzó a influir a la sociedad tailandesa. Sin embargo, un puñado de estrellas logró abrirse camino con producciones que tuvieron mucho éxito en las provincias. Hacia finales de los 90, muchos tailandeses decidieron reexaminar sus raíces. Desde entonces el Luk Thung ha disfrutado de un resurgimiento con la aparición de nuevas figuras.

Prem Preyaphon

Chamnong - Len Mai Yark

Poompuang Duangjun